Kisah Film Terbaik: Episode 17 - The Ten Commandments (1956)

Film Agama Terbaik Sepanjang Masa

31 Oktober 2019

Rilis: 5 Oktober 1956

Sutradara dan Produser: Cecil B. DeMille

Sinematografi: Loyal Griggs

Score: Elmer Bernstein

Distribusi: Paramount Pictures

Pemeran: Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G. Robinson, Yvonne De Carlo, Debra Paget, John Derek, Cedric Hardwicke 

Durasi: 220 Menit

Genre: Petualangan

RT: 89%

Masih penggambaran definitif Keluaran dalam imajinasi populer.

Musa menghabiskan 40 tahun memimpin bangsa Israel melalui hutan belantara dalam upaya untuk menemukan Tanah Perjanjian. Namun, untuk separuh lagi, penggambaran Hollywood tentang perjalanan itu dalam "The Ten Commandments" telah bertahan sebagai salah satu film berbasis agama Hollywood yang paling dicintai.

Dalam terbitannya yang diterbitkan 12 November 1956, majalah Life menggambarkan "The Ten Commandments" sebagai "rangkaian kacamata raksasa sebagai klimaks tertinggi bagi karier Cecil DeMille." Akan tetapi, para pendeta setempat berpendapat bahwa alasan mengapa film ini tetap populer sejak lama lebih banyak berkaitan dengan kepatuhannya pada Kitab Suci daripada dengan efek khususnya, set piece titanic atau pergantian tokoh terkemuka pria Charlton Heston sebagai Moses.

"Yang saya hargai adalah mereka tidak berusaha mengubah kisah alkitabiah; mereka hanya menceritakannya," kata Ron Phillips, pendeta senior di Abba's House di Hixson. "Saya pikir orang menyukai kenyataan; mereka menyukainya seperti itu."

Phillips, 68, memasuki pelayanan ketika ia berusia 19 tahun, beberapa tahun setelah ia pertama kali melihat "The Ten Commandments." Tugas pertamanya memimpin sebuah sidang di pedesaan Alabama dan, pada masa itu, pergi menonton film - bahkan film-film Alkitab - disukai di komunitas Baptis, katanya. Jika dia dan istrinya ingin menonton film, mereka pergi ke Montgomery atau Birmingham untuk menghindari mata yang mengintip dan mengibas-ngibaskan lidah.

"Kami tidak ingin melakukan apa pun di sekitar kota kecil kami karena kami tidak ingin ada yang melihat kami," dia tertawa. "Kami tidak berpikir itu salah, tetapi saat itu tidak dapat diterima."

Pada saat itu, kata Phillips, mayoritas film berbasis agama "tidak terlalu bagus dan agak murahan." Film-film seperti "The Ten Commandments," "Ben-Hur" dan "The Greatest Story Ever Told," katanya, adalah pengecualian yang mulai meningkatkan narasi dan lebih baik menunjukkan kekuatan film untuk menyebarkan pesan-pesan evangelis.

"['The Ten Commandments'] tidak terlihat sehebat hari ini, tetapi saat itu, itu adalah pemandangan yang cukup," kata Phillips. "Dan, tentu saja, siapa yang bisa melupakan Charlton Heston? Dia akan selalu menjadi Musa bagiku."

Banyak penggemar menunjukkan kinerja Heston serta ruang lingkup epik dan visual yang kemudian revolusioner sebagai karakteristik yang paling mengesankan dari "The Ten Commandments."

Peninjau dan penggemar sama-sama mengatakan salah satu adegan paling ikonik film ini tiba lebih dari setengahnya selama hampir empat jam. Heston - yang saat itu baru berusia 33 tahun tetapi digambarkan dengan rambut dan janggut beruban artifisial - berdiri teguh di lambang berbatu yang menghadap ke Laut Merah. Membentangkan tangannya lebar-lebar di bawah langit yang berombak, air mengalir ke kedua sisi.

Adegan yang menggambarkan perpisahan Laut Merah sangat mencolok bagi kritikus film Roger Ebert, membuat daftar 1995 tentang 100 Momen Film Hebat.

Abadi

Meskipun pengulas telah menjunjung tinggi harga tinggi selama beberapa dekade, para kritikus yang melihat "The Ten Commandments" selama rilis awalnya bersinar dengan pujian, terutama karena kemegahan grafisnya, yang membuatnya mendapatkan Penghargaan Akademi untuk Efek Khusus Terbaik pada tahun 1957.

"'The Ten Commandments' adalah mimpi dalam benak Cecil B. DeMille melebihi apa yang diproyeksikan orang lain, dan dia telah melakukannya," tulis Reporter Hollywood James Powers dalam ulasan 1956. "[Film] adalah, dalam kata yang disalahgunakan tapi di sini akurat, unik. Tidak ada gambar lain seperti itu. Tidak akan ada. Jika itu bisa diringkas dalam sebuah kata, kata itu akan luhur."

Bagi perawat berusia 28 tahun, Rachael Smith, menonton "The Ten Commandments" di TV telah menjadi tradisi Paskah sejak ia berusia 8 tahun. Seperti "Gone With the Wind," penduduk Chickamauga, Ga., Mengatakan, ini adalah kisah yang dampaknya tidak berkurang seiring bertambahnya usia.

"Itu tidak akan pernah menjadi tua," katanya. "Cerita-cerita seperti itu tidak lekang oleh waktu. Hanya ada sesuatu tentang cara mereka membuatmu merasa ketika kamu menonton mereka yang tidak akan pernah membuat orang bosan.

"[Pertama kali saya menontonnya] saya ingat merasa bangga sesudahnya - bangga menjadi seorang Kristen dan mengetahui bahwa peristiwa dalam film itu bukan hanya sesuatu yang diciptakan oleh Hollywood tetapi sesuatu yang merupakan bagian dari sejarah yang sebenarnya."

"The Ten Commandments" tidak hanya abadi, tetapi juga sangat sukses. Box Office Mojo mendaftarkannya sebagai film dengan pendapatan tertinggi keenam, menyesuaikan harga tiket untuk inflasi. Selama menjalankan awalnya di box office, ia memperoleh $ 120 juta dan lebih dari setengahnya, $ 68 juta, berada di bioskop domestik, menurut Internet Movie Database.

Semak membakar dan pedang bermata dua

Bahwa kisah Musa harus beresonansi dengan baik dengan orang Amerika, khususnya, tidak terlalu mengejutkan, kata Pendeta Mark Flynn, pendeta senior Christ United Methodist.

"Ini diterjemahkan lebih baik ke budaya kita," katanya. "Pada akhir film kami ingin resolusi, dan resolusi harus jelas. Kami menyukai film-film di mana pahlawan yang jelas menyelamatkan hari dan orang-orang jahat, topi hitam, dihukum.

"Pada akhirnya, apa yang ['The Ten Commandments'] menarik orang adalah perasaan bahwa Allah itu aktif. Mungkin itu sebabnya orang lebih suka pada saat ini tahun ini. Itu menunjukkan Allah aktif di dunia. Itu menunjukkan Allah yang peduli, siapa yang mengawasi dan siapa yang peduli tentang di mana kita tertindas dan di mana kejahatan berkembang. Itu adalah pesan yang kuat dan pesan yang relevan dengan Paskah. "

Namun, film itu menjadi sangat ikonis, merupakan pedang bermata dua, katanya. Ya, film-film seperti "The Ten Commandments" membantu mengekspos pemirsa modern - banyak di antaranya Flynn gambarkan sebagai "buta huruf secara alkitabiah" - terhadap kisah-kisah yang dulu lebih dikenal luas, tetapi kekuatan persuasif dari gambar-gambar itu juga dapat membuat mereka sulit untuk melihat ke masa lalu ketika datang untuk menafsirkan Alkitab secara pribadi, katanya.

"Saya selalu memberi tahu orang-orang untuk berhati-hati dengan apa yang Anda tonton karena begitu Anda menonton 'The Passion of the Christ,' misalnya, sulit untuk tidak memiliki gambar-gambar itu melewati pikiran Anda ketika Anda membaca tentang Penyaliban," kata Flynn. "Begitu kamu menonton 'The Ten Commandments,' kamu akan berpikir bahwa Musa tampak seperti Charlton Heston.

"Dalam hal itu, saya akan mengatakan film berbahaya karena memberikan filter yang kuat - kita adalah orang yang sangat visual sekarang - sehingga mungkin sulit untuk mengesampingkannya dan mendengar kata-kata lagi."

Tahukah Anda?

• Sutradara "The Ten Commandments" Cecil B. DeMille adalah salah satu dari tiga pendiri Lasky Film Co. pada 1913, yang kemudian menjadi Paramount Pictures. Dia juga salah satu dari 36 pendiri Akademi Seni Gambar dan Sains.
• Menurut majalah Life, pada saat dirilis, "The Ten Commandments" adalah "film paling lama, paling mahal, paling monumental dalam sejarah pembuatan film."
• Penampilan Charlton Heston mungkin merupakan penggambaran Musa yang paling ikonik di layar lebar, tetapi aktor lain untuk memerankan pembebas Yahudi termasuk Christian Bale ("Exodus: Gods and Kings"), Mel Brooks ("History of the World: Part I "), Ben Kingsley (" Moses "), Christian Slater (" The Ten Commandments, "animasi 2007) dan Val Kilmer (" The Ten Commandments: The Musical ").
• "The Ten Commandments" adalah proyek penyutradaraan terakhir DeMille, tetapi itu bukan adaptasi alkitabiah pertamanya. Dia sebelumnya mengarahkan "Simson dan Delilah tahun 1949", "King of Kings" tahun 1927 dan versi sebelumnya "The Ten Commandments" yang dirilis pada tahun 1923.
• Anak perempuan sutradara Alfred Hitchcock, Patricia, memiliki peran tanpa akreditasi sebagai tambahan dalam "The Ten Commandments." Empat tahun kemudian, ia menerima tagihan hampir-atas dalam film ayahnya "Psycho."
• Narasi film ini menampilkan suara DeMille.
• Selain syuting di Mesir - termasuk di Gunung Sinai yang signifikan secara Alkitabiah - "The Ten Commandments" difilmkan di lokasi di Arizona Monument Valley dan Red Rock Canyon State Park California.
• Komposer "The Ten Commandments" Elmer Bernstein juga mencetak "The Magnificent Seven," "To Kill a Mockingbird," "Cape Fear," "Ghostbusters," "Airplane!" Dan "The Blues Brothers."
• Adegan yang menggambarkan eksodus Israel menampilkan sekitar 15.000 ekstra dan lebih dari 10.000 hewan. Secara keseluruhan, majalah Variety melaporkan pada tahun 1955, film ini mempekerjakan lebih dari 25.000 ekstra.
• Saat syuting di lokasi di Mesir, DeMille menderita serangan jantung ketika mendaki lebih dari 120 kaki untuk memeriksa kamera yang salah dipasang di atas gerbang. Dia terus syuting dua hari kemudian atas perintah dokter.

Sumber: Timefreepress

Kisah Film Terbaik: Episode 16 - The Searchers (1956)

Film Barat Terbaik Sepanjang Masa

25 Oktober 2019

Rilis: 26 Mei 1956

Sutradara: John Ford

Sinematografi: Winton C. Hoch

Score: Max Steiner

Distribusi: Warner Bros.

Pemeran: John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Ward Bond, Natalie Wood

Durasi: 119 Menit

Genre: Barat

RT: 98%

Sejak The Great Train Robbery karya Edwin S. Porter dirilis pada tahun 1903, film-film barat menjadi genre yang populer di kalangan penonton dan produk studio yang penting sampai penurunan 'baru' - yang dimulai di suatu tempat sekitar akhir 1970-an - memimpin genre dari kehadiran layar yang lebih luas ke kurungan rumah seni.

Ketika mengacu pada film-film barat, orang berbicara tentang genre yang sering ditetapkan pada iklim perbatasan Amerika, periode yang dimulai dengan pemukiman kolonial Inggris pertama sekitar abad ke-18 dan berakhir di suatu tempat di tahun-tahun awal abad ke-20. Dengan demikian, terdiri dari semua peristiwa sejarah, gagasan sosial dan budaya, serta, cerita rakyat yang menandai perluasan perbatasan Amerika.

Dengan itu dikatakan, fokus film-film barat - dan 'seni barat' itu sendiri - adalah penggambaran seorang Amerika dalam konstruksi dan penaklukan dan pengorganisasian tanahnya dengan semangkuk imigran dari hutan belantara, pembangkangan, suku asli dan banyak lagi. 'rintangan' lainnya.

Karena alasan itu, apa yang disebut nilai-nilai Amerika (integritas, keahlian, dan sebagainya), konflik sipil, konflik dengan orang Indian (sering salah diartikan) atau kelompok penjahat berada di pusat penggambaran Amerika ini baik yang dibuat oleh film, oleh lukisan-lukisan dari Charles Marion Russell, James Bama atau Frederic Remington, oleh musik Bill Monroe, Bob Wills atau Gene Autry atau oleh buku-buku populer James Fenimore Cooper atau Jack Schaefer.

Film-film Barat sangat populer selama era bisu terutama karena daya tarik mereka kepada orang banyak dan karena mereka murah untuk diproduksi karena itu adalah praktik umum sampai akhir 1920-an untuk syuting orang Barat di tempat-tempat kecil di dalam studio.

Namun demikian, beberapa judul yang diproduksi pada periode ini masih penting dan menarik untuk ditonton, misalnya, Mary Pickford menampilkan The Twisted Trail, DW Griffith's In Old California (1910) dan Battle of Elderbush Gulsh (1914), untuk adegan mengejar dan menyelamatkannya , The Last Drop of Water pada tahun 1911 dan dari tahun yang sama Fighting Blood yang inovatif.

Jenis visual 'murah' ini berlanjut sepanjang tahun 1920-an - pengecualian dibuat untuk beberapa film dan terutama The Iron Horse karya John Ford pada tahun 1924 - jadi tentu saja cukup menarik untuk membandingkan salah satu judul ini dengan beberapa judul akhir 1920-an seperti Raoul Walsh's The Big Trail untuk melihat bagaimana genre berkembang dan berapa banyak studio mulai berinvestasi dalam jenis produk ini - karena bagi para maestro studio itu benar-benar sebuah produk.

Pada 1930-an, film-film barat mulai 'keluar' dan studio-studio Hollywood mengizinkan kru-kru besar untuk syuting di lokasi di seluruh situs gurun barat Amerika Serikat - di Arizona, California, Montana, Nevada, New Mexico, Texas atau Utah - di mana ia Adalah umum untuk membangun set yang menyamai skala bangunan kehidupan nyata dan kota-kota kecil, karena banyak dari lokasi ini masih tersedia untuk dikunjungi hari ini.

Namun demikian, dengan munculnya suara dan generalisasi penggunaannya menyebabkan biaya besar untuk studio bahwa sebagai tanggapan terhadap pemotongan anggaran orang Barat yang terdegradasi ke tempat kedua dan mulai berinvestasi banyak pada musik dan film yang menggunakan suara dengan baik, karena ini adalah apa yang diinginkan khalayak.

Jadi, jumlah produksi barat menurun, namun demikian, masih dibuat, hanya kali ini oleh studio yang lebih kecil yang berkumpul di sekitar bulevar Hollywood tertentu yang kemudian dikenal sebagai 'The Poverty Row'. Di antara Gambar Republik dan Gambar Monogram ini memiliki peran penting dalam produksi film barat.

Meskipun demikian, genre barat masih akan memiliki kebangkitan lain dan, tentu saja, era keemasan lain. Dan ini terjadi menjelang tahun 1940-an di mana beberapa film tertentu memiliki dampak besar dalam kemakmuran penonton di bioskop, beberapa judul ini terutama diproduksi pada tahun 1939, misalnya, Stagecoach John Ford, Michael Dodge City karya Michael Curtiz, Henry King's Jesse James, Destry Rides Again atau Cecil B. DeMille karya George Marshall, Union Pacific, dan ini menyebabkan kebangkitan genre dan puncak yang terjadi selama 1950-an, hanya saja kali ini bukan film yang diproduksi di backlots atau di lokasi kecil, ini adalah film yang diproduksi pada sebuah skala epik, ditembak dengan lebih banyak waktu dan dana yang diizinkan oleh studio tempat mereka menghasilkan keuntungan besar, menjadi motif ini yang dikenal sebagai Epic westerns. Penunjukan yang akan membuat reputasinya benar-benar terkonsolidasi selama 1950-an.

Epic western menggambarkan atau dipengaruhi oleh, secara umum, peristiwa paling bergejolak dan keras selama periode Perbatasan Amerika - penjarahan kota-kota kecil, perjalanan yang menantang maut, konflik dengan suku-suku asli sebagai bagian dari tugas patroli perbatasan, perang saudara Amerika (1861 - 1865). Dan di dalam ranah inilah John The Searchers dapat dimasukkan.

Diproduksi pada tahun 1956, The Searchers didasarkan pada pencarian obsesif Ethan Edwards (diperankan oleh John Wayne), seorang veteran perang saudara, yang setelah pembunuhan saudari iparnya dan seluruh keluarganya mulai berburu untuk satu-satunya anggota yang selamat yang diambil oleh Prajurit Comanche - Debbie, keponakan kecilnya.

Lima tahun berlalu sampai Ethan ditemani oleh seorang Indian setengah bernama Martin Pawley (diperankan oleh Jeffrey Hunter), yang telah diadopsi oleh keluarga ipar perempuannya, menemukan informasi yang membawanya ke Scar dan sukunya, yang bertanggung jawab untuk pembunuhan dan pemeliharaan Debbie (Natalie Wood) sejak itu. Hanya niat Ethan bukan untuk menyelamatkan gadis itu tetapi menembaknya karena dalam kata-katanya dia telah menjadi "leavin's of a Comanche buck".

Terinspirasi oleh banyak sumber termasuk Alan Le May The Searchers (1954) dan kasus penculikan kehidupan nyata perempuan dan anak-anak oleh suku-suku Indian seperti penculikan Cynthia Ann Parker pada tahun 1836 dengan sembilan tahun, The Searchers adalah hit luar biasa yang diperkirakan hanya pada tahun pertamanya itu meraup lebih dari lima juta dolar.

Selama bertahun-tahun banyak lembaga, cendekiawan, kritikus, pengagum, dan bioskop memuji The Searchers sebagai salah satu film Amerika yang paling penting, salah satu film terbesar dan paling berpengaruh sepanjang masa, film barat Amerika terbaik dan seterusnya ... tetapi mengapa?

Itulah fokus dari artikel ini: untuk sesingkat mungkin, merangkum beberapa alasan mengapa The Searchers telah menjadi film terbaik Amerika barat selama bertahun-tahun.

1. Tidak diragukan lagi ini adalah salah satu contoh terbaik dari Epic Western

Epic Western adalah penggambaran Amerika dan keagungannya. Ini adalah sub-genre dari film-film Barat yang benar-benar menekankan pada pujian negara dan rakyatnya. Mungkin karena alasan itulah ia menempatkan fokus khusus pada masa-masa bergolak dalam pembuatan perbatasan Amerika, karena tujuan utamanya adalah untuk menunjukkan kebesaran suatu bangsa dan rakyatnya, dan kemudian, untuk menunjukkan betapa sulitnya perjuangan untuk menaklukkan tanah dan pada saat yang sama memastikan kelangsungan hidup pribadi.

Jadi, tentu saja, ini menjadi lebih dari memuji ingatan, itu menjadi tugas yang hampir patriotik - untuk mengingat kekerasan tulang punggung bangsa - dan ini tentu saja merupakan salah satu karakteristik besar orang Amerika, cinta untuk bangsa mereka.

Mengikuti garis pemikiran ini, maka orang harus berasumsi bahwa Epic Western mengangkat karakteristik khas barat ke standar yang sama sekali baru. Dan di The Searchers kita dapat mengamati beberapa karakteristik ini:

A - Pentingnya pahlawan dan penggambaran karakternya

B - Penggambaran pahlawan sebagai "Dewa migran"

C - Penyebaran Nilai-Nilai Amerika

D - Pentingnya pengaturan dan lanskap sebagai karakter

Mengenai topik A, satu hal yang pasti, Ethan bukan karakter film datar, dia manusia. Dengan semua, tunjangan dan kekurangan. Dan terlepas dari pendapat yang berlawanan, Ethan benar-benar seorang pahlawan, pertama itu bukan kebetulan dia adalah seorang veteran perang saudara, kedua jauh dalam dasar kegigihannya adalah cintanya pada keponakan, keinginannya untuk menemukannya dan melindunginya, meskipun kemarahannya dangkal, keinginannya untuk membalas dendam dan pandangannya yang sangat diskriminatif terhadap orang Indian. Dia adalah pahlawan dan fakta bahwa film ini didorong oleh karakter membuat penggambaran yang mendalam dan mendalam tentang pria bekas luka ini menjadi penting.

Meskipun tidak begitu banyak di The Searchers, pahlawannya adalah orang barat, secara umum, juga dapat dianggap sebagai semacam "Dewa migran". Dia sangat disukai, dia menempati tempat yang populer di masyarakat - terutama karena dia adalah orang luar yang membantu komunitas dalam beberapa cara - namun dia menolak untuk benar-benar terikat dengan orang-orang atau lebih baik dikatakan menciptakan akar dan tinggal di antara mereka, itu sebabnya dia, sang pahlawan, adalah sejenis Tuhan yang mengawasi orang-orang, perbatasan dan keamanan keduanya. Ethan cocok dengan beberapa karakteristik ini.

Penyebaran nilai-nilai Amerika dalam The Searchers cukup terlihat, tidak hanya melalui Ethan - simbol ketekunan, daya tahan, kekuatan orang-orang - tetapi juga melalui karakter sekunder seperti yang digambarkan oleh Jeffrey Hunter - keadilan, maaf; Vera Miles - wanita Amerika klasik, simbol keahlian, feminitas, kesuburan, kegigihan, dan dengan hati yang keras atau lunak kapan pun dibutuhkan; atau Ward Bond - penduduk kota tua yang baik.

Seperti pentingnya pengaturan telah diklarifikasi sebelumnya, perhatian sekarang beralih ke lanskap dan bagaimana itu menjadi karakter diam yang diam-diam mengawasi peristiwa yang terjadi dalam jangkauannya, sementara juga, menjadi elemen yang sangat penting bagi pembuat film yang mencoba di semua syuting untuk membingkai dimensinya, keindahan dan keindahannya, serta, cara ia berevolusi dan memelihara tindakan yang terjadi.

Dalam kasus khusus John Ford, ada beberapa lokasi penting tetapi hanya satu yang tetap menonjol - Monument Valley.

2. Penggunaan tema dan ide yang menarik bagi audiens

Sangat menarik untuk mengamati dalam The Searchers penggabungan tidak hanya cita-cita Amerika, tetapi juga tema yang menarik perhatian penonton dan karenanya populer di antara mereka.

Para Searchers adalah kisah tentang penebusan pribadi, dan juga, obsesi, penderitaan, kelangsungan hidup dan sebagainya, tetapi ini adalah ide pemulihan khusus, bukan di luar yang mengelilingi pahlawan tetapi di dalam pahlawan itu sendiri, yang mendorong kedekatan khusus dengan penonton. Ethan, adalah seorang veteran perang, seorang pria keras yang telah mengalami keganasan peperangan, meskipun demikian, dia mencintai dan peduli terhadap kerabatnya - dengan demikian, pentingnya pemandangan di mana Ethan memberikan medali kepada Debbie - dan inilah resep untuk menarik khalayak (terutama pada saat itu): seorang lelaki yang berkarakter baik.

Meskipun demikian, ada tema lain yang sering berhasil di antara audiensi seperti kasus-kasus perempuan dalam kesusahan - penculikan Debbie; kisah balas dendam pribadi - Ethan; penekanan pada nilai-nilai keluarga; rasa persatuan yang datang dari keluarga - khususnya di adegan film pertama dan bahkan dalam pencarian Ethan untuk Debbie yang juga dapat dianggap sebagai upaya reuni; cinta muda - diperkenalkan dalam The Searchers oleh karakter Martin Pawley dan Laurie Jorgensen, yang juga penting dalam film untuk keseimbangan yang mereka berikan dalam hal "meredakan suasana hati"; ide bahaya yang tidak diketahui - seberapa jauh orang Indian? Apakah mereka akan menyerang Ethan dan Martin ...; dan misterinya - apakah Debbie masih hidup? Berapa lama dia akan hilang? Akankah mereka menemukannya?

Ini semua adalah elemen yang tampak cukup sederhana untuk diperkenalkan dalam naskah dan film yang ditulis seperti ini, namun, mereka melanjutkan sejumlah besar jalur yang mungkin diambil oleh film ini, tetapi kenyataannya adalah bahwa ketika diberikan prospek yang begitu luas, film-film ini periode dan bahkan hari ini biasanya gagal baik karena semua ide dan tema ini menjadi bingung dengan plot atau karena mereka merampok plot, karakter atau cerita dari kepentingannya atau karena mereka tidak menjangkau audiens dan ketika itu terjadi kita tahu bahwa di suatu tempat dari penulisan naskah hingga pemotretan atau pengeditan sesuatu yang tidak direncanakan atau dilakukan dengan cara terbaik.

3. Penggunaan komposisi dan Warna

4. Penggunaan suara

Meskipun dipopulerkan dan mungkin banyak dilakukan di film-film lain sebelum dan sesudah The Searchers, kebenarannya adalah bahwa ketika menulis tentang pentingnya film seseorang tidak dapat mengabaikan penggunaannya terhadap suara dan banyak peran suara dalam sebuah film.

Sistem studio yang bertolak belakang dengan pemikiran umum mungkin merupakan periode / gerakan film paling penting dalam sejarah film tidak hanya karena inovasinya tetapi juga karena ia mengambil pengetahuan awal montase Soviet, estetika Jerman, lirik Prancis, lirik Perancis, 'Episisme' Italia dan banyak elemen lain dari banyak sumber lain dan kemudian menggabungkannya menjadi kode norma yang diperkenalkan pada film yang secara logis mempengaruhi penggunaan semua kerajinannya. Menjadi ide utama: menghasilkan rasa persatuan.

Jadi, tentu saja, suara adalah elemen yang sangat penting karena ia mengambil berbagai peran dalam sebuah film, pertama sebuah informasi (mengkomunikasikan makna, simbolisme dari beberapa objek / karakter dan juga untuk mengenali karakter tertentu dan ini terjadi ketika kita mendengarkan bunyi atau musik tertentu yang selalu dikaitkan dengan kehadiran karakter tertentu) dan dalam The Searchers suara terkenal digunakan sebagai indikator bahaya, yang berarti kedekatan orang Indian.

Kedua, suara akhirnya mengambil peran emosional (untuk menggambarkan, memikat, menambah kredibilitas, atau bahkan menekankan perasaan atau perasaan dominan tertentu) dan dalam film ini terjadi dalam banyak momen, terutama yang berkaitan dengan Ethan bersama keluarganya.

Dalam perspektif lain, suara juga bisa bersifat deskriptif (membantu mengatur suasana hati atau menggambarkan konteks tertentu di mana tindakan itu terjadi), tetapi dalam The Searchers selain menjadi suara deskriptif menjadi ilustrasi yang mengisyaratkan kekerasan tersembunyi yang terjadi di rumah keluarga yang terbunuh.

Namun, suara juga kadang-kadang berfungsi sebagai semacam panduan (untuk mengarahkan perhatian penonton terhadap sesuatu dan sebaliknya itu juga dapat menyembunyikan sesuatu dari perhatian penonton), karena ini banyak digunakan dalam film untuk motif pertama, dan akhirnya suara dapat mengambil peran retorika (seolah-olah musik atau suara apa pun memperoleh kehadiran naratif, mengomentari sesuatu) dan, tentu saja, itu membantu mempertahankan kontinuitas dengan membantu tujuan sementara atau utama film yang dapat berupa perjalanan waktu, menentukan kontinuitas antara adegan atau pengaturan struktur / bentuk.

5. Duo kekuatan: John Ford dan John Wayne

John Ford adalah salah satu nama rumah tangga utama dari sistem studio, sejak The Iron Horse yang ia arahkan pada tahun 1924, Ford dianggap oleh studio dan penonton sebagai semacam segel kualitas dan ini berarti film yang menguntungkan (untuk studio), film yang menarik dan menghibur (untuk penonton). Seperti yang dikatakan, kepada penonton pada saat itu sebuah gambar yang disutradarai oleh John Ford membangkitkan kegembiraan yang sama seperti saat ini gambar yang disutradarai oleh Martin Scorsese atau sutradara film populer lainnya. Dan karena sepanjang karirnya, Ford berspesialisasi dalam film-film Barat, banyak yang melihatnya sebagai film Barat terbaik yang pernah dilakukan.

John Ford memulai karirnya sebagai seorang prop di Universal sekitar tahun 1914, yang pada waktu itu adalah sebuah studio kecil. Di sana ia mulai menyutradarai film pendek dan film, tetapi baru setelah pindah ke Fox pada tahun 1922 dan dengan produksi The Iron Horse karier Ford memperoleh langkah lain menuju pengakuan dan prestise.

Latar belakang yang sama memiliki salah satu kolaborator lama dan teman-temannya, ikon Amerika John Wayne. Wayne yang juga mulai di studio-studio kecil dan seperti halnya Ford sebagai prop man ditemukan oleh Raoul Walsh yang kemudian menggunakannya di The Big Trail (1930), namun, setelah itu, Wayne kembali ke produksi studio kecil hingga kemudian melalui Tom Mix, sebuah bintang film barat yang hebat, ia berkenalan dengan John Ford yang membintangi The Stagecoach pada tahun 1939. Sejak saat itu keduanya menjadi duo yang dinamis dan salah satu dari duo aktor / sutradara terpenting di bioskop Amerika yang film-filmnya sangat populer.

Menjadi banyak status Wayne sebagai bintang karena film-film yang ia buat dengan John Ford dimulai dengan Stagecoach (1939) dan kemudian diikuti oleh The Long Voyage Home (1940), They Were Expendable (1945), Fort Apache dan 3 Godfathers (1948), She Wore a Yellow Ribbon (1949), Rio Grande (1950), The Quiet Man (1952), The Searchers (1956), The Wings of Eagles (1957), The Horse Soldiers (1959), The Man Who Shot Liberty Valance dan How the West Won (1962) dan Donovan's Reef pada tahun 1963.

Keduanya memiliki hubungan yang dinamis, eksplosif, intim dan di lokasi syuting Stagecoach Ford dengan terkenal berkata kepada Wayne, "Tidakkah Anda tahu cara berjalan? Anda kikuk seperti kuda nil. Dan berhentilah menghujat dialog Anda dan tunjukkan ekspresi. Anda terlihat seperti telur rebus. "Untuk kemudian bertentangan dengan dirinya sendiri dengan menyatakan bahwa," Dia (John Wayne) akan menjadi bintang terbesar yang pernah ada karena dia adalah orang biasa yang sempurna. "

Jadi, tentu saja, pertanyaannya sama seperti sekarang: Ini film John Ford / John Wayne, jadi siapa yang tidak ingin menonton?

Sumber: TasteofCinema

Kisah Film Terbaik: Episode 15 - All That Heaven Allows (1955)

Film Melodrama Terbaik Sepanjang Masa

16 Oktober 2019

Rilis: 25 Desember 1955

Sutradara: Douglas Sirk

Produser: Ross Hunter

Sinematografi: Russell Metty

Score: Frank Skinner

Distribusi: Universal Pictures

Pemeran: Jane Wyman, Rock Hudson

Durasi: 89 Menit

Genre: Roman

RT: 90%

Selama liburan, kita cenderung membicarakan film-film klasik tertentu: White Christmas, Holiday Inn, Miracle on 34th Street, Christmas in Connecticut. Tapi mari kita hitung juga melodrama fantastis Douglas Sirk All That Heaven Allows sebagai film liburan, bukan hanya karena sepotong itu menggambarkan beberapa pemandangan musim dingin yang dingin, tetapi juga karena itu hanya memiliki semangat kehangatan dan cinta yang kita kaitkan dengan liburan. Ini adalah salah satu karya Sirk yang paling terkenal, berisi pertunjukan terbaik yang pernah diberikan Jane Wyman dan Rock Hudson. Terlebih lagi, ini tersedia di Amazon Prime.

All That Heaven Allows menceritakan kisah Cary Scott (Jane Wyman), seorang janda di New England yang bertemu tukang kebun Ron Kirby (Rock Hudson) ketika dia melakukan beberapa pekerjaan di hartanya. Keduanya memulai pertemanan yang segera berubah menjadi romansa ketika Ron menunjukkan padanya kehidupan bohemian yang lebih santai, menyenangkan, dan bohemian daripada dunianya yang buruk di klub-klub pedesaan dan para pria berjas flanel abu-abu. Namun, kisah asmara mereka menyebabkan masalah ketika keluarga dan teman-teman Cary mempelajarinya, dan memicu konflik antara kebebasan dunia Ron, dan keselamatan Cary.

All That Heaven Allows adalah film transgresif dan progresif, yang memberikan kritik tajam terhadap budaya dan periode waktu melalui struktur melodramatiknya. Latar melodramatik dan struktur cerita mengungkapkan kebenaran ganas tentang kelas dan gender di Amerika 1950-an. Anak-anak Cary ngeri bahwa ibu mereka berpacaran dengan pria "tidak cocok", seorang pria yang secara signifikan lebih muda (meskipun perbedaan usia antara para aktor hanya delapan tahun, itu tetap signifikan menurut standar Hollywood kontemporer) dan dari kelas sosial yang lebih rendah daripada diri mereka sendiri . Tetapi mereka tidak melihat betapa tidak senangnya keberatan mereka membuat ibu mereka, yang mereka harapkan untuk memenuhi peran janda yang ditentukan secara sosial, tanpa romansa dan tentu saja tanpa seks. Basis hubungan Ron dan Cary jauh lebih bergairah daripada dunia kelas menengah ke atas yang dingin dan tanpa jenis kelamin. Tapi dunia sosialnya menyatakan bahwa Cary tidak boleh melakukan hubungan seksual, tidak menuruti atau bahkan mengakui keinginan itu secara terbuka. Baik Wyman dan Hudson memberikan penampilan luar biasa di sini — lebih baik daripada Sirk mereka sebelumnya, Magnificent Obsession. Wyman secara khusus mengetuk ke tingkat gairah dan kesedihan yang mengejutkannya, menggambarkan kebutuhan Cary untuk menyenangkan keluarganya yang berselisih dengan hasratnya sendiri, sebuah tafsiran bergerak tentang seorang wanita yang terpecah-pecah antara kebutuhan yang hampir tidak pernah dia akui, dan peran sosial yang selalu dia jalani. dihuni.

Kekuatan dari hampir semua karya Technicolor Sirk adalah palet warna jenuh, penggunaan yang ia buat dari warna-warna kontras untuk menarik perhatian pada kontras seksualitas, jenis kelamin, dan kelas sosial. Dunia Cary tidak berwarna sampai Ron masuk ke dalamnya, membawa bersamanya warna merah cerah, kuning lebih terang, dan putih yang lebih intens daripada lingkungan Cary yang berwarna krem, abu-abu, dan diredam. Dia masuk ke perubahan dengan dia, melihat keindahan cara hidupnya, hidupnya berubah dari menjemukan ke warna. Menyapu besar dan kontras film besar bertindak sebagai gangguan untuk membuat gairah pada layar enak dan untuk tepi dalam kritik yang kuat dari budaya kontemporer.

Kritik di jantung All That Heaven Allows akan berlanjut untuk menginformasikan film-film seperti Fassbinder's Ali: Fear Eats the Soul, dan untuk berkontribusi pada kebangkitan apa yang disebut film-film wanita sebagai karya komentar sosial dan budaya. Selain sangat bersemangat dan difoto dengan indah, All That Heaven Allows adalah komentar sosial yang mengejutkan untuk tahun 1950-an, dan sebuah karya seni yang penting.

Sumber: Citizendamepod

Kisah Film Terbaik: Episode 14 - Seven Samurai (1954)

Film Bahasa Asing Terbaik Sepanjang Masa

11 Oktober 2019

Rilis: 26 April 1954

Sutradara: Akira Kurosawa

Produser: Sojiro Motoki

Sinematografi: Asakazu Nakai

Score: Fumio Hayasaka

Distribusi: Toho

Pemeran: Toshiro Mifune, Takashi Shimura, Keiko Tsushima, Isao Kimura, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi, Yoshio Inaba, Minoru Chiaki, Katamari Fujiwara, Kokuten Kodo, Yoshio Tsuchiya, Eijiro Tono, Jun Tatara, Atsushi Watanabe, Yoshio Kosugi, Bokuzen Hidari, Yukiko Shimazaki

Durasi: 207 Menit

Genre: Petualangan

RT: 100%

Sinopsis:

Dalam rantai makanan di Jepang abad keenambelas, para petani di tiang totem sama rendahnya dengan tanaman mereka. Film ini dibuka dengan sekelompok bandit yang naik di kota pertanian yang rendah. Setelah menyerang komunitas baru-baru ini, para bandit memutuskan untuk kembali setelah panen berikutnya jika selesai, untuk menjarah kota lagi. Salah satu petani sengaja mendengar rencana ini dan menyebarkannya di sekitar desa. Karena kelaparan, putus asa dan takut, desa memutuskan untuk membawa bala bantuan untuk membantu mereka melawan bandit, atas saran dari tetua kota, Gisaku (Kokuten Kōdō).

Para petani melakukan perjalanan ke kota yang lebih besar, untuk mencari samurai untuk bertarung atas nama mereka. Tanpa uang untuk namanya, mereka gagal dalam sebagian besar upaya pertama mereka. Setelah melihat, Kambei (Takashi Shimura), seorang ronin yang berpengalaman tetapi lebih tua (samurai tak bertuan), membela seorang anak laki-laki yang diserang oleh seorang bandit, kota ini meminta bantuannya. Dari sini, Kambei membantu para petani mengumpulkan enam awak samurai melalui berbagai tes. Film ini menggunakan jalan memutar "assembling a team" untuk membangun beragam samurai, semua dengan berbagai keanehan dan jalur yang membawa mereka ke penduduk desa.

Setelah kembali ke desa, para petani perlu waktu untuk merasa nyaman dengan penyelamat mereka. Saat mereka terikat, Katsushirō (Isao Kimura), salah satu samurai, mengembangkan perasaan terhadap Shino (Keiko Tsushima), seorang putri petani. Pada titik ini, kami bahkan belum selesai dengan bagian satu dari epik tiga setengah jam. Setengah dari kegembiraan "Seven Samurai" berasal dari cara mengatur potongan-potongannya di papan catur. Setengah lainnya berasal dari bagaimana emosi, hubungan kelas dan pertarungan yang diantisipasi keluar.

Komentar

Dari saat-saat pembukaan, di mana para bandit mengendarai sepanjang punggungan gunung di dekat desa, para penonton tahu bahwa mereka akan mendapat hadiah. Akira Kurosawa secara luas dianggap sebagai pembuat film master yang kemampuannya untuk bercerita secara visual tidak ada duanya. "Seven Samurai" memperkuat kekuatan Kurosawa dalam menggunakan kamera dan pengeditan yang rumit untuk membawa penonton sepenuhnya ke perspektif berbeda dari banyak karakternya. Ini membuat setiap perkenalan samurai di paruh pertama film terasa begitu dinamis. Kyūzō (Seiji Miyaguchi), ahli pendekar pedang yang tabah, mendapat pengantar yang sangat dinamis yang melibatkan duel brutal namun indah.

Semegah kelihatannya film ini, hanya sebesar karakter terkecilnya. Film ini menghasilkan lebih dari tiga setengah jam waktu tayang berkat karya karakternya yang kaya di seluruh ansambel. Masing-masing dari tujuh samurai tituler memiliki alur cerita yang unik dan menarik. Toshiro Mifune menawarkan salah satu busur terkuat di grup. Karakternya, Kikuchiyo, berubah dari bajingan palsu menjadi pahlawan yang rumit. Dalam adegan kunci, ia meninggalkan jabatannya sebagai bagian dari strategi yang lebih besar untuk memulihkan senjata api, tetapi dalam prosesnya memungkinkan para bandit untuk mengambil nyawa beberapa petani. Film ini juga menggali latar belakangnya melalui penyelamatan seorang bayi lokal. Karakternya paling utama menunjukkan bagaimana film ini dengan cekatan menyeimbangkan nada, secara konsisten memberi penonton ketukan baru dan mempertahankan minat selama tiga setengah jam.

Film ini melakukan lebih dari menyeimbangkan sejumlah karakter. Itu juga menyulap banyak genre yang berbeda, sambil memastikan mereka semua melayani garis yang lebih luas. Apa yang dimulai dengan kisah David v. Goliath berubah menjadi skenario ikan keluar dari air - dongeng kerja sama, romansa yang bernasib sial, kritik terhadap struktur kelas dan film aksi yang sangat inventif dan menghibur. Ini menyeimbangkan semua nada ini karena setiap cerita menginformasikan dan memberi makan subplot lain yang terjadi di sekitarnya. Hubungan Katsushirō dan Shino hanya mendramatisir kesenjangan antara samurai dan petani. Semua kejenakaan Kikuchiyo semuanya mengikat ke dalam latar cerita yang menyentuh hati yang menginformasikan tentang ketidakberdayaan dan pemahaman tentang penderitaan warga desa. Film ini mengambil waktu untuk melakukan semua ini karena setiap karakter, titik plot dan isyarat visual penting dan perlu ruang untuk bernafas.

APA YANG MEMBUAT FILM “KRITERIA” INI?

Kriteria menggambarkan misi mereka sebagai "menghadirkan setiap film sesuai keinginan pembuatnya, dalam restorasi canggih dengan fitur khusus yang dirancang untuk mendorong tontonan berulang dan memperdalam apresiasi penonton terhadap seni film."

"Seven Samurai" Akira Kurosawa bertindak sebagai contoh cemerlang kredo ini. Film ini lebih dari sekedar pencapaian yang menakjubkan secara visual. Ini adalah film yang dapat ditonton ulang tanpa henti yang memegang kunci untuk berbagai konvensi genre yang kita lihat dalam film yang tak terhitung jumlahnya hari ini.

Pemulihan film terlihat sangat memukau. Desain produksi desa melukiskan gambaran yang jelas tentang waktu yang jauh ini. Desa itu mungkin sederhana, tetapi para perancang produksi tahu bagaimana menciptakan infrastruktur kerja di dalam set. Kami mengerti di mana poin dari pertemuan itu. Saat samurai bersiap untuk mempertahankan desa, hadirin lebih memahami posisinya di dalam lembah. Sama seperti ahli strategi perang, kita tahu titik lemah dan titik masuknya. Aksi ini sangat sulit karena kami memahami papan permainan di mana itu terjadi.

BAGAIMANA CINEMA MODERN INI TERPENGARUH?

Pertempuran besar di babak ketiga berlangsung tanpa cela. Ini sama menarik dan menegangkannya dengan apa pun yang dilihat orang di layar film hari ini. Lebih dari film aksi modern, "Seven Samurai" menggetarkan hati karena orang peduli dengan setiap karakter yang melakukan pertempuran. Kurosawa menggelar setiap pertarungan dengan tujuan untuk menonjolkan karakter dan perjalanan mereka. Semuanya jelas untuk ditonton dan dipahami. Dia tidak perlu mendandani mereka atau menambahkan hiasan visual yang tidak perlu. Taruhan dikomunikasikan secara visual dan kisah-kisah untuk menciptakan momen-momen aksi yang indah dan klimaks.

Sangat mudah untuk menunjukkan bagaimana beberapa film bertindak hampir seperti remake dari "Seven Samurai." John Sturges '1960 western "The Magnificent Seven" mengambil ide dasar "Seven Samurai" dan menggantikan samurai untuk pembuat senjata barat. Kami bahkan melihat crossover ini dengan film anak-anak, karena Pixar "A Bug’s Life" menggunakan struktur cerita dasar "Seven Samurai," dengan bug sirkus yang bertindak sebagai peran heroik.

Pada tingkat yang lebih luas, genre barat berutang cukup banyak pada film samurai Kurosawa. Konsep "Seven Samurai" bergelut dengan tema-tema yang merupakan batu penjuru dari sebagian barat kita yang paling ikonik; sekelompok pekerja tanah yang tak berdaya menyambut sekelompok pahlawan untuk membela mereka dari kekuatan yang tidak jelas yang mengancam mereka. Samurai dan penjahat adalah dewa dan monster yang bertarung, sementara manusia biasa mencoba menyelaraskan diri dengan sisi yang lebih menguntungkan. Hubungan antara koboi dan bandit adalah sama. Ambil contoh "True Grit," di mana seorang warga sipil (Mattie Ross) menyewa seorang tokoh otoritas (Rooster Cogburn) di atas bukit untuk pertahanan / pembalasan terhadap pasukan pembunuh (Tom Chaney).

Sementara film-film tertentu telah meminjam lebih dari yang lain dari "Seven Samurai," begitu banyak konvensi genre dasar dapat melacak akar mereka kembali ke film klasik ini. Film-film yang berpusat pada "perakitan tim" apa pun semuanya memiliki sedikit DNA "Seven Samurai" di dalamnya. Tindakan pertama "Seven Samurai" sekarang telah disingkat menjadi audisi montase dalam film baru-baru ini seperti film "Oceans" atau bahkan "Poms."

Penggunaan montase memungkinkan film untuk memperkenalkan versi karakter suling dengan cepat. Apa yang membuat "Seven Samurai" begitu lama, tetapi juga sangat efektif, adalah bagaimana ia menghindari begitu banyak pemecahan montase. Film ini memberi masing-masing dari tujuh samurai pengantar penuh yang membangun dunia dan perspektif mereka. Mereka melakukan kontak dengan Kambei dan penduduk desa. Dari sini, mereka perlu membuktikan nilai mereka untuk bergabung dengan kru. Ada lengkungan untuk keputusan mereka yang tidak dapat dimasukkan dalam montase berbahan bakar pop.

"Seven Samurai" juga menjalin kisah kekasih bersilangan bintang menjadi aksi penuh. Film sekuat "Wild at Heart" atau bahkan sebodoh "Armageddon" semua menggunakan "Seven Samurai" sebagai templat untuk bagaimana menggunakan subplot romantis untuk meningkatkan taruhan, menyempurnakan karakter sentral dan memungkinkan penonton menambahkan lapisan emosi koneksi. Pengenalan Shino datang saat dia melakukan crossdresses karena kebutuhan naluriah untuk bertahan hidup. Dia menyadari bahwa, meskipun samurai telah datang untuk membela desanya, sebagai seorang wanita dia juga mungkin dalam bahaya setelah kedatangan mereka. Romansa berikutnya muncul dari ketakutan awalnya, bukan dari yang tidak diketahui, tetapi dari bahaya yang disajikan pria mana pun. Meskipun Shino adalah pemain yang sangat mendukung dalam ansambel, peran dan perspektifnya menginformasikan bagaimana film sebagai entitas yang lebih besar berkembang.

PIKIRAN PENUTUP:

Hanya sedikit klise yang capek seperti pepatah "mereka tidak menghasilkan seperti dulu". Dalam kasus "Seven Samurai," mereka masih membuat mereka, tetapi tidak seperti dulu. Budaya populer kami berutang banyak pada mahakarya Kurosawa ini. Yang tidak kita miliki hari ini adalah keberanian dan kepercayaan diri untuk memercayai karakter dan dunia yang telah kita atur. Ketergantungan berlebihan pada CGI dan lonceng dan peluit lainnya mengaburkan karakter dan cerita daripada meningkatkannya. "Mad Max: Fury Road" menggunakan aksi untuk meningkatkan emosi mentah karakternya. Franchise "John Wick" juga membuat aksi ledakan yang mengalir dari luka dan kemarahan karakter tituler. Semua ini bermula dari komitmen "Seven Samurai" untuk membuat setiap aksi menggerakkan titik karakter dan alur cerita.

Sumber: AwardsCircuit

25 Game Mega Man Terbaik Sepanjang Masa

3 Oktober 2019

Capcom memiliki kebiasaan menyebalkan yang secara berkala melupakan maskot biru ikoniknya, tetapi dampak Mega Man terhadap budaya permainan tidak bisa dan tidak boleh diremehkan. Pada tahun 1987, Capcom menerbitkan platformer aksi visual yang memukau tetapi sulit yang disebut Rockman untuk tepuk tangan meriah dari para kritikus dan mengangkat bahu dari pelanggan. Tiga dekade kemudian, Mega Man memiliki 11 game inti, enam seri lainnya dengan rangkaian sekuel mereka sendiri, berbagai spin-off, dan lebih banyak remake dari jadwal rilis Disney yang akan datang. Perkiraan laporan franchise Capcom telah melampaui 33 juta unit terjual di seluruh dunia, angka pra-kencan Mega Man 11. Melangkah menjauh dari bermain game, pahlawan Capcom telah membintangi beberapa anime dan kartun Barat, dengan Mega Man 2018: Fully Charged melayani sebagai yang paling banyak contoh kontemporer. Daya tarik Rockman melampaui genre, sedang, atau dekade.

Maklum, franchise yang bertanggung jawab untuk memproduksi sekitar 10 juta game ditakdirkan untuk menjalankan keseluruhan dalam hal kualitas. Meskipun Mega Man telah menghasilkan beberapa penyu, sebagian besar game utama bertahan cukup baik dan bahkan judul yang lebih rendah menawarkan sesuatu untuk dinikmati. Sementara seri klasik tampaknya akan terus berlanjut hingga akhir zaman, Capcom suka menjelajahi alur cerita segar seperti Mega Man X, 3D Mega Man Legends, dan Mega Man Battle Network yang terinspirasi RPG. Beberapa telah berumur lebih baik dari yang lain.

Dalam upaya untuk menjaga panjang daftar ini agak masuk akal, hanya entri seri utama yang akan dipertimbangkan. Spin-off (Mega Man & Bass, Mega Man Soccer, Mega Man Xtreme), remaster / remake (Mega Man: Revenge Dr. Wily, Mega Man Powered Up) dan game mobile (Rockman Xover) tidak dapat diperdebatkan.

Memanfaatkan algoritma absolut untuk secara akurat dan definitif menempatkan semua Mega Men, di sini setiap game Mega Man diberi peringkat!

25. Mega Man X7 (2003)

Meskipun tidak cukup konsisten untuk secara otomatis berfungsi sebagai cap kualitas, nama Mega Man memegang sejumlah beban besar. Ketika datang ke garis inti permainan, Capcom hampir tidak pernah melewatkan sasaran sepenuhnya. Mega Man X7 adalah pengecualian langka.

Bagaimana dengan beberapa hal positif? Mega Man X7 layak mendapatkan kredit karena berani berdagang 2D untuk 3D, yang pertama dalam seri X. Sangat disayangkan perubahan ini berarti gameplay harus dihapus dan disederhanakan sedemikian rupa. Menambahkan penghinaan ke cedera, Mega Man memainkan biola kedua ke karakter baru yang menjengkelkan, Axl, untuk sebagian besar campaign.

24. Mega Man X6 (2001)

Keberadaan Mega Man X6 sangat membantu dalam memaafkan banyak kekurangan sekuelnya. Dianalisa dalam ruang hampa, Mega Man X7 tidak diragukan lagi pelaku yang lebih buruk; Namun, sekuel 2001 menandai titik terendah dalam sejarah Mega Man X.

Bersama dengan sepenuh hati menentang keinginan untuk menyuntikkan setiap tikungan atau gimmick yang menarik, Mega Man X6 bahkan tidak bisa mengklaim sebagai pengulangan yang berlebihan tetapi memadai. Memiliki desain level terburuk dalam seri, Mega Man X6 cukup buruk untuk memaksa Capcom untuk mengambil sekuel ke arah yang berbeda.

23. Mega Man 6 (1994)

Mengatasi semata-mata seri inti, Mega Man tidak pernah benar-benar menghasilkan sekuel yang mengerikan. Karena hampir semua entri memiliki sisi positif dan negatifnya, pemula harus mempertimbangkan untuk bermain melalui seluruh koleksi daripada menempel pada permainan yang dipuja secara konvensional.

Mega Man 6 berbau puas diri. Dengan Mega Man X di cakrawala, sekuel Capcom 1993 terasa seperti renungan yang diciptakan untuk menyemangati para penggemar sampai debut seri 16-bit. Kisah, tahapan, dan bos - yang terbaik - bisa diservis; paling buruk, Mega Man 6 berlebihan.

22. Mega Man 7 (1995)

Satu-satunya entri dalam seri utama yang diproduksi untuk SNES, Mega Man 7 yang penuh warna 16-bit mengalihkan perhatian dari penolakan sekuel untuk mengubah apa pun tentang pengalaman inti. Untuk memperjelas, platformer 1995 dapat dimainkan dengan sempurna - beberapa judul Mega Man gagal melampaui bar yang rendah - dan visualnya enak dilihat.

Gameplaynya baik-baik saja, meskipun jumlahnya lebih sedikit daripada entri sebelumnya. Bahkan, Mega Man 7 menjatuhkan delapan tahap yang dapat dipilih untuk empat sangat sedikit. Terlepas dari kekurangannya, Mega Man 7 tidak apa-apa.

21. Mega Man X5 (2000)

Mempertimbangkan bahwa Mega Man X5 dimaksudkan sebagai entri terakhir dalam seri khusus ini, penurunan nyata pada game-game berikutnya masuk akal. Untuk semua maksud dan tujuan, kisah X mencapai kesimpulan yang memuaskan dalam Mega Man X5. Segala sesuatu yang melewati titik ini adalah pengisi.

Mega Man X5 adalah final yang pas. Sementara beberapa mekanik menarik diperkenalkan, termasuk kemampuan untuk bebas beralih antara X dan Zero, Mega Man X5 dimengerti memprioritaskan ceritanya daripada mengubah formula. Akhir yang berharga untuk petualangan yang fantastis.

20. Mega Man 8 (1997)

Sampai tahun 2018, Mega Man 8 memiliki perbedaan sebagai entri paling cantik dari seri inti. Bahkan, beberapa orang mungkin berpendapat bahwa Mega Man 11 tidak bisa dibandingkan dengan rilis 32-bit seri ini saja. Diterbitkan untuk PlayStation dan Sega Saturn, Mega Man 8 bisa dibilang adalah perwakilan lisensi yang paling memecah belah.

Mengabaikan akting suara yang menggelikan dan kembalinya empat tahap Mega Man 7 yang tidak disukai, Mega Man 8 dengan memuaskan mereproduksi banyak elemen sentral franchise dalam lapisan cat baru. Ingin mengalami petualangan Mega Man klasik dalam 32-bit? Mega Man 8 harus mencapai sasaran.

19. Mega Man 10 (2010)

Seorang penerus langsung ke Mega Man 9, kelanjutan 2010 mempertahankan mekanika estetika dan tradisional 8-bit yang dilucuti langsung dari dua game asli. Mega Man 10 lebih sama, yang bukan merupakan hal yang mengerikan ketika yang terakhir adalah Mega Man 9 yang fantastis.

Bos dan pentas Mega Man 10 agak tidak bersemangat, dan Capcom melewatkan kesempatan untuk memantapkan maskot yang disukai di era modern. Paling tidak, Slide Move dan Charge Shot seharusnya sudah diaktifkan kembali.

18. Mega Man X8 (2004)

Mega Man X6 dan X7 mengatur bar sangat rendah, belalang bisa membersihkannya. Jumlah Mega Man X8 jauh lebih dari sekadar serangga! Entri terakhir Mega Man X adalah sebuah ledakan untuk dimainkan, kita hampir dapat memaafkan upaya serakah Capcom untuk memerah franchise untuk semua nilainya.

Mega Man X8 dengan bijak membatasi elemen 3D ke visual, sedangkan gameplay yang sebenarnya kembali ke 2D tradisional. Menampilkan tiga karakter yang dapat ditukar dengan gaya permainan unik mereka sendiri, Mega Man X8 menyediakan berbagai cara untuk menyelesaikan misi.

17. Mega Man ZX (2006)

Jujurlah, pernahkah Anda mendengar yang ini? Ada lebih banyak sub-seri Mega Man daripada Battle Network dan X. Dikembangkan oleh tim yang sama yang bertanggung jawab untuk Mega Man Zero, ZX terdiri dari dua Nintendo DS eksklusif yang diatur dua abad setelah peristiwa sebelumnya. Setelah memilih antara karakter manusia pria atau wanita, pemain memilih dari daftar misi yang dikemas dengan aksi cepat khas Mega Man.

Sebagai cabang platformer aksi tradisional keempat yang didasarkan pada properti legendaris Capcom, permainan yang hebat harus diharapkan. Prestasi puncak Mega Man ZX adalah Biometals, artefak yang membuka berbagai unit unik berdasarkan X atau Zero.

16. Mega Man 5 (1992)

Mega Man yang paling mudah di NES, sekuel 1992 menandai awal dari akhir untuk permainan klasik seri orisinal. Meskipun bukan yang terakhir menggunakan grafis 8-bit, Mega Man 5 memiliki lebih banyak hal untuk itu daripada tindak lanjut tahun 1993.

Mega Man 5 melakukan hampir semuanya dengan baik. Bahkan, sekuel ini pada dasarnya menggabungkan elemen terbaik dari judul sebelumnya untuk menciptakan petualangan yang menyenangkan meskipun akrab. Mega Man 5 adalah pengulangan yang kompeten. Sayangnya, hanya pengulangan saja.

15. Mega Man Zero (2002)

Menandai penampilan pertama dari garis permainan Zero's Game Boy Advance, Mega Man Zero memiliki alasan yang meyakinkan untuk menjadi sub-seri franchise yang paling konsisten. Meskipun keempat game ini cukup menyenangkan, Mega Man Zero terasa lebih kasar di sekitar tepi daripada sekuelnya. Mengatur abad setelah Mega Man X, Zero terbangun untuk perang antara android dan manusia. Zero mengembangkan pengetahuan Mega Man lebih baik daripada seri lainnya.

Sementara sekuel menempel pada format pilih panggung tradisional Mega Man, segelintir panggung Zero saling berhubungan melalui hub. Memadukan mekanisme hack dan slash, platforming, dan shooting; Mega Man Zero terlalu ambisius untuk kebaikannya sendiri.

14. Mega Man 4 (1992)

Pada titik ini, sangat sedikit yang membedakan satu entri dari yang berikutnya. Pada hari lain dalam seminggu, Mega Man 4 dapat memiliki peringkat sangat baik di 10 besar. Pada game keempat, Capcom menyetrika formula Mega Man untuk memfasilitasi publikasi tahunan. Meskipun tidak sepenuhnya tanpa inovasi, Mega Man 4 menandai titik ketika seri mulai melawan angin perubahan.

Mega Man 4 memperkenalkan kemampuan untuk mengisi daya Mega Buster sang pahlawan untuk meningkatkan kerusakan, fitur yang ditakdirkan untuk menjadi mekanik terkemuka dalam seri ini. Tambahan ini sangat fantastis, entri sebelumnya terasa membatasi tanpa itu.

13. Mega Man (1987)

Setiap franchise harus dimulai dari suatu tempat. Sementara game terakhir menyempurnakan formula, Mega Man yang asli tiba sudah memiliki banyak elemen yang akan menentukan properti. Dirilis pada tahun 1987 untuk Nintendo Entertainment System, Rockman menawarkan grafis bintang, musik yang brilian, dan gameplay berbasis senjata yang menarik yang memadukan kontrol pitch-perfect dengan bakat visual.

Hal-hal tertentu seperti sistem penilaian pada akhirnya dibuang, sementara faktanya ada dua bos lebih sedikit pasti bekerja melawan Mega Man asli, tetapi maskot biru Capcom keluar dari gerbang menembaki semua silinder.

12. Mega Man 11 (2018)

Mungkin prinsip kebaruan sebagian yang harus disalahkan, tetapi Mega Man 11 adalah kembalinya aksi spektakuler untuk ikon yang diperlakukan salah Capcom! Dengan pengecualian dari penampilan cameo atau tamu yang sesekali, Rockman pada dasarnya pergi absen setelah Mega Man 2010 10. Diumumkan pada tahun 2017 dan dirilis setahun kemudian, Mega Man 11 mentransfer loop gameplay tradisional seri asli ke dalam petualangan indah yang cocok untuk modern konsol.

Tidak seperti pendahulunya, Mega Man 11 tidak puas dengan prinsipnya menciptakan Mega Man 2. Setelah lebih dari dua dekade, Mega Man sekali lagi dapat meluncur dan mengisi Mega Buster-nya. Mega Man 11 ditahan karena kesulitan sesekali lonjakan dan tahap-tahap tertentu melampaui menyambut mereka.

11. Mega Man Zero 4 (2005)

Mengikuti Mega Man Zero yang menjanjikan meskipun mentah, Inti Creates mengidentifikasi komponen-komponen yang perlu ditelusuri dalam sekuelnya. Seri berikutnya memperluas gerakan Zero dan menyulap cara-cara baru untuk Cyber Elf untuk membantu reploid berpakaian tajam selama pertempuran.

Mega Man Zero 4 adalah game hebat yang jauh dari ketinggian yang ditetapkan oleh para pendahulunya. Membatasi Cyber Elf menjadi hanya satu dan mengunci opsi kustomisasi Zero di belakang tetes musuh acak adalah langkah-langkah yang salah, sedangkan Z-Knuckle bukan pengganti yang memadai untuk Boomerang Shield yang dilepas.

10. Mega Man ZX Advent (2007)

Platformers Mega Man suka memasukkan mekanik RPG sesekali dalam bentuk Zero yang dapat disesuaikan atau senjata yang dapat diupgrade. Permainan ZX datang paling dekat dengan memadukan dua genre tanpa terjun lebih dulu ke wilayah Battle Network. Dirilis tak lama setelah game pertama, ZX Advent sekali lagi menawarkan opsi untuk memilih antara dua karakter yang dapat dimainkan; Namun, tidak seperti pendahulunya, gaya bermain Gray dan Ashe sangat berbeda.

Membuka kekuatan bos adalah hal yang wajar bagi Mega Man, tetapi ZX Advent mengambil langkah lebih jauh dengan membiarkan Gray / Ashe benar-benar menjadi musuh mereka. Transformasi tertentu membuka jalur yang sebelumnya tidak dapat diakses untuk dijelajahi.

9.   Mega Man X3 (1995)

Didorong oleh respons positif terhadap dua entri pembuka X, Capcom memilih untuk bangkrut dengan game ketiga. Mega Man X3 adalah produk pengembang yang memperkuat elemen-elemen sukses franchise tanpa mempertanyakan apakah lebih besar tentu lebih baik.

Mega Man X3 menawarkan lebih banyak perkelahian bos opsional, peningkatan armor, mech, dan senjata daripada sebelumnya. Untuk periode singkat (dan underwhelming), pengguna bahkan dapat bermain sebagai Zero. Mega Man X3 adalah sebuah mahakarya yang terbebani oleh terlalu banyak gangguan.

8.   Mega Man 9 (2008)

Lebih dari satu dekade memisahkan entri kedelapan dan kesembilan seri asli, dan keduanya tidak bisa terpisah lebih jauh! Sementara kebangkitan terbukti berumur pendek, Mega Man 9 menghidupkan kembali minat maskot Capcom. Merangkul dorongan retro yang populer selama generasi konsol ketujuh, Mega Man 9 secara meyakinkan dapat lulus sebagai penerus langsung ke Mega Man 2.

Memilih untuk berpura-pura tahun 90-an tidak pernah terjadi, Mega Man 9 melucuti gerakan pahlawan eponymous seminimal mungkin dan meningkatkan kesulitan ke ketinggian yang membuat frustrasi. Bagian platforming menantang tanpa menggunakan bahaya murah, sementara senjata yang dapat dibuka dari Mega Man 9 membuat malu setiap entri kecuali Mega Man 2.

7.   Mega Man X (1993)

Ditetapkan kira-kira seabad setelah peristiwa dari seri Mega Man (yang masih berlangsung), Mega Man X membawa franchise ke era 16-bit dengan sebuah ledakan! Mengganti Robot Masters Dr. Wily dengan Maverick Hunters dari Sigma, campaign harus mengandung sedikit kejutan bagi para veteran properti. Mengikuti level tutorial yang singkat namun brilian, pemain bebas untuk menantang delapan bos yang berbeda sesuai keinginan mereka.

Meskipun terlihat dan bermain seperti Mega Man tradisional, X menambahkan banyak opsi keren untuk membantu membedakannya dari seri aslinya. Seiring dengan kemampuan melompat-dinding yang mengagumkan, Mega Man X menambahkan armor yang dapat diupgrade untuk karakter yang dapat dimainkan.

6.   Mega Man Zero 2 (2003)

Sub-seri Inti Creates menghargai kenyataan bahwa tidak semua orang suka bermain game dengan cara yang persis sama. Atas nama aksesibilitas, kontrol Mega Man Zero 2 dapat disesuaikan sesuai keinginan pemain. Mengesampingkan map yang saling berhubungan untuk kembali ke menu pilih panggung Mega Man, Mega Man Zero 2 menemukan keseimbangan yang tepat antara tradisi dan perkembangan.

Meskipun hanya ada empat senjata, serangan dan kemampuan baru terbuka saat Zero semakin nyaman dengan item itu. Serangan khusus bos juga bisa dipelajari, memungkinkan peringkat A minimum diperoleh untuk tahap sebelumnya.

5.   Mega Man X2 (1994)

Mengambil dunia 16-bit oleh badai dan secara efektif menggantikan garis Mega Man asli sebagai seri definitif maskot, Mega Man X2 menghadapi tugas yang sulit untuk berhasil game 1993 yang dicintai. Pengenalan Air Dash hanya mendorong sekuel di depan pendahulunya. Dengan pengecualian Charge Shot, tidak ada mekanik lain yang meningkatkan franchise sebanyak Air Dash.

Sementara gameplay tidak menyimpang terlalu jauh dari status quo, narasi Mega Man X2 bertepatan dengan peningkatan signifikan dari alur cerita khas franchise pada saat itu.

4.   Mega Man 3 (1990)

Entri ketiga menginduksi satu perubahan signifikan namun krusial pada pengalaman inti Mega Man: Gerakan slide. Inovasi tunggal ini menjamin posisi Mega Man 3 di antara yang terbaik dari yang terbaik, meskipun campaign ini kurang kohesif daripada kedua pendahulunya. Senjata-senjata itu, walaupun menyenangkan untuk digunakan, terasa seperti pengulangan gudang senjata Mega Man 2. Mega Man 3 menggantikan desain levelnya yang tidak konsisten dengan menyediakan kuantitas dan kualitas.

Setelah mengalahkan delapan Robot Masters campaign dan sebelum menangani enam tahap Skull Fortress, empat level baru berdasarkan Mega Man 2 dibuka. Setelah ini selesai, pertarungan singkat melawan Break Man (Proto Man) berikutnya. Terlepas dari preferensi pribadi, Mega Man 3 mendapatkan setiap ons pujian yang terkumpul.

3.   Mega Man X4 (1997)

Menguntungkan Mega Man X4 dibandingkan dengan rilis sebelumnya sepertinya merupakan keputusan yang agak kontroversial. Bagi sebagian orang, akting suara lumpuh langsung mendiskualifikasi Mega Man X4 dari memperebutkan posisi teratas. Bahkan dengan kesalahan langkah sesekali, sekuel 1997 dengan sempurna menangkap gameplay yang ketat dan pengisahan cerita yang efektif yang terkait dengan garis X.

Sekarang, sebenarnya, lima pertandingan awal Mega Man X harus dilihat sebagai keseluruhan yang terhubung. Sementara seri asli Capcom sedikit memperhatikan narasinya, X benar-benar mengeksplorasi karakter X, Sigma, dan Zero. Seiring dengan semua kebaikan khas X, Mega Man X4 memperkenalkan Zero sebagai karakter yang dapat dimainkan berbeda daripada klon Mega Man.

2.   Mega Man Zero 3 (2004)

Mega Man Zero 3 hanya menyesuaikan karakteristik kecil dari prekuelnya yang cemerlang dan tidak ada perubahan yang benar-benar superior. Sebelumnya, Zero semakin membuka kunci serangan baru dengan berulang kali menggunakan senjata; kali ini, gerakan penuh reploid tersedia dari awal. Seperti sebelumnya, skor tinggi menghadiahkan pemain dengan serangan spesial bos.

Formulir Mega Man Zero 2 mengubah kemampuan Zero dan dibuka dengan menyelesaikan misi sekunder panggung. Sekuelnya menjatuhkan elemen ini untuk mendukung chip kustomisasi yang jauh lebih fleksibel dan eksperimental.

1.   Mega Man 2 (1989)

Sementara para kritikus menyukai Mega Man 1987, platformer itu jauh dari sukses komersial. Sebenarnya, Capcom membutuhkan sedikit meyakinkan untuk menerbitkan sekuel; untungnya, pengembang menolak untuk menyerah! Hasil akhirnya? Game paling penting untuk menanggung nama Mega Man.

Sebuah kesuksesan besar yang kritis dan finansial, Mega Man 2 terutama berfokus pada peningkatan kerangka kerja yang ditetapkan oleh pendahulunya. Seiring dengan peningkatan jumlah bos dari enam menjadi delapan Master Robot yang berbeda dan, dengan ekstensi, jumlah senjata unik, Mega Man 2 memperkenalkan berbagai cara untuk memecahkan teka-teki dan memiliki soundtrack terbesar dalam seri inti. Sedikit kurang sulit daripada entri sebelumnya, Mega Man 2 menyentuh jalan tengah yang sempurna antara aksesibilitas dan tantangan.

Sumber: Thegamer