12 Game Battlefield Terbaik Sepanjang Masa

27 September 2019

Ketika Battlefield 5 mulai masuk ke tangan PC dan pemain konsol di mana saja, mereka yang tidak yakin mungkin bertanya-tanya apakah sekuel D2 WW2 benar-benar dapat memenuhi warisan seri multiplayer shooter. Nah, cara apa yang lebih baik untuk mengetahuinya selain dengan memeringkatnya di sebelah setiap peringkat dalam franchise sejauh ini?

Di bawah ini, kami telah mencantumkan setiap peringkat Battlefield dalam urutan dari yang terburuk ke yang terbaik, baru-baru ini diperbarui untuk memasukkan putusan kami tentang di mana Battlefield 5 berakhir di hierarki. Seperti daftar lainnya, pasti akan ada perdebatan tentang permainan mana yang harus dituju, tetapi kami pikir kami telah menemukan keseimbangan yang tepat dengan memberikan setiap judul haknya yang adil, kontroversi akan dikutuk. Lihatlah sendiri, dan lihat di mana game Battlefield favorit Anda telah berakhir.

12. Battlefield Hardline (2015)

Satu-satunya entri AAA Battlefield yang tidak akan dikembangkan oleh DICE, Visceral Games yang sekarang mati mencoba sesuatu yang baru secara radikal dengan Hardline, memperkenalkan elemen polisi dan perampok ke formula Battlefield standar dengan keberhasilan terbatas. Upaya Battlefield Hardline untuk meniru acara-acara kejahatan berseri dalam campaign adalah mengagumkan tetapi dilaksanakan dengan ceroboh, terutama karena ceritanya dengan ceroboh menyoroti kepekaan politis dari subjek dengan sedikit cara diplomatis yang halus.

Sementara itu, multiplayer tidak memiliki kemahiran dari franchise lainnya. Mode-mode baru bertema kejahatan dihancurkan dan dihilangkan, dengan Hotwire menonjol karena semua alasan yang salah sebagai faksimili yang kejam dan benar-benar berlebihan dari pengejaran mobil sinematik. Pasti ada tempat untuk menghargai di Battlefield Hardline, tetapi secara keseluruhan, ini adalah salah langkah kurang ajar ke wilayah yang belum dipelajari.

11. Battlefield V (2018)

Ada banyak yang harus dicintai tentang Battlefield V. Ini adalah pendekatan sistematis dan cermat untuk mengolah kembali multiplayer secara mengarah ke beberapa permainan Shooter terbaik yang pernah dialami seorang shooter online hingga saat ini, sementara presentasinya tidak pernah lebih baik berkat animasi terperinci, teknologi canggih, dan soundtrack orisinal yang membangkitkan semangat dan monumental.

Tapi ini bukan Battlefield untuk semua orang. Dengan memperluas celah keterampilan dan menekan tontonan, Battlefield V mengaburkan kegemaran primordial pendahulunya untuk sesuatu yang sedikit lebih diredam dan sedikit kurang khas terhadap berbagai shooter lain di pasar. Kesimpulan Anda tentang Battlefield V pada akhirnya akan tergantung pada apa yang Anda inginkan dari game Battlefield, tetapi sulit untuk menyangkal franchise ini tidak memiliki faktor X khusus dibandingkan dengan entri peringkat yang lebih tinggi pada daftar ini.

10. Battlefield 1943 (2009)

Dalam hal konten saja, Battlefield 1943 sangat, sangat kecil. Ini fitur hanya beberapa map multiplayer, kendaraan, dan senjata, tanpa pengalaman single player untuk berbicara tentang apa pun. Tapi itu tidak masalah, karena apa yang ada di sana adalah salah satu pengalaman FPS multiplayer yang paling menyenangkan yang bisa Anda harapkan, dan permainan yang merupakan salah satu yang pertama yang memberikan contoh manfaat dari pasar digital.

Jumlah dari banyak bagian, Battlefield 1943 memiliki reputasi baik karena latar belakangnya yang mengesankan, pemandangan yang dicium matahari, dan musik itu… oleh belas kasihan ibu, musik yang manis itu. Tema utama ikonik, membawakan string yang mengaduk-aduk botol yang dengan sempurna memantulkan fantasi kehidupan militer yang romantis, masih melekat di kepala saya sampai hari ini. Mengambil semua itu bersama-sama, 1943 adalah Battlefield klasik yang disuling menjadi bentuknya yang paling murni, ditawarkan di atas piring yang hanya bisa ditolak oleh beberapa orang, penuh dengan pesona visual dan bobot sejarah.

9.   Battlefield 2142 (2006)

Bagaimana mungkin sebuah game Battlefield dengan tank yang melayang-layang dan bertarung dengan mechs mungkin serba salah? Yah, itu tidak membantu bahwa Battlefield 2142 keluar hanya satu tahun dan empat bulan setelah Battlefield 2, dan stand-stand sci-fi yang terdengar begitu antipeluru itu sekarang menjadikannya gambar menarik perhatian bagi orang-orang yang lebih suka merasakan yang lebih membumi (secara harfiah) dari Battlefield sebelumnya.

Sangat disayangkan, karena 2142 benar-benar permainan yang solid - berkembang pada mekanik baru Battlefield 2 dengan pertempuran yang lebih cepat dan persenjataan yang lebih bervariasi. Belum lagi kebesaran yang masih dibisikkan yaitu Titan, mode permainan baru yang membuat para pemain berjuang untuk mengendalikan solo rudal di darat kemudian naik kapal induk melayang ala Avengers dari tim lawan. Untungnya, Titan menemukan kehidupan baru di Battlefield 4: mode Assault Carrier dari Naval Strike.

8.   Battlefield 4 (2013)

Dengan landasan untuk era baru Battlefield yang ditata oleh Battlefield 3, tindak lanjut tergesa-gesa DICE pada dasarnya lebih sama, hanya lebih baik. Campaign ini merupakan peningkatan, tetapi itu tidak banyak bicara, dan Anda mungkin akan melupakan semuanya saat Anda berlutut jauh ke dalam konten multiplayer yang banyak diperbarui dari Battlefield 4.

Pemilik konsol akhirnya dapat menghargai kekacauan yang menggembirakan dari 64 pertandingan pemain, dan efek Levelution - di mana sebagian besar dari setiap map dapat secara drastis diubah oleh cuaca dan aktivitas pemain - masih sama mengesankan untuk ditonton seperti ketika pertama kali kita melihat Pengepungan. Pencakar langit Shanghai runtuh. Sayangnya, masalah peluncuran hari memburuk opini publik tentang permainan untuk beberapa waktu, kualitas terbaiknya dirusak oleh server yang cacat dan banyak sekali bug. Battlefield 4 telah berjalan jauh sejak saat itu, tetapi kita tidak bisa mengabaikan bayang-bayang janji salahnya, maka posisinya yang agak berkurang dalam daftar ini.

7.   Battlefield Vietnam (2004)

Battlefield Vietnam tampak aneh ketika keluar dan itu bahkan lebih aneh di belakang. Nilai jual terbesar yang dimiliki Battlefield tingkat dua dibandingkan pendahulunya adalah a) peperangan asimetris antara pasukan dengan peralatan dan benteng yang sangat berbeda, b) helikopter yang hanya membutuhkan hari, bukan bulan, latihan untuk menjadi berguna (itu benar, aku melihatmu , prototipe helikopter dari BF 1942: The Secret Weapon of WWII 2), dan c) radio kendaraan yang bisa membunyikan 'Surfin' Bird 'saat Anda mengendarai skuter Anda ke dalam pertempuran.

Perlu diingat bahwa kami masih hanya berjarak 30 tahun dari akhir Perang Vietnam ketika Battlefield Vietnam keluar - dekat dengan tidak nyaman karena konflik yang memecah-belah dan memecah belah itu. Semuanya mungkin ide yang buruk ... tapi itu tetap menyenangkan untuk dimainkan.

6.   Battlefield: Bad Company (2008)

Banyak yang suka mengingat Bad Company 2, tetapi sedikit yang berbicara tentang yang asli dengan antusiasme yang sama. Malu, karena itu adalah prototipe untuk sebagian besar hal yang membuat sekuelnya begitu cemerlang. Itu adalah salah satu game Battlefield pertama dengan cerita yang tepat, dengan karakter (yang lucu, manusia asli) dan plot, dan itu mewakili penggunaan pertama mesin Frostbite yang sekarang legendaris dalam seri Battlefield.

Hasilnya adalah tingkat kehancuran yang belum pernah kita lihat sebelumnya, dan itu membuatnya menjadi permainan tengara. Sedihnya, kurangnya pengalaman DICE dalam membuat campaign solo juga terungkap, dengan AI yang buruk dan beberapa opsi kontrol aneh (yang tidak cukup diterjemahkan dari multiplayer) merusak pengalaman yang sebaliknya sangat baik. Multiplayer juga merupakan titik yang sulit, karena permainan hanya dikirimkan dengan mode yang disebut Gold Rush (prototipe mode Rush klasik baru). Permintaan penggemar melihat Conquest ditambahkan setelahnya, tetapi kekuatan sebenarnya dari Bad Company selalu tetap menjadi single player.

5.   Battlefield 3 (2011)

Setelah beberapa tahun spin-off dan port bebas-untuk-main-main yang hangat, DICE berjanji untuk kembali dengan kuat ke akar Battlefield dengan sekuel besar-waktu yang tepat yang akan menghantam konsol dan PC secara serempak. Baik studio dan EA mendorong keras promosi untuk Battlefield 3, dengan sengaja menyebutnya sebagai puncak Call of Duty melawan raja FPS.

Keyakinan yang berlebihan itu agak tidak bisa dibenarkan, karena campaign Battlefield 3 benar-benar berantakan tidak peduli bagaimana Anda melihatnya, tetapi itu adalah cerita yang berbeda di dunia online. Untuk pemain konsol, ini mencapai tingkat ambisi dan skala yang belum pernah terlihat sebelumnya, semua berjalan relatif lancar dan tampak sangat bagus, bahkan dengan konsesi teknisnya di samping PC. Battlefield 3 mungkin bukan comeback yang sempurna, tapi itu awal yang bagus.

4.   Battlefield: Bad Company 2 (2010)

Untuk semua militerisme bermata baja, ternyata Battlefield memiliki kepribadian yang nyata di luar jam kerja. Membangun persahabatan dari perusahaan Bad-spin-off pertama, Bad Company 2 menampilkan campaign terbaik dari franchise hingga saat ini, dengan tulisan lucu (ya, lucu!), Skenario gameplay yang unik, dan sejumlah karakter yang sebenarnya tertawa ada di sekitar. Ada banyak klise, tetapi langkah cepat dan desain misi ahli hanya dua alasan bonus untuk menghabiskan lebih banyak waktu dengan perusahaan tituler pahlawan gelandangan, dan bahwa misi terakhir, benar-benar gila masih sepenuhnya hoot.

Multiplayer Bad Company 2 sama-sama tanpa beban dan kacau, dengan berbagai map dan serangkaian fisika, kehancuran, dan efek suara yang mengesankan untuk bereksperimen. Ditambah lagi, ekspansi Vietnam yang diremehkan secara tragis menjadikan historiografi pengaturannya lebih baik daripada kebanyakan game Battlefield penuh, memperpanjang usia simpan multiplayer Bad Company 2 dengan varian klaustrofobik yang lebih ganas pada slashings PvP yang tidak dapat ditolak. Ini Battlefield yang tidak terbelenggu, lidahnya kokoh di pipinya, mengejutkan kita semua untuk tetap tegar sebagai salah satu game Battlefield terbaik sepanjang masa.

3.   Battlefield 1 (2016)

Game Battlefield terbesar dan terliar hingga saat ini, Battlefield 1 memutar balik waktu setelah bertahun-tahun pertempuran modern untuk menawarkan presentasi yang ganas dari Perang Dunia 1, dalam semua kehancuran yang belum dihancurkan. Datang dari serangkaian campaign modern yang terlupakan, Battlefield 1's War Stories mengambil pendekatan yang berbeda melalui serangkaian sketsa terisolasi, menyoroti individu-individu di setiap sisi konflik, dan membayar banyak dalam hal kecepatan dan kesedihan.

Mengenai fitur multiplayer baru, Behemoths adalah alternatif Level-game yang mengubah bumi dan menghancurkan, begitu tidak terkekang dalam kekuatan seismik mereka sehingga kami bersedia memaafkan ketidakseimbangan kompetitif yang luar biasa yang mereka bawa ke hampir setiap pertandingan. Battlefield 1 ada di sana bukan hanya sebagai titik tinggi definitif untuk seri, tetapi untuk genre FPS pada umumnya.

2.   Battlefield 1942 (2002)

Yang pertama, asli dan, bagi banyak orang, salah satu yang terbaik. Battlefield 1942 adalah bagian formatif dari sejarah game, di mana DICE pertama kali mengambil konsep sim militer hardcore dan memasarkannya ke khalayak yang lebih luas. Tidak hanya dihargai karena kepentingan historisnya, Battlefield 1942 adalah first person shooter yang fantastis. Untuk saat ini, desain map terbuka dan pemecah rekor 64 batasan pemain adalah kekuatan menjatuhkan kekuatan teknis yang memungkinkan pemain PC menghargai setiap sen yang telah mereka investasikan ke dalam mesin game mereka, dan bahkan hari ini, keaslian gameplay berdiri dengan baik.

Semua DNA dari Battlefield ada di sini - gameplay berbasis kelas, kendaraan, semua medan pertempuran, mode multiplayer yang berfokus pada tim - membuktikan bahwa DICE telah mencapai emas dengan formula yang telah mempertahankan daya tariknya dalam genre shooter 16 tahun kemudian. Oh, dan itu adalah game yang memberkati kita dengan Wake Island, peta multi-player yang nyaris sempurna, yang membenarkan posisinya dalam daftar ini saja.

1.   Battlefield 2 (2005)

Game Battlefield modern dimulai dengan Battlefield 2 ... dan saya tidak hanya mengatakan itu karena Battlefield 2 benar-benar yang pertama dengan pengaturan modern (dan yang pertama yang benar-benar mengabaikan konvensi penomoran yang tepat). Di sinilah seri mulai bergerak menjauh dari pola pikir para pemain yang berkerumun di sekitar titik tangkap statis dalam perang gesekan miniatur.

Para pemain didorong untuk bergabung dengan salah satu regu tim mereka, memberi mereka titik spawn seluler dalam bentuk pemimpin regu mereka dan cara untuk menerima tujuan yang lebih spesifik daripada ‘mendapatkan semua bendera’. Menambahkan defibrillator yang menghidupkan kembali tentara ke kelas medis dan tas amunisi ke kelas pendukung juga mempromosikan permainan yang lebih mobile dan dinamis. Battlefield 1942 menetapkan konsep luas yang akan dikejar semua game berikut, tetapi Battlefield 2 menyempurnakan dan memfokuskannya dalam banyak cara yang bertahan hingga saat ini.

Sumber: Gamesradar

Kisah Film Terbaik: Episode 13 - Citizen Kane (1941)

Film Kilas Balik Terbaik Sepanjang Masa

24 September 2019

Rilis: 5 September 1941

Sutradara dan Produser: Orson Welles

Sinematografi: Gregg Toland

Score: Bernard Herrman

Distribusi: RKO Radio Pictures

Pemeran: Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Comingore, Everett Sloane, Ray Collins, George Coulouris, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland

Durasi: 119 Menit

Genre: Misteri/Drama

RT: 100%

Setiap beberapa bulan - ketika suasana hati mengejutkan saya - saya mengeluarkan DVD Citizen Kane saya dan menghabiskan beberapa jam untuk mengagumi kejeniusannya, banyak pencapaian dan inovasinya. Kadang-kadang saya akan menonton seluruh film dan kemudian mendengarkan satu atau kedua komentar DVD, atau film dokumenter PBS American Experience 2 jam, The Battle over Citizen Kane. Sekarang, saya tahu banyak tentang dialog film itu dengan hati, bahkan ketika menontonnya lagi setelah beberapa bulan. Kadang-kadang saya bahkan akan meneriakkan beberapa baris favorit saya bersama dengan para aktor.

Sekarang ini adalah klise yang sudah usang bahwa banyak penggemar film (kutu buku film, jika Anda mau) berulang kali memilih Citizen Kane sebagai pilihan default mereka sebagai film terbesar yang pernah dibuat, hampir karena kewajiban yang tidak terucapkan kepada semacam kesucian (tantra?) mitologi film. Bagi banyak orang yang tidak terbiasa dengan apa yang konvensional, mungkin, diizinkan, atau enak di film Amerika sebelum Citizen Kane, film ini mungkin tampak agak membosankan, kacau, membingungkan, atau pejalan kaki. Tetapi kenyataannya adalah bahwa Citizen Kane secara dramatis mengubah seluruh struktur, perbendaharaan kata, teknologi dan fisika dari cerita film Amerika arus utama setelah pemutaran perdana 1941-nya.

Bagi para pembuat film Amerika (dan Internasional), terobosan dan pencapaian dalam Citizen Kane adalah sesuatu yang mirip dengan Martin Luther memalu manifestonya di pintu Gereja Katolik, Einstein menerbitkan teori relativitas, atau The Beatles muncul di acara Ed Sullivan. Sangat alami, semua peristiwa mani ini mungkin tampak jinak atau tak terhindarkan bagi orang yang melihatnya dari perspektif setengah abad atau lebih setelah mereka mengubah jalinan budaya dan batas-batas media mereka, tetapi mereka semua sama-sama menghancurkan bumi dalam dampaknya. Seperti yang lain, Welles ragu, diejek, ditekan, atau diabaikan oleh struktur kekuatan, tetapi membuat tanda yang tak terhapuskan pada keahliannya.

Cerita Edaran

Dalam beberapa bulan setelah rilis Citizen Kane, sejumlah besar film dirilis yang memanfaatkan struktur naratif melingkar yang digunakan di Kane, biasanya dalam bentuk kilas balik. Genre film noir crime membuat penggunaan narasi dan kilas balik yang sangat efektif dan meyakinkan; penggunaan flashback yang hampir obsesif dan de rigueur pada sebagian besar film akhirnya berkontribusi pada kehancuran dan parodi genre. Namun demikian, butuh beberapa saat untuk narasi film untuk sepenuhnya dibebaskan dari konvensi bentuk naratif linier.

Mungkin contoh awal paling terkenal dari sebuah film yang mendekati atau melampaui eksperimen multi-perspektif Citizen Kane, narasi sirkular adalah drama klasik Jepang 1950 karya sutradara Akira Kurosawa, Rashomon. Judul Kurosawa telah menjadi identik dengan upaya untuk memahami cerita yang mendasari dari menyatukan pengamatan dan perspektif sejumlah saksi, tetapi itu adalah bentuk naratif yang dipelopori di Citizen Kane hampir satu dekade sebelumnya. Istilah “Rashomon” sejak itu telah menjadi bagian dari bahasa Inggris, khususnya dalam jurnalisme, menandakan proses mencoba menyatukan sebuah cerita dari perspektif yang berbeda, seringkali berbeda — seperti yang coba dilakukan oleh reporter di Citizen Kane ketika mencoba untuk menulis. bersama-sama kisah hidup Charles Foster Kane.

Kinerja dan Arah Orson Welles

Pada tahun 1940, RKO menandatangani Orson Welles yang berusia 24 tahun dengan kontrak paling menguntungkan yang telah dikeluarkan Hollywood dalam hampir dua dekade; Welles akan diizinkan kontrol kreatif mutlak atas semua aspek produksi. Dapat dimengerti, ada banyak kecemburuan dan sinisme profesional mengenai produksi pertamanya, yang ternyata adalah Citizen Kane. Apa yang berakhir di layar membuktikan hampir semua orang yang ragu dan sinis secara spektakuler salah. Pada usia 25 tahun - sebagai seorang pemula film absolut - Welles menulis, menyutradarai, dan berakting dalam sebuah film dengan naskah paling kompleks, menuntut dan menantang yang pernah ditulis.

Sebagai seorang aktor, ia memainkan karakter dari usia 22 hingga 78, menggambarkan transformasi dari pemberontak yang tidak dapat diperbaiki menjadi mogul arus utama yang kuat menjadi seorang lelaki yang sedih, kesepian, dikalahkan, dan disalahpahami yang merindukan masa mudanya yang hilang. Sebagai sutradara, ia menemukan teknik fotografi, sudut dan gerakan kamera yang belum terlihat dalam film, bereksperimen dengan transisi layar dan teknik pengeditan yang belum pernah dilihat sebelumnya, dan memperkenalkan kader aktor yang akan memiliki tempat utama dalam film Amerika untuk seperempat abad ke depan .

Meskipun karir Welles setelah Kane tidak pernah memenuhi janji debut filmnya, itu masih kuat dan mengesankan. Welles mengarahkan beberapa kesalahpahaman klasik yang hanya mengungkapkan kejeniusan mereka begitu kebobolan konvensi terjadi. The Magnificent Ambersons dan Touch of Evil sekarang dipandang sebagai pencapaian penting dalam film. Akting Welles dalam film-film seperti The Stranger, The Lady from Shanghai, dan The Third Man sangat kuat; bahkan peran kecilnya dalam film-film seperti Catch-22 mencuri adegan.

Pemain dan Kru Tambahan

Terlepas dari kinerja debut Welles yang luar biasa, Citizen Kane memperkenalkan banyak aktor terhormat kepada penonton film Amerika. Joseph Cotten menjadi orang terkemuka yang bankable melalui tahun 1940-an dan awal 1950-an dalam film-film seperti Gaslight, Shadow of a Doubt, Love Letters, Duel in the Sun, Portrait of Jennie, dan Niagara. Welles dan Cotten bekerja bersama lagi pada tiga klasik lagi: The Magnificent Ambersons, The Third Man, dan Touch of Evil. Ray Collins dan Agnes Moorhead memiliki banyak peran pendukung yang mengesankan di tahun 1940-an dan 1950-an sebelum menjadi perlengkapan televisi di Perry Mason dan Bewitched. Paul Stewart dan Everett Sloane memiliki karier yang signifikan; Ruth Warrick menjadi diva drama siang hari; Alan Ladd muda memiliki peran film signifikan pertamanya di Kane sebelum kemudian menjadi idola pertunjukan siang di film-film seperti Shane.

Editor film muda tentang Citizen Kane, Robert Wise, menjadi salah satu sutradara terbaik di Hollywood, dengan daftar kredit berkualitas tinggi yang sangat beragam untuk namanya dalam empat dekade berikutnya: The Set-Up, The Day the Earth Stood Still, Executive Suite, I Want to Live!, West Side Story, The Sound of Music, The Sand Pebbles, The Hindenburg, The Andromeda Strain, dan Star Trek: The Motion Picture.

Komposer film legendaris Bernard Herrmann juga dibawa ke Hollywood oleh Welles. Citizen Kane adalah skor film pertama Herrmann, dan ia menerima nominasi untuk Academy Award untuk Skor Terbaik dari Gambar Drama. Herrmann juga menulis skor untuk film kedua Welles, The Magnificent Ambersons, tetapi menuntut namanya dihapus dari kredit karena pengeditan dan manipulasi oleh studio. Segera setelah itu, Herrmann memulai kolaborasi lama dengan Alfred Hitchcock, dan menyusun soundtrack klasik khas untuk Vertigo, North by Northwest, dan Psycho. Karyanya yang lain termasuk musik untuk The Day the Earth Stood Still, Cape Fear, dan tema Twilight Zone TV.

Ada - dan tetap - tidak ada film lain dalam sejarah perfilman yang telah meluncurkan karir dari begitu banyak seniman yang signifikan dan berprestasi.

Teknologi Film dan Inovasi Gaya

Direktur Fotografi Gregg Toland dilaporkan secara sukarela bekerja dengan Welles pada proyek pertamanya di RKO, karena dia pikir dia bisa belajar lebih banyak dari seseorang yang tidak tahu apa yang - dan tidak - mungkin. Kolaborasi berikutnya terbukti mendapat manfaat dari dinamika itu. Welles, yang berasal dari dunia drama radio dan produksi teater WPA (sering mengawasi non-aktor), memiliki visi yang unik untuk produksinya yang tidak terbebani oleh keterbatasan khas pementasan produksi Hollywood, pencahayaan, pemblokiran, dan casting. Kolaborasi yang dihasilkan adalah produksi yang menciptakan seperangkat aturan yang sama sekali baru untuk produksi dan fotografi film yang melanggar batas-batas cerita terbuka.

Sebelum bekerja dengan Welles, Toland adalah seorang sinematografer yang sangat dihormati, telah dinominasikan untuk Academy Awards pada tahun 1935, 1937, 1939, dan 1940. Ia memenangkan penghargaan pada tahun 1939 untuk Wuthering Heights, dan dikenal karena membuat banyak terobosan teknologi dan gaya dalam bukunya. bekerja dengan sutradara John Ford. Tetapi ketika visi Welles dan pementasan inovatif dicocokkan dengan keahlian dan profesionalisme Toland, pasangan ini membuat terobosan yang menantang konvensi dan menciptakan bahasa film yang sama sekali baru.

Citizen Kane banyak menggunakan teknologi dan teknik baru dan baru seperti printer optik, pencahayaan fokus dalam dan lensa, komposit dalam kamera, pencahayaan rendah kunci, perspektif sudut rendah ekstrim, dan close-up radikal. Teknik inovatif dan tidak biasa seperti penggunaan gambar matte yang banyak, suntingan lompat, animasi, bidikan kamera genggam, lubang kamera terbuka lebar, pencahayaan busur, dan film yang menyusahkan untuk mencapai tampilan yang lebih tua juga digunakan.

Meskipun Toland adalah seorang sinematografer berpengalaman dan terkenal, pengalaman Welles dalam media radio yang murni bercerita meminjamkan banyak hal untuk menginformasikan teknik visual — terutama dalam transisi adegan — pada Citizen Kane. Pada tahun 1941, Toland kembali dinominasikan - untuk tahun ketiga berturut-turut - untuk Penghargaan Akademi untuk Sinematografi Terbaik. Banyak teknik visual dan berkembang ia ditampilkan di Citizen Kane menjadi banyak digunakan selama film noir menggila 1944-1953.

Apakah Citizen Kane "Yang Terbaik Yang Pernah Ada?"

Banyak teknik eksperimental Welles dan Toland di Citizen Kane menjadi hal biasa atau dikalahkan oleh teknologi baru dalam waktu 10-15 tahun. Tetapi faktanya tetap bahwa Welles mencoba semuanya terlebih dahulu, dan menunjukkan kemanjuran mereka dalam proses bercerita. Melalui Citizen Kane, ia memperkenalkan kekuatan aktor dan teknisi yang sepenuhnya baru dan energik ke Hollywood yang menghasilkan kanon yang mengesankan dan cara kerja baru dalam sistem studio. Seperti banyak inovator muda yang meremehkan cara mapan dalam melakukan berbagai hal, Welles menjadi sasaran “pembalasan” dan dikucilkan oleh elemen-elemen yang mewakili status quo. Pengorbanan profesionalnya dalam pelayanan kemajuan film tidak benar-benar diakui sampai dia terlalu lumpuh oleh kepahitan, kekecewaan, dan reputasi karena sulit untuk memberikan kontribusi lebih lanjut; semua alasan lebih untuk perayaan layak pencapaian film tanda tangannya.

Ketika National Film Registry dibuat oleh Library of Congress pada tahun 1989 untuk merayakan dan melestarikan harta film Amerika, Citizen Kane adalah salah satu dari 20 film asli yang dipilih sebagai harta nasional. Ketika Institut Film Amerika memilih 100 Film Amerika Terbaik Sepanjang Masa pada tahun 1998, Citizen Kane terpilih sebagai # 1. Daftar ini diperbarui satu dekade kemudian, dan Citizen Kane terpilih kembali untuk posisi teratas.

Citizen Kane bukan film yang sempurna — mungkin tidak ada yang seperti itu - dan bahkan jika ada film yang “sempurna”, kemungkinan tidak akan mengambil begitu banyak peluang dan memecah begitu banyak konvensi dan klise yang lelah. Tetapi setiap kali saya melihat dan menghargai film-film hebat seperti Chinatown, Pulp Fiction, Raging Bull, The Godfather, Rear Window, Rashomon, Fargo, Elevator to the Gallows, City of God, Out of the Past, Reds, Casino, All About Eve, The Shawshank Redemption, Vertigo, Bonnie and Clyde, dan Reservoir Dogs --- hampir selalu ada beberapa aspek film yang membuat saya berpikir: "Bagian ini tidak mungkin terjadi tanpa Citizen Kane."

Sumber: Reelrundown

Kisah Film Terbaik: Episode 12 - Gone With the Wind (1939)

Film Kutipan Terbaik Sepanjang Masa

16 September 2019

Rilis: 17 Januari 1940

Sutradara: Victor Fleming, George Cukor

Produser: David O. Selznick

Sinematografi: Ernest Haller

Score: Max Steiner

Perusahaan: Selznick International Pictures, Metro Goldwyn Mayer

Pemeran: Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard, Olivia de Havilland

Durasi: 238 Menit

Genre: Romantik/Epik

RT: 91%

Dengan nafsu membara, one-liner besar dan kostum rumit, Gone With the Wind membuat cetakan besar pada budaya populer ketika dirilis pada tahun 1939.

Delapan puluh tahun kemudian, film klasik ini mendapat kehormatan dengan rilis ulang terbatas milik Warner Bros dan Fathom Events. Pada tanggal 28 Februari dan 3 Maret, bioskop-bioskop di seluruh negeri akan menayangkan film tersebut di layar lebar (untungnya, ada jeda singkat di tengah jalan selama tiga jam dan 42 menit waktu lamanya berjalan).

Bertempat di Georgia selama Perang Sipil Amerika, Gone With the Wind mengikuti Scarlett O'Hara yang cantik namun egois, dimainkan oleh Vivien Leigh, ketika ia mencoba untuk memenangkan hati seorang pria yang sudah menikah. Itu adalah box office instan, meraup delapan Oscar di upacara Penghargaan Academy 1940. Pengaruh budayanya telah bertahan; kritikus film Roger Ebert menulis pada tahun 1998, "Film ini masih menjadi tonggak peninggalan film, cukup sederhana karena menceritakan kisah yang baik, dan menceritakannya dengan sangat baik."

Ruang lingkup epik film, produksi yang subur dan muatan emosional yang kuat memberikan semacam cetak biru blockbuster Hollywood, dibuktikan dalam film-film kemudian dari Lawrence of Arabia ke La La Land. Kisah cinta yang intens antara Scarlett O'Hara dan Rhett Butler (diperankan oleh Clark Gable) adalah rumit dan ambigu secara moral.

Penggambaran karakter hitam dalam film tentu tidak bertahan dalam ujian waktu yang sama. Seluruhnya berperan sebagai budak dan pelayan, aktor seperti Butterfly McQueen dan Hattie McDaniel diberi bahan stereotip yang dalam. Malcolm X menonton film tersebut pada tayangan aslinya: "Saya adalah satu-satunya orang Negro di teater," tulisnya kemudian. "Ketika Butterfly McQueen beraksi, aku merasa seperti merangkak di bawah karpet."

Untuk penonton kontemporer, rasisme film mungkin sulit untuk diatasi. "Film ini, dalam banyak hal, adalah sebuah repositori dari aslinya yang telah membentuk deskripsi ras budaya Amerika yang tersiksa sejak itu," tulis Stephen Marche dari Esquire pada tahun 2014.

Kritik rasial ini merupakan konteks penting bagi pengalaman menonton hari ini. Meskipun banyak aspek bermasalah dari Gone With the Wind, ini masih merupakan pencapaian budaya dan teknis; dalam Harris Poll 2014, orang Amerika memilihnya sebagai film favorit mereka sepanjang masa.

Seperti umumnya dengan produksi Hollywood yang besar, proses pembuatan Gone With the Wind penuh dengan penundaan, perselisihan, dan saat-saat di mana semuanya nyaris berantakan. Berikut adalah 15 hal yang tidak Anda ketahui tentang film klasik, dari judul alternatifnya hingga tambahannya yang tidak biasa.

Margaret Mitchell, penulis novel "Gone With The Wind", tiba di pemutaran perdana film dunia dengan nama yang sama di Atlanta pada 16 Desember 1939.

1) Gone With the Wind ditulis oleh kehidupan nyata Scarlett O'Hara

Gone With the Wind didasarkan pada novel 1936 oleh Margaret Mitchell. Mitchell adalah semacam kehidupan nyata Scarlett O'Hara, lahir dari keluarga Georgia yang kaya dengan seorang kakek yang pernah bertugas dalam Perang Sipil. Seperti O'Hara, Mitchell juga menentang norma-norma sosial setelah terlibat dalam cinta segitiga. Gone With the Wind memenangkan Hadiah Pulitzer, tetapi itu adalah novel pertama dan satu-satunya dari penulis pemalu-publisitas.

2) Gone With the Wind hampir disebut Tote the Weary Load

Buku itu bisa disebut Another Day, Bugles Sang True, Not in Our Stars, dan Tote the Weary Load — semua judul yang dipertimbangkan Mitchell.

3) Vivien Leigh hampir bukan Scarlett O'Hara

Produser David Selznick melakukan panggilan casting terbuka untuk peran Scarlett, mengirim agen di seluruh Amerika untuk mencari Belle Selatan yang sempurna untuk memulai kegilaan publisitas. Namun, pada kenyataannya, ia hanya benar-benar dianggap sebagai satu set aktris mapan. Miriam Hopkins, Tallulah Bankhead, Lana Turner dan Paulette Goddard semuanya mengikuti audisi untuk peran tersebut. Goddard tersesat, karena asmara ekstramaria skandal dengan Charlie Chaplin.

4) Leigh masuk terlambat secara dramatis ke dalam produksi

Pada akhirnya, Vivien Leigh memenangkan bagian itu. Selznick melihat aktris Inggris yang kurang dikenal dalam daging untuk pertama kalinya setelah syuting sudah dimulai, dan produser sangat membutuhkan Scarlett. Dia tiba di lokasi syuting bersama kekasihnya Laurence Olivier sementara mereka memfilmkan pembakaran terkenal adegan Atlanta, yang diciptakan dengan membakar set film lama senilai 20 tahun. "Aku melihat sekali dan tahu bahwa dia benar — setidaknya benar sejauh penampilannya," kata Selznick. "Jika kamu memiliki foto seseorang dalam pikiran dan kemudian tiba-tiba kamu melihat orang itu, tidak ada lagi bukti yang diperlukan ... Aku tidak akan pernah pulih dari pandangan pertama itu."

5) Produksi adalah mimpi buruk

Adaptasi layar untuk buku 1.037 halaman itu mengalami sejumlah besar penulisan ulang. Sutradara asli film, yang telah menghabiskan dua tahun yang melelahkan dalam pra-produksi, dipecat tiga minggu untuk syuting dan digantikan oleh Victor Fleming, yang baru saja menyutradarai The Wizard of Oz (ada di Episode 9). Dua minggu setelah itu, skrip diubah dengan tergesa-gesa lagi, dengan skrip bekerja 20 jam untuk memastikan skrip selesai.

6) Film ini memiliki tiga sutradara

Fleming begitu tertekan atas produksi yang lambat dan penuh keributan sehingga dia memberi tahu seorang teman bahwa pada suatu saat dia mempertimbangkan untuk mengendarai mobilnya dari tebing. Dia mengambil cuti pertengahan produksi karena kelelahan, dan sutradara ketiga, Sam Wood, masuk.

7) Salah satu bintang mengira film Gone With the Wind "omong kosong"

Leslie Howard, yang memerankan bunga cinta Scarlett Ashley, juga tidak senang. "Aku benci bagian sialan itu," tulisnya pada putrinya. "Aku hampir tidak cantik atau cukup muda untuk Ashley, dan itu membuatku muak diperbaiki agar terlihat menarik." Dia menulis bahwa film itu adalah "omong kosong yang sangat mengerikan — tolong bantu saya jika saya pernah membaca buku."

8) Mereka menggunakan boneka sebagai tambahan

Dalam adegan di mana Scarlett berjalan melewati ratusan tentara Konfederasi yang terluka di stasiun kereta api Atlanta, Selznick menginginkan 2.500 ekstra untuk memainkan para prajurit. Screen Extras Guild hanya memiliki 1.500 yang tersedia, jadi Selznick menyingkirkan kerumunan dengan 1.000 boneka berpakaian seragam.

9) Departemen kostum harus kreatif

Selznick bersikeras bahwa dada Vivien harus dilempar keluar, membuat Fleming merujuk pada peningkatan kostum sebagai "situasi kerja payudara".

10) Garis klasik hampir terpotong

Baris terakhir klasik Rhett, "Terus terang, sayangku, aku tidak peduli," hampir tidak berhasil. Butuh negosiasi berbulan-bulan dengan dewan sensor, yang menganggap kata sialan itu sebagai kata-kata kotor yang serius. Dalam satu versi, Rhett sebenarnya berkata, "Terus terang, sayangku, aku tidak peduli", tetapi sensor akhirnya menyerah. Dalam novel itu, Rhett benar-benar berkata, "Sayangku, aku tidak peduli."

11) Orang mengira Gone With the Wind akan gagal

Tidak semua orang mengira film ini akan sukses. Jack Warner dari Warner Bros pada awalnya menolak untuk meminjamkan aktris studio Olivia De Havilland: "Ini akan menjadi patung terbesar sepanjang masa," ia memperkirakan.

12) Shooting yang panjang dan mahal

Gone With the Wind membutuhkan waktu 125 hari fotografi dan anggaran $ 4,25 juta (fitur rata-rata pada saat itu harganya di bawah $ 1 juta).

13) Altanta habis-habisan untuk premier

Pertunjukan perdana di Atlanta adalah sukses besar, dengan sejuta orang yang tiba di kota dengan harapan dapat melihat bintang-bintang film. Hari pembukaan dinyatakan sebagai hari libur resmi resmi oleh gubernur Georgia. Tiga hari parade dan perayaan membanjiri kota, dengan penduduk setempat mengenakan kostum periode di jalanan.

14) Gone With the Wind kontroversial sejak awal

Tidak semua orang menyukainya. Ada protes dari putri-putri veteran Union, komunis, dan orang Afrika-Amerika. NAACP keberatan dengan perlakuan film terhadap karakter hitam. Hattie McDaniel menjadi aktris Afrika-Amerika pertama yang memenangkan Oscar untuk perannya sebagai Mammy, tetapi dia dilarang dari pemutaran perdana Atlanta karena undang-undang pemisahan.

15) Investasi terbayar

Jika disesuaikan dengan inflasi, ini adalah film terlaris sepanjang masa. Itu juga merupakan hit internasional, mengambil setengah dari pendapatannya di luar negeri.

Sumber: Newsweek

Kisah Film Terbaik: Episode 11 - An Andalusian Dog (1929)

Film Pendek (Eksperimental) Terbaik Sepanjang Masa

9 September 2019

Rilis: 6 Juni 1929

Sutradara: Lusi Bunuel

Produser: Luis Bunuel dan Pierre Braunberger

Sinematografi: Albert Duverger dan Jimmy Berliet

Score: Richard Wagner

Distribusi: Les Grands Films Classiques

Pemeran: Pierre Batcheff, Simone Mareuli, Luis Bunuel, Salvador Dali, Jaime Miravilles

Durasi: 16 Menit

Genre: Fantasy/Horor

RT: 100%

"An Andalusian Dog" tahun 1929 oleh pembuat film Spanyol, Luis Bunuel mungkin akan menjadi satu-satunya film pendek (16-21 menit, berdasarkan salinan) pada daftar ini, karena signifikansi, kepahlawanan, penemuan dan pengaruhnya dalam sejarah bioskop. Film hebat yang hingga hari ini, berdasarkan pertimbangan pemirsa, disarankan dan tidak sesuai untuk pemirsa muda, adalah film pertama Buñuel. Film avant-gard yang tidak biasa untuk saat itu dan bahkan sekarang, adalah produk kolaborasi antara pelukis terkenal Spanyol, Salvador Dali dan Luis Bunuel. Ketika Buñuel bekerja sebagai asisten direktur untuk Jean Epstein di Prancis, suatu hari di sebuah restoran, dia memberi tahu Dali tentang mimpi di mana awan memotong bulan menjadi dua "seperti pisau cukur yang memotong mata". Dalí menjawab bahwa dia juga bermimpi tentang tangan yang merangkak dengan semut. Kemudian keduanya dengan bersemangat memutuskan untuk menulis naskah berdasarkan konsep emosi, mimpi, atau mimpi buruk manusia yang ditekan. Bunuel sengaja dimaksudkan dalam film ini dan banyak dari film-filmnya nanti, seperti lukisan Dali, bergerak melampaui kenyataan, logika dan mendekati kedalaman imajinasi manusia yang paling gelap, sehingga hanya ditafsirkan dan dipahami mungkin oleh psikoanalisis Freudian. Jadi Bunuel membawa "surealisme" dari karya sebelumnya dari seniman lain seperti Dali dan Breton dalam lukisan dan bentuk seni lainnya ke layar.

Film, awalnya dirilis pada tahun 1929 dengan pertunjukan terbatas di Paris, segera menjadi populer yang berjalan selama 8 bulan. Film tanpa plot atau cerita, tidak konvensional dan terputus-putus secara kronologis, adalah batas dari begitu banyak film surealistik dan avant-gard yang serupa dari Hitchcock ke David Cronenberg, yang pantas untuk diperkenalkan pada penciptanya. Bunuel mungkin yang kedua dari Charlie Chaplin, sezamannya yang juga bertemu dan sebagian berkolaborasi, dengan lima dekade pembuatan film dan banyak kegiatan lainnya termasuk politik dan memperjuangkan kebebasan dan demokrasi di tanah kelahirannya Spanyol.

A Man for all Seasons:

Luis Buñuel (1900-1983), yang ketika meninggal pada usia 83, dipanggil oleh New York Times, “seorang ikonoklas, moralis, dan revolusioner yang merupakan pemimpin surealisme avant-garde di masa mudanya dan seorang sutradara film internasional yang dominan setengahnya satu abad kemudian ”, lahir di Calanda di wilayah Aragon Spanyol. Karier film Bunuel panjang dan signifikan, dari film pertamanya, "An Andalusian Dog" pada tahun 1929 di era bisu, yang disebut "film pendek paling terkenal yang pernah dibuat" oleh kritikus Roger Ebert, hingga film terakhirnya, " Itu Obscure Object of Desire ”, dibuat 48 tahun kemudian, memenangkan penghargaan Sutradara Terbaik dari National Board of Review dan National Society of Film Critics.

Film-film Bunuel membentang tidak hanya melintasi waktu dan dalam 5 dekade, tetapi di dua benua, tiga bahasa, dan hampir setiap genre film, termasuk eksperimental, dokumentar, melodrama, sindiran, erotika, komedi, romansa, fantasi, kejahatan, petualangan, dan bahkan barat. Terlepas dari keragaman ini, pembuat film besar Amerika John Huston, percaya bahwa, terlepas dari genre, film Buñuel sangat berbeda sehingga dapat langsung dikenali, atau seperti yang dikatakan oleh master film Swedia, Ingmar Bergman, “Buñuel hampir selalu membuat Buñuel film ". Enam dari film Buñuel termasuk dalam jajak pendapat kritikus Sight & Sound 2012 atas 250 film terbaik sepanjang masa, dan ia menempati urutan nomor 14 dalam daftar 250 sutradara teratas.

Bunuel pertama belajar agronomi, kemudian etimologi, kemudian beralih ke teknik industri dan akhirnya filsafat di Universitas Madrid. Dia dekat dengan Salvador Dali dan penyair Federico Garcia Lorca, "melalui dia saya mulai menemukan dunia yang sepenuhnya baru", meskipun ada beberapa perbedaan pada awalnya. Selama masa kuliahnya, Buñuel menjadi ahli hipnotis yang ulung, dan percaya bahwa menonton film adalah bentuk hipnosis. Ketertarikan Buñuel terhadap film semakin diintensifkan dengan menonton film-film Fritz Lang, yang mendorongnya untuk mengabdikan dirinya ke bioskop, mulai menonton film sesering tiga kali sehari. Setelah bekerja sebentar sebagai asisten sutradara untuk Epstein, ia mulai menulis film dengan Dali sebagai kritikus. Dia menikah dengan pesenam, Jeanne Rucar Lefebvre, pada tahun 1934, yang telah memenangkan medali perunggu Olimpiade dan tetap menikah sepanjang hidupnya.

Film pertama Buneul, "An Andalusian Dog" pada tahun 1929, dibiayai oleh ibunya, yang dimaksudkan olehnya sejak awal untuk mengejutkan dan menghina kaum borjuis intelektual masa mudanya, kemudian mengatakan: "Secara historis film ini merupakan reaksi keras terhadap apa yang ada pada mereka hari-hari disebut 'avant-garde,' yang ditujukan secara eksklusif pada kepekaan artistik dan alasan penonton. ”Melawan harapan dan harapannya, film ini merupakan kesuksesan besar di antara kaum borjuis Prancis, membuat Buñuel berseru dengan putus asa,“ Apa yang bisa saya lakukan lakukan tentang orang-orang yang mengagumi semua yang baru, bahkan ketika itu bertentangan dengan keyakinan terdalam mereka, atau tentang pers yang tidak jujur, korup, dan kawanan gila yang melihat keindahan atau puisi dalam sesuatu yang pada dasarnya tidak lebih dari seruan putus asa yang putus asa untuk pembunuhan?"

Dalam karir pembuatan filmnya, Bunuel membuat karya-karya hebat seperti "L'Age d'Or", "Las Hurdes", "Espana", "Gran Casino", "El Gran Calavera", dan karya agung seperti "Los Olvidados", " Virdiana "," Belle de Jour "," Tristana "," Pesona bijaksana dari Bourgeoisie "," The Phantom of Liberty ", dan akhirnya" Itu objek keinginan yang tidak jelas "sebagai film terakhirnya. Dia juga membuat lebih dari 2.000 film dokumenter hebat, berkolaborasi dalam banyak proyek film orang lain, dan meninggalkan banyak skrip yang tidak dapat ditampilkan di layar. Terlepas dari keagungannya, ia menganggap dirinya mahasiswa film dan ketika di Hollywood, belajar beberapa teknik dari Sergei Eisenstein, Joseph von Sternberg, Jacques Feyder, dan Charles Chaplin. Keluar dari karier film, ia tidak bisa acuh tak acuh dengan apa yang terjadi pada negaranya pada 1930-an, perjuangan untuk kebebasan dan demokrasi melawan fasisme dan kediktatoran, sehingga memihak kaum republikan dalam Perang Sipil Spanyol. Kemudian karena komitmen patriotiknya, ia bergabung dengan partai komunis Spanyol, dan membuat beberapa film untuk mempromosikan republik pertama dan pemerintah kiri di Eropa.

Pukulan pertama terhadap impian politiknya tentang kebebasan dan demokrasi bagi Spanyol, adalah ketika pada Agustus 1936, teman dekatnya, penyair "Federico Garcia Lorca" ditembak dan dibunuh oleh milisi nasionalis. Dia meratapi kematian sang penyair sebelum waktunya sepanjang hidupnya. Kemudian ketika ia dikirim untuk kedua kalinya pada tahun 1938 ke Hollywood oleh pemerintah republik Spanyol untuk mengawasi film-film yang dibuat di sana tentang Perang Saudara Spanyol, dan tak lama kemudian kaum Fasis di bawah Jenderal Franco merebut kekuasaan di Spanyol, Buñuel memutuskan untuk tetap tinggal di AS. tanpa batas. Tetapi di Amerika, segera ia diserang oleh gerakan anti-komunis dan gereja katolik karena menjadi seorang kiri dan ateis, ia harus pindah ke Meksiko, di mana ia menyukainya dan menemukan surealisme dan karya-karyanya juga dicintai, jadi ia tinggal selama sisa hidupnya dan bahkan menyerahkan kewarganegaraan Spanyolnya! Sementara itu dia bolak-balik ke Eropa dan membuat beberapa karya besar, tetapi setiap kali kembali ke Meksiko, rumah keduanya, di mana dia akhirnya meninggal.

Setelah merilis film terakhirnya, "Itu objek keinginan yang tidak jelas" pada tahun 1977, pada usia 77, Buñuel pensiun dari pembuatan film. Di usia 70-an, Buñuel pernah memberi tahu temannya, novelis Carols Fuentes: “Saya tidak takut mati. Saya takut mati sendirian di kamar hotel, dengan tas saya terbuka dan naskah penembakan di meja malam. Saya harus tahu jari siapa yang akan menutup mata saya. ”Buñuel meninggal di Mexico City pada tahun 1983, dengan pemakaman yang sangat pribadi, dengan hanya 50 orang yang hadir, termasuk Octavio Paz, Jose Luis Cuevas dan Miguel Littin, istri dan dua putra mereka.

"An Andalusian Dog" adalah awal bagi Bunuel sendiri dalam mengembangkan karir film yang unik dalam surealisme, tetapi juga perluasan dalam gerakan surealisme, jauh melampaui lingkaran Eropa mereka sendiri yang terbatas di seluruh dunia dan kepada penonton awam. Film ini dibuka dengan kartu judul bertuliskan "Once upon a time", kemudian menunjukkan Luis Buñuel dirinya mengasah pisau cukur di pintu balkonnya dan mengujinya di ibu jarinya. Dia kemudian membuka pintu, sambil menatap ke bulan, yang dipotong oleh awan tipis yang tajam. Kemudian lelaki itu membayangkan pemandangan itu dengan memotong bola mata dengan pisau cukurnya, bahwa segera setelah kita melihat gambar yang paling mengganggu ini, tidak pernah terlihat sebelumnya di layar, bahwa hingga hari ini kebijaksanaan penampilnya disarankan.

Kartu judul berikutnya berbunyi "delapan tahun kemudian", ketika seorang pemuda bersepeda di jalanan kota yang tenang mengenakan apa yang tampaknya menjadi kebiasaan biarawati dan sebuah kotak bergaris dengan tali di lehernya. Kemudian wanita muda dari adegan pertama, sambil membaca di apartemennya di lantai atas, mendengarnya, mendekati jendela, melihatnya berbaring di tepi jalan dengan sepedanya di tanah. Dia bergegas berusaha untuk menghidupkan kembali pria itu, dan segera kemudian dia mengumpulkan potongan-potongan pakaian pria itu di tempat tidur di kamar tidur lantai atas. Kemudian manusia diperlihatkan di dekat pintu, sambil menunjukkan gambar lain yang mengganggu dari film itu, semut merangkak dari lubang di tangannya.

Kemudian film itu perlahan-lahan beralih ke wanita muda yang berbaring di pantai, dengan zoom di ketiaknya yang berbulu dan landak laut di atas pasir. Kemudian ada pemandangan seorang wanita muda lain, dengan rambut ketiak di wajahnya, tampak dan berpakaian maskulin, di jalan di bawah apartemen, menyodok tangan manusia yang terpenggal dengan tongkatnya sementara dikelilingi oleh kerumunan besar dan seorang polisi. Kerumunan menghilang ketika polisi meletakkan tangan di dalam kotak yang sebelumnya dibawa oleh pria muda dan memberikannya kepada wanita muda itu. Wanita itu segera ditabrak oleh mobil, yang sementara mengganggu, kali ini tampak kartun, sementara beberapa pengamat berkumpul di sekelilingnya. Pria muda dan wanita muda dari adegan pertama menyaksikan peristiwa ini terungkap dari jendela apartemen. Pria itu tampaknya mengambil kesenangan sadis dalam kematian mendadak wanita lain di jalan di bawah, lalu meraih payudara wanita muda yang terkejut itu, yang dia lihat dalam imajinasinya telanjang.

Wanita muda itu awalnya menolaknya, tetapi kemudian membiarkannya menyentuhnya, kemudian mendorongnya menjauh dan ketika dia pergi, dia berusaha melarikan diri dengan berlari ke sisi lain ruangan. Pria muda itu memojokkannya ketika dia meraih raket untuk membela diri, tetapi dia tiba-tiba mengambil dua tali dan menyeret dua piano besar yang berisi keledai yang mati dan membusuk, tablet batu yang berisi "Sepuluh Perintah", dua labu, dan dua agak membingungkan. imam (diperankan oleh Jaime Miravilles dan Salvador Dalí) yang terikat oleh tali. Karena dia tidak dapat mengejar, wanita muda itu melarikan diri dari kamar, tetapi pria itu mengejarnya, tetapi dia menjebak tangannya, yang penuh dengan semut, di pintu. Dalam adegan berikutnya, dia menemukan pemuda di kamar sebelah, mengenakan pakaian biarawati di tempat tidur.

Kartu judul berikutnya bertuliskan "sekitar jam tiga pagi". Pria muda itu terbangun dari istirahatnya oleh bunyi dering bel pintu (diwakili secara visual oleh pengocok martini yang diguncang oleh satu set lengan melalui dua lubang di dinding). Wanita muda itu pergi untuk menjawab pintu dan tidak kembali. Seorang pemuda lain, yang hanya kita lihat dari belakang, mengenakan pakaian yang lebih ringan, tiba di apartemen, memberi isyarat dengan marah kepadanya. Pria muda kedua memaksa yang pertama untuk membuang pakaian susternya dan kemudian mendorong wajahnya ke dinding dengan malu. Kartu judul berikutnya berbunyi "Enam belas tahun yang lalu.", Ketika kita melihat wajah pemuda kedua untuk pertama kalinya ketika dia mengagumi persediaan seni dan buku-buku di atas meja di dekat dinding dan memaksa pemuda pertama memegang dua buku. saat dia menatap dinding. Pemuda pertama akhirnya menembak pemuda kedua ketika buku tiba-tiba berubah menjadi pistol. Pria muda kedua, sekarang di padang rumput, mati sambil menggesek bagian belakang sosok wanita telanjang yang tiba-tiba menghilang ke udara tipis. Sekelompok pria datang dan membawa mayatnya.

Wanita muda itu kembali ke apartemen dan melihat ngengat kepala kematian, sementara pemuda pertama mencibir padanya ketika dia mundur dan mengusap mulutnya dari wajahnya dengan tangannya. Wanita muda itu dengan gugup menerapkan beberapa lipstik sebagai respons. Selanjutnya, pria muda pertama membuat rambut ketiak wanita muda itu menempel di tempat mulutnya berada di wajahnya melalui gerakan. Wanita muda itu memandang pria muda pertama dengan jijik, dan meninggalkan apartemen menjulurkan lidah padanya. Saat dia keluar dari apartemennya, jalan itu digantikan oleh pantai pantai, di mana wanita itu bertemu dengan pria ketiga dengan siapa dia berjalan bergandengan tangan. Dia menunjukkan padanya waktu di arlojinya dan mereka berjalan di dekat bebatuan, di mana mereka menemukan sisa-sisa pakaian biarawati muda dan kotak. Mereka tampaknya berjalan saling berpelukan dengan bahagia dan membuat gerakan romantis dalam tembakan pelacakan panjang. Namun, film tiba-tiba memotong ke foto terakhir dengan kartu judul bertuliskan "Di Musim Semi," yang memperlihatkan pasangan itu terkubur di pasir pantai hingga siku mereka, tidak bergerak dan mungkin mati.

Film ini berisi beberapa referensi tematik kepada penyair Federico Garcia Lorca, seorang teman dekat Bunuel, yang setelah pembunuhannya oleh rezim Franco, ia tidak pernah bangkit dari kesedihannya. Ada juga beberapa referensi lain kepada penulis dan novelis lain waktu itu dalam film. Pemutaran pertama "An Andalusian Dog" berlangsung di Studio des Ursulines, di Paris, dengan peserta terkemuka dari premi termasuk Pablo Picaso, Le Corbusier, Jean Cocteau, Christian Berard dan George Auric, di samping keseluruhan surealis Andre Breton kelompok. Penerimaan positif penonton terhadap film tersebut membuat Buñuel kagum, yang merasa lega bahwa tidak ada kekerasan yang terjadi. Dalí, sebaliknya, dilaporkan kecewa, merasakan reaksi penonton membuat malam itu “kurang menggairahkan.” Adalah niat Buñuel untuk mengejutkan dan menghina kaum borjuis intelektual masa mudanya, kemudian mengatakan: “Secara historis, film ini mewakili reaksi kekerasan terhadap apa yang pada waktu itu disebut "avant-garde cine" yang diarahkan secara eksklusif untuk kepekaan artistik dan untuk alasan penonton. Melawan harapan dan harapannya, film ini sukses besar di kalangan borjuasi Prancis, membuat Buñuel berseru dengan putus asa, “Apa yang bisa saya lakukan tentang orang-orang yang menyukai semua yang baru, bahkan ketika itu bertentangan dengan keyakinan terdalam mereka, atau tentang pers yang tidak jujur, korup, dan kawanan gila yang melihat keindahan atau puisi dalam sesuatu yang pada dasarnya tidak lebih dari seruan putus asa untuk pembunuhan? ”

Melalui prestasi mereka dengan "An Andalusian Dog", Dalí dan Buñuel menjadi pembuat film pertama yang secara resmi disambut ke dalam jajaran surealis oleh pemimpin gerakan Andre Breton. Selama pemutaran 1929 asli di Paris, Buñuel memilih musik soundtrack yang ia mainkan langsung pada sebuah gramofon, yang terdiri dari kutipan-kutipan dari Liebestod karya Richard Wagner dari opera "Tristan und Isolde" dan rekaman dua tango Argentina, "Tango Argentino" dan "Recuerdos" oleh Vicente Alvarez & Carlos Otero et son orchester. Soundtrack ini pertama kali ditambahkan ke cetakan film pada tahun 1960 di bawah pengawasan Buñuel.

Kesimpulan:

Sebagai penutup, “An Andalusian Girl”, di akhir era bisu, bersama dengan “Man With a Movie Camera” (Dibahas di episode sebelumnya) membuktikan bahwa sebuah film tidak perlu memiliki narasi atau cerita untuk menjadi hebat. "An Andalusian Girl" juga membuktikan bahwa film berpengaruh yang hebat juga tidak perlu fitur yang panjang, atau bahkan sesuai waktu dan tempat. Film pendek dan terputus-putus ini membuat penonton sementara terganggu, menyelidiki makna tersembunyi dari gambar, seperti interpretasi mimpi atau mimpi buruk. "An Andalusian Dog" adalah contoh awal dari sebuah film kritis, yang bahkan disukai oleh subyek kritik dan ejekan. Film hebat ini yang telah membuat sejarah, seperti "Man With a Movie Camera" menggunakan pembuatan film sebagai alat untuk eksperimen. Sekarang hampir 90 tahun kemudian, karya besar ini sekali lagi, akan didefinisikan ulang berdasarkan kriteria berikut:

1. Orisinalitas: "An Andalusian Dog" adalah film orisinal pertama yang menggambarkan gambar-gambar yang mengganggu seperti memotong bola mata dengan pisau cukur, semut merayap keluar dari tangan, memotong tangan di jalan, menabrak dan berlari dengan mobil, dll. Film ini adalah juga film surealis asli, mimpi buruk, perpaduan gambar-gambar di layar, seperti mimpi buruk atau mimpi buruk. “An Andalusian Dog” seperti mimpi atau mimpi buruk menuntut interpretasi dan yang satu ini psikoanalitik atau sosiopolitik yang bagus. Terakhir film ini mungkin asli dan unik karena sangat pendek tanpa cerita atau narasi, bahkan tidak menjadi film dokumenter, tetapi dengan pengaruh jangka panjang pada banyak film lain selama bertahun-tahun yang akan datang.
2. Teknis: Teknis “An Andalusian Dog”, berada dalam konteks surealistis tanpa banyak gerakan kamera dan sinematografi. Sebenarnya film ini adalah contoh unik untuk mencapai tinggi dan panjang dengan tidak banyak teknis dalam metode film konvensional. Dengan kata lain konteks surealis mendikte teknik-teknik film, sehingga untuk melihat ke penonton, bahkan pembuat film lainnya sangat teknis. Bunuel dalam film ini dan film-film selanjutnya tidak membatasi dirinya dengan surealisme, tetapi melangkah lebih jauh untuk menyampaikan pesan-pesan sosiopolitik dan ide-idenya melalui layar kepada penonton. Jadi film ini juga anti-borjuis, dan juga anti-agama, sebuah olok-olok imamat. Film ini juga bersifat psikologis dan menunjukkan perasaan dan pikiran serta niat batin yang tergelap.
3. Faktor Dampak: “An Andalusian Dog” memulai Bunuel sendiri untuk melanjutkan jalan surealisme di bioskop, juga menggunakan layar untuk eksperimen dan mengekspresikan ide-idenya dan sebagai papan pijakan filosofis dan politik. Film pendek ini juga memberi keberanian kepada orang lain seperti Bunuel untuk menggunakan media film untuk mengekspresikan ide, perasaan, dan psikologi batin manusia, tidak dengan cara naratif atau realistis tetapi berbeda. Meskipun film ini dapat mengganggu adegan tertentu, film ini mengabarkan adegan-adegan mengganggu dan kekerasan lainnya di film lain di masa depan. Dengan kata lain semua film yang penuh kekerasan dan mengganggu dengan atau tanpa konten ideologis, secara langsung atau tidak langsung berutang kepada "An Andalusian Dog". Tapi adegan di "An Andalusian Dog", sementara dapat dianggap sebagai kekerasan dan mengganggu, mereka satir dan terlihat tidak nyata dan surealis, bertentangan dengan film kekerasan lainnya yang tampaknya nyata dan pembuat film membuatnya nyata untuk menciptakan teror. Dengan kata lain, sementara tujuan film mengganggu dan kekerasan lainnya adalah menciptakan citra teror dan ketakutan tanpa pesan ideologis dan filosofis, "An Andalusian Girl" berisi pesan-pesan seperti itu yang membutuhkan interpretasi dan pemahaman.
4. Kelangsungan hidup: "An Andalusian Dog" jelas tidak hanya bertahan dalam ujian waktu, tetapi telah mempengaruhi banyak film sejak dirilis dan selama bertahun-tahun masih akan datang. Film ini masih bisa ditonton dan jika tidak dinikmati diganggu dan dibingungkan oleh makna dan pesannya.

Sumber:Cinemarevisited

Kisah Film Terbaik: Episode 10 - Mr. Smith Goes to Washington (1939)

Film Politik Terbaik Sepanjang Masa

2 September 2019

Rilis: 19 Oktober 1939

Sutradara dan Produser: Frank Capra

Sinematografi: Joseph Walker

Score: Dimitri Tiomkin

Distribusi: Columbia Pictures

Pemeran: Jean Arthur, James Stewart

Durasi: 129 Menit

Genre: Komedi/Drama

RT: 95%

Sejauh ini dalam seri ini, kita telah berbicara tentang film-film yang bisa berupa fantasi literal, seperti The Wizard of Oz, (ditampilkan di episode sebelumnya) atau, seperti The Women, berlatar era dan kelas yang begitu jauh dari zaman kita sehingga bisa jadi dongeng. Namun, film berikutnya diatur di tempat yang jauh lebih nyata, dan jauh lebih menakutkan: Washington, D.C. Ini adalah film dengan pesan yang jelas dan tidak nyaman, tetapi masih pada intinya harapan: Mr. Smith Goes to Washington.

Dirilis pada Oktober 1939, film ini meluncurkan bintangnya, James Stewart, ke stratosfer Hollywood, dan menandai titik balik bagi sutradara, Frank Capra. Itu tidak hanya membuat gelombang di Hollywood, itu mengatur domino jatuh di Washington yang sebagian menyebabkan runtuhnya sistem studio dan bahkan meramalkan era gelap blacklist Hollywood. Mr. Smith Goes to Washington menceritakan sebuah kisah tentang segala sesuatu yang salah dengan pemerintah Amerika. Konten film dan penerimaannya di Washington dan dunia yang lebih besar mengatakan banyak tentang bagaimana media dapat membawa kebenaran yang tidak nyaman - dan apa yang dilakukan orang ketika dihadapkan dengan itu.

Mr. Smith Goes to Washington didasarkan pada sebuah cerita pendek yang tidak diterbitkan oleh Lewis R. Foster berjudul The Gentleman from Montana or The Gentleman from Wyoming. Frank Capra mengaitkan cerita itu ketika dikembangkan untuk film dan mengatur agar pemimpinnya dari Heaven Can Wait, Jimmy Stewart, untuk dipinjamkan keluar dari MGM untuk produksi. Gambar-gambar Columbia bersusah payah untuk secara fisik menciptakan kembali ibukota negara itu di panggung-panggung suara Hollywood, tetapi verismo sebenarnya adalah kisah film (dalam semangat, jika tidak dalam akurasi prosedural yang sebenarnya).

Dalam film itu, gubernur malang negara barat yang tidak disebutkan namanya harus menunjuk seorang senator baru ketika orang yang sekarang dalam pekerjaan itu meninggal. Di satu sisi, ia ditekan oleh bos yang korup James Taylor (Edward Arnold) untuk menunjuk kaki tangan politik untuk mengikuti skema serakahnya, tetapi orang-orang menginginkan seorang reformis. Gubernur akhirnya pergi dengan saran anak-anaknya: pahlawan lokal dan Pramuka secara harfiah. Yah, secara teknis dia adalah "Boy Ranger" dalam film karena Boy Scouts of America menolak untuk membiarkan nama mereka digunakan.

Senator baru, Jefferson Smith, adalah seorang idealis bermata lebar yang mencintai impian Amerika dan memandang senator senior dari negara bagian, Joe Paine (Claude Raines). Smith tersesat, secara kiasan dan harfiah, di Washington, terperangkap dalam perangkap patriotisme, yang membuat jengkel sekretarisnya Saunders (Jean Arthur). Tuan Smith yang malang menghabiskan sebagian besar filmnya untuk mendapatkan kenaifannya ketika mesin Washington berupaya mengunyahnya dan meludahkannya. Dia mengolok-olok pers, dimanipulasi oleh kolega, dan akhirnya menemukan bahwa Paine dan Taylor bersekongkol untuk keuntungan pribadi dan korupsi. Paine menjebak Smith karena kesalahan etis dan dia diatur untuk dikeluarkan dari senat, tetapi tidak sebelum memasuki filibuster yang berapi-api. Dalam urutan film yang paling terkenal, Smith memegangi lantai di senat, berharap untuk membuat kasusnya kepada orang-orang di negara bagian itu dan sesama senatornya bahwa kesopanan harus menang.

Tetapi Smith gagal. Kebanyakan. Karena Taylor mengendalikan kertas dan uang serta otot, pesan Smith tidak pernah keluar dan orang-orang diberi kebohongan. Dia dihadapkan dengan ribuan telegram yang menunjukkan bahwa orang-orang di negaranya telah menerima berita palsu tentang dia dan dia pingsan di lantai senat. Itu akan menjadi akhir yang gelap kecuali bahwa permohonan Smith mengubah hati satu orang: Senator Paine, yang mengakui kejahatannya (dan mencoba bunuh diri!) Sehingga hari itu diselamatkan. Ada dua moral yang sangat kuat dalam hal ini. Yang pertama adalah pesan yang kita semua tahu benar: bahwa informasi dan kontrol informasi adalah kekuatan. Gagasan bahwa filibuster tengara dapat terjadi, dan Amerika tidak akan tahu apa yang dikatakan atau apa yang terjadi secara real time, adalah tanda tempat film di era lampau. Kami sudah terbiasa dengan C-SPAN dan liveetweets dari lantai senat sehingga konsep seseorang yang menghentikan pemberitaan mencapai kami terasa gila.

Tapi sekali lagi, kita hidup di dunia di mana bot Rusia dan algoritma Facebook dapat mengubah realitas dengan cara yang mengerikan, di mana kebenaran adalah berita palsu dan kata-kata yang kuat adalah semua orang akan percaya selama itu memungkinkan mereka untuk hidup dalam ketidaktahuan nyaman. Gagasan bahwa seorang politisi jujur ​​yang berusaha melakukan kebaikan dapat dilukiskan sebagai penjahat oleh mesin politik yang kuat sangat akrab bagi kita semua saat ini. Bahkan lebih banyak yang berpendapat bahwa ketika kebenaran ada di sana, orang masih tidak akan peduli.

Dalam moral pertama ini, Mr. Smith Goes to Washington adalah film yang sangat sinis, namun realistis. Itu menyatakan sesuatu yang kita anggap remeh sekarang: bahwa Washington korup, bahwa pejabat terpilih kita umumnya jauh lebih tertarik dalam pemilihan kembali dan melapisi kantong mereka sendiri daripada melakukan sesuatu yang layak dan benar. Ini memberi tahu kita bahwa meskipun kebenaran ada di luar sana, banyak hal tidak akan berubah. Tetapi ada pesan kedua, jauh lebih penuh harapan dalam film: bahwa satu orang dapat menembus semua keserakahan dan sinisme untuk benar-benar menarik kesopanan manusia di orang lain dan mengubah pikiran mereka.

Mungkin dengan cara itu Mr. Smith Goes to Washington lebih merupakan fantasi daripada The Wizard of Oz, karena itu terjadi di dunia di mana beberapa politisi memiliki hati nurani yang dapat dimohonkan, di mana permohonan yang tulus dan penderitaan satu orang dapat mengubah hati orang lain. Kengerian harian dari berita itu tampaknya tidak banyak berpengaruh, jika ada, pada para pemimpin negara kita, sehingga tampaknya diragukan bahwa pidato yang baik dapat melakukan apa yang tidak bisa dilakukan pertumpahan darah selama bertahun-tahun.

Mr. Smith Goes to Washington, melukiskan gambaran pemerintah kita yang sangat tidak menarik, jika sering akurat, dan karena alasan itu, ia menghadapi perlawanan ekstrem dan bahkan kemarahan besar ketika perdana menteri. Dalam langkah yang sangat berani, film ini ditayangkan perdana di Washington di National Press Club, dengan puluhan senator yang hadir - banyak dari mereka berjalan tersinggung karena korupsi yang tersirat dalam film tersebut. Pengacara menyerukan agar film itu dilarang, mengatakan itu komunis, dan mendorong bioskop untuk tidak menunjukkannya. Karena tidak konstitusional bagi senat untuk benar-benar melarang sebuah film, mereka menemukan solusi, menggunakan film untuk mendorong melalui RUU Pemesanan Neely Anti-Block Booking. RUU ini adalah pukulan pertama terhadap studio yang menjual film mereka di "blok" - yang berarti bioskop harus membeli lima film MGM untuk ditampilkan, bukan satu. RUU Neely menyebabkan kemunduran dalam penjualan blok film dan masuknya oleh studio besar ke dalam keputusan persetujuan dengan pemerintah dan United States v. Paramount Pictures et al, kasus Mahkamah Agung yang efektif berarti akhir dari seluruh sistem studio. Mr. Smith Goes to Washington tidak serta-merta mengubah Washington sendiri, tetapi dalam jangka panjang tentu saja akan mengubah Hollywood.

Mengapa Anda bertanya, apakah orang-orang yang berkuasa menentang film ini, terutama karena film ini mewakili cita-cita klasik Amerika tentang kebenaran, keadilan, dan kebebasan? Ya, sentimen anti-bisnisnya menampar komunisme bagi sebagian orang, dan ketidakpercayaannya pada pers dan para koruptor membuat orang lain tersinggung. Film itu dilarang di seluruh Eropa menjelang Perang Dunia II, dan itu adalah film terakhir yang diputar di Prancis yang diduduki Jerman sebelum film-film barat dilarang sepenuhnya. Kecenderungan komunis yang dipersepsikan film ini tidak melakukan apa pun untuk memengaruhi box office atau kesuksesan kritisnya - film ini sukses dan dinominasikan untuk berbagai penghargaan akademi - tetapi itu juga meramalkan sesuatu yang merusak: The Hollywood Blacklist. Pada tahun-tahun setelah Perang Dunia II, Komite Kegiatan House Unamerican akan mengalihkan pandangannya ke Hollywood dan studio-studio besar akan berkonspirasi untuk menutup dugaan komunis dari pekerjaan.

Mr. Smith Goes to Washington bukanlah drama langsung. Bahkan, ada banyak momen komedi sepanjang. Itu tidak dimaksudkan untuk menjadi gambaran Washington sepenuhnya realistis - saya tidak berpikir bahkan sekarang seorang senator akan pergi dengan berlarian di kota meninju wartawan seperti yang dilakukan Smith di sini. Menyaksikannya sekarang terasa hampir aneh: pertunjukan James Stewart menghibur di dalamnya, keakraban yang menarik. Jean Arthur luar biasa sebagai bintang 30-an yang cepat bicara, letih dan Claude Raines adalah gambar martabat dengan sumur kegelapan tepat di bawahnya. Ini adalah teladan dari film studio zaman keemasan dan satu dengan banyak hal untuk dikatakan tentang kekuatan media, pentingnya kebenaran dan kebebasan informasi, dan banalitas korupsi.

Yang paling penting, Mr. Smith Goes to Washington menunjukkan kepada kita dampak dari sebuah kisah pada dunia dan manusia lainnya. Terkadang sebuah cerita bisa sangat mengganggu status quo sehingga membuat segalanya menjadi lebih buruk. Tetapi mungkin, pada akhirnya, itu masih dapat memberi kita harapan bahwa suatu hari, seseorang akan mendengarkan ketika orang-orang berbicara dan segalanya menjadi lebih baik.

Sumber: Slashfilm