Kisah Film Terbaik: Episode 62 - Harold and Maude (1971)

 Film Kultus Romantis Sepanjang Masa

24 Agustus 2020

Rilis: 20 Desember 1971

Sutradara: Hal Ashby

Produser: Colin Higgins dan Charles B. Mulhevill

Sinematografi: John Alonzo

Score: Cat Stevens

Distribusi: Paramount Pictures

Pemeran: Ruth Gordon, Bud Cort, Vivian Pickles, Cyril Cusack, Charles Tyner, Ellen Geer

Durasi: 91 Menit

Genre: Roman

RT: 85%

Bayangkan: Ini tahun 1971. Anda dipekerjakan sebagai ilustrator poster film. Anda ditugaskan untuk mengilustrasikan poster untuk film baru: Harold and Maude.

Ini adalah kisah tentang Harold, seorang pemuda pemurung dan kaya berusia 19 tahun yang menghabiskan waktunya untuk membuat jengkel ibu dan tokoh otoritas lainnya dengan melakukan bunuh diri palsu. Dia secara eksistensial terombang-ambing, pergi ke upacara pemakaman di waktu luangnya, dan di sanalah dia bertemu Maude, seorang wanita berusia 79 tahun yang bijaksana dan bersemangat yang tinggal di gerbong kereta api, memamerkan konvensi populer, dan memberikan Harold contoh yang sangat dibutuhkan. dari individualitas yang tak tergoyahkan. Dan kemudian, perlahan-lahan, Harold dan Maude jatuh cinta dan film tersebut menjadi meditasi untuk menemukan koneksi dan inspirasi dari orang lain.

Sekarang buatlah poster tentang itu.

Kami dapat bersimpati jika ilustrator film - selain hampir semua seni promosi berikutnya - mengalami kesulitan dalam menggambarkan kultus klasik yang indah, eksentrik, dan diam-diam tentang romansa Mei-Desember ini. Itu adalah film radikal yang menantang genre pada rilisnya dan, kurang dari 50 tahun kemudian, tetap menjadi langka di AS. bioskop: komedi eksistensial yang menyenangkan dan aneh.

Entertainment Weekly baru-baru ini menempatkan Harold dan Maude sebagai kultus klasik # 4 sepanjang masa. Bagi banyak penonton - baik pada tahun 1971 dan mereka yang baru-baru ini menemukannya di Amazon Prime - film ini adalah meditasi yang bermakna dan baik hati tentang orang-orang yang menemukan hubungan bersama.

Anda bisa mendeskripsikannya sebagai cinta, tetapi, pada tontonan pertama saya, saya mengalami "cinta" Harold untuk Maude lebih seperti kekaguman, atau semacam penyakit yang menakjubkan dan memusingkan. Sebelum dia bertemu Maude, Harold belum pernah bertemu orang seperti dia, sukunya. Selain teman yang baik, Maude bagi Harold, contoh hidup individualitas, perwujudan keaslian dan tetap awet muda.

Harold and Maude adalah komedi yang indah, sangat tidak menarik dengan cara yang aneh, dan film yang sangat berhutang budi pada latar belakang sejarah dan budaya AS. pada tahun 1971.

Saya malu untuk mengatakan bahwa film tersebut, hingga musim panas lalu, adalah salah satu titik buta budaya saya. Saya selalu mendengarnya direferensikan dan saya tahu itu berpengaruh bagi pembuat film seperti P.T. Anderson, David Fincher, dan Wes Anderson. Saya juga menyadari pengaruhnya pada banyak komedi pseudo-whimsical kontemporer: Little Miss Sunshine, Juno, Garden State.

Jadi, musim panas lalu ini, saya menonton Harold dan Maude untuk pertama kalinya. Saya menjelajahi dan mengunjungi kembali beberapa film terbaik tahun 70-an, dan menemukan bahwa sutradara Harold dan Maude - Hal Ashby - menurut saya memiliki keluaran paling produktif, empatik, dan diam-diam kontroversial dari rekan-rekannya: Harold dan Maude (1971), The Last Detail (1973), Shampoo (1975), Coming Home (1978), dan Being There (1979). Itu adalah hasil yang menakjubkan untuk sutradara yang tidak menikmati pengenalan nama yang sama seperti kebanyakan rekannya.

Mirip dengan film lainnya yang dirilis pada tahun 70-an, Harold dan Maude dari Hal Ashby bertahan, sebagian, karena ini adalah film yang baik dan penuh kasih. Itu juga bijaksana dan tulus tanpa menjengkelkan atau berharga - yang menurut saya adalah cara untuk mengatakannya bisa menjemukan dan berharga dengan cara yang baik. Ia mengelola ini, sebagian, karena sutradara film - Hal Ashby - adalah pembuat film yang empati dan inovatif.

Salah satu alasan mengapa film tersebut bekerja hampir lima puluh tahun setelah dirilis adalah karena Harold dan Maude - meskipun (atau mungkin karena) keanehan mereka - merasa seperti manusia. Meskipun mewujudkan dua arketipe yang telah menjadi jenis layar yang familier - murung, nebbish tanpa tujuan, dan jiwa bebas yang bijak dan bertingkah - Bud Cort dan Ruth Gordon menghadirkan kehadiran yang rentan dan menyenangkan dalam penampilan mereka.

Film ini juga bertahan, menurut saya, karena itu adalah film yang dapat mengajari Anda cara hidup, atau setidaknya mengarahkan Anda ke arah kehidupan yang baik.

PELAJARAN HIDUP

Ada filosofi yang disajikan oleh Maude, terkadang dengan kejujuran total, bahwa, di tangan pembuat film yang kurang berbakat, akan menjadi didaktik yang mengerikan. Sebaliknya, di Harold dan Maude, Ashby menciptakan beberapa momen sinematik yang paling diam-diam subversif dan menggugah pikiran di era kontra-budaya.

Ambil, misalnya, adegan favorit saya dari film itu, dengan latar yang subur di bidang bunga aster. Adegan tersebut merupakan penjelasan yang jujur ​​dari filosofi film tersebut, sekaligus menjadi komentar politik yang terarah tentang nyawa yang hilang dalam Perang Vietnam.

Maude bertanya, "Kamu ingin menjadi bunga apa?"

"Saya tidak tahu," gumam Harold, "salah satunya, mungkin," merujuk pada bunga aster yang luas. "Karena mereka semua sama."

Tidak demikian halnya untuk Maude.

"Oh, tapi sebenarnya tidak! Lihat. Lihat! " Dia mengambil satu dan - memegangnya dengan antusiasme yang tidak malu-malu, di teater dan film, pasti mengawali monolog yang sungguh-sungguh - berkata kepada Harold: “Beberapa lebih kecil, beberapa lebih gemuk, beberapa tumbuh ke kiri, beberapa ke kanan , beberapa bahkan kehilangan beberapa kelopak. Semua jenis perbedaan yang dapat diamati. Anda lihat, Harold, saya merasa bahwa sebagian besar kesedihan dunia datang dari orang-orang yang ini, "memperhatikan bunga aster individu di tangannya," namun biarkan diri mereka diperlakukan seperti itu, "merujuk pada kumpulan bunga aster yang mengerumuni mereka, masing-masing tampaknya tidak bisa dibedakan dari yang lain.

Pada halaman tersebut, metafora anti-konformis dapat dianggap berharga, tetapi yang mencegahnya menjadi sangat manis adalah potongan pengeditan cepat Ashby dari Harold dan Maude yang duduk di bidang bunga aster, hingga keduanya duduk dengan cara yang sama, tetapi kali ini duduk di pemakaman yang tidak dikelilingi oleh bunga aster, tetapi kuburan, kuburan yang sangat mirip dengan Pemakaman Nasional Arlington dan - bagi penonton yang menontonnya setelah dirilis selama Natal tahun '71 - mengingatkan kita pada nyawa yang hilang dalam Perang Vietnam.

Ini adalah pengeditan yang tajam dan puitis yang diam-diam berlawanan dengan budaya dan, empat puluh delapan tahun setelah dirilis, masih menghasilkan pukulan yang kuat.

KONTEKS SINEMATIK

Seorang mantan editor, sutradara Hal Ashby adalah yang unik di antara rekan-rekannya karena menjadi orang AS yang paling berempati dan diam-diam berlawanan dengan budaya. pembuat film tahun 70-an.

Di antara film-film terbaiknya di tahun 70-an - Harold dan Maude (1971), The Last Detail (1973), Shampoo (1975), Coming Home (1978), dan Being There (1979) - masing-masing sangat berbeda dalam gaya dan nada.

Tapi masing-masing film Ashby berbagi tema cerita ikan-outta-air: orang luar naif / orang asing yang terjebak dalam sistem tanpa kompromi.

Di Hollywood akhir tahun 60-an, cerita ikan-outta-air semakin mengambil pendekatan politik, kontra-budaya, dan anti-otoriter: The Graduate (1967), Cool Hand Luke (1967), Easy Rider (ada di Episode 31) (1968).

Di antara kita. pembuat film, pada pertengahan tahun 70-an, alur cerita ikan-outta-air akan berkembang (bereaksi, sebagian, atas ketidakpercayaan publik terhadap otoritas politik dan kelembagaan) ke dalam film thriller konspirasi David-v.-Goliath: orang luar (masih naif) kali ini terjebak dalam konspirasi yang lebih besar, kali ini sebuah konspirasi yang mengancam, dan - ini penting - memperjuangkan kebenaran: Chinatown (Episode 36), All the President's Men (Episode 40), Serpico, The Long Goodbye.

Saat era 70-an yang penuh gejolak, pembuat film dan bintang terkenal akan bersandar pada tema paranoia: The Conversation, Taxi Driver, Rosemary's Baby, 3 Days of the Condor, The Parallax View, Marathon Man, Nashville, Close Encounters of the Third Kind.

Meskipun bersimpati pada tema individualistis dan kecemasan yang dieksplorasi dalam film-film ini, Hal Ashby memiliki pendekatan berbeda - menurut saya, eksplorasi yang lebih humanis.

Alih-alih menggunakan karakter sebagai alat untuk mengungkap kebenaran politik dan korupsi, Ashby mengeksplorasi pertanyaan: Mengapa tidak menggunakan karakter tiga dimensi ini dan sistem penyempitan yang mereka tangkap sebagai alat untuk mengungkap kebenaran pribadi dan emosional karakter tersebut?

Jadi, misalnya, dalam Coming Home, alih-alih menggunakan dokter hewan Vietnam sebagai alat untuk mengungkap kekejaman Perang Vietnam, Ashby malah berfokus pada kebenaran karakternya, dan dengan melakukan itu, memberikan jendela ke kemanusiaan dan persembahan mereka, bagi banyak penonton, potret yang akrab secara emosional dari peristiwa sejarah dunia.

Konsekuensi dari pendekatan mendongeng David-v.-Goliath adalah bahwa, biasanya, konflik digambarkan dalam Us v. Dikotomi mereka, Baik v. Jahat.

Ashby, mungkin karena penghargaannya, sebagian besar menjauh dari kebaktian mendongeng ini. Bahkan Being There, dirilis pada '79, tidak pernah menggambarkan Musuh sebagai makhluk yang mengancam atau jahat. Mereka - baik orang miskin maupun politisi - mirip dengan Chauncey: kocak dan sayangnya tertutup dari orang lain. Tapi Ashby menggambarkan ini sebagai menyentuh, tragis manusia dan komik, daripada dakwaan simbolis dari Mereka yang Otoriter.

Demikian pula, dalam Harold and Maude, Ashby sangat pandai menggambarkan semua nuansa pengalaman manusia, tanpa menggunakan kiasan karakter yang kasar dan mengancam. Kesendirian dan ketidakberdayaan Harold tidak secara agresif diwujudkan dalam Musuh sebagaimana banyak film di era kontra-budaya akhir tahun 60-an akan membuat karikatur tokoh otoritas (The Graduate, Cool Hand Luke, Easy Rider).

Sebaliknya, ibu Harold dan berbagai figur otoritas diperlakukan dengan kasih sayang yang sangat manis dan lucu. Mereka menjengkelkan dan narsistik, tapi tidak bermaksud jahat. Semua karakter yang sangat eksentrik dalam film ini, seperti Harold dan Maude, secara metaforis menabrak diri sendiri, mencoba dan / atau gagal menjangkau dan membuat hubungan yang bermakna dengan orang lain.

Tidak seorang pun, di antara pembuat film Amerika di tahun 70-an, menurut saya, yang secara konsisten mencapai tingkat empati dan kehangatan ini untuk karakter mereka.

Dalam Harold and Maude, kebenaran yang dipelajari protagonis tidak membunuhnya, juga tidak mengarah pada penggulingan beberapa kekuatan otoriter yang kabur. Untuk terdengar benar-benar tipu: kebenaran ada di dalam dirinya, menunggu bidan (Maude) untuk membantu Harold membujuk kebenaran menjadi ada.

Kebenaran ada harganya, tetapi, pada akhirnya, Harold and Maude mengajarkan bahwa itu adalah hadiah yang membebaskan, dan yang menginspirasi dan menggembirakan dari generasi ke generasi.

Sumber: decorahstories

Kisah Film Terbaik: Episode 61 - Shaft (1971)

 Film Blaxploitasi Terbaik Sepanjang Masa

17 Agustus 2020

Rilis: 2 Juli 1971

Sutradara: Gordon Parks

Produser: Joel Freeman

Sinematografi: Urs Furrer

Score: Isaac Hayes dan Johnny Allen

Distribusi: Metro Goldwyn Mayer

Pemeran: Richard Roundtree, Moses Gunn, Charles Cioffi

Durasi: 100 Menit

Genre: Kriminal/Thriller

RT: 88%

Hampir setiap kerangka Shaft bermaksud melakukan satu hal: menetapkan pahlawannya - detektif swasta John Shaft - sebagai pria yang kuat, mandiri, baik secara bawaan, namun tetap jahat dalam kendali penuh atas takdirnya sendiri. Apa bedanya dengan banyak pahlawan layar yang datang sebelumnya? Nah, Shaft berwarna hitam. Dan ini tahun 1971.

Sebuah titik peluncuran untuk era blaxploitasi, Shaft benar-benar memuja tokoh utamanya (dimainkan dengan senyum mudah dan cemberut yang lebih mudah oleh Richard Roundtree). Judul lagu pemenang Oscar karya Isaac Hayes menyanyikan pujian Shaft atas kredit pembukaannya. Ketika dia mondar-mandir di enam jalur lalu lintas Kota New York, mobil-mobil itu memberinya jalan yang benar. Adegan seks pertama nyaris tidak memperhatikan wanita di tangan: Shaft yang berpose telanjang di sofa; itu adalah kulit Shaft (jauh lebih gelap) yang digunakan kamera; itu adalah foto berbingkai Shaft yang diarahkan kamera saat pasangan itu menjalankan bisnis mereka.

Penyembahan pahlawan ini menanamkan momen terkecil sekalipun. Pertimbangkan adegan awal saat Shaft sedang menyemir sepatunya. Sutradara Gordon Parks memiringkan kameranya sehingga menghadap ke atas dari bawah, dengan hormat, seolah-olah Shaft sedang duduk di singgasana. Ketika dia bangun untuk pergi, kamera dengan bersemangat naik bersamanya dengan cara membungkuk gugup. Panjang umur raja.

Anda dapat menuduh film tersebut terlalu banyak memprotes jika Anda tidak memperhitungkan era peluncurannya. Memiliki seorang pria kulit hitam sebagai pahlawan dari rilis studio besar adalah satu hal; memberinya banyak kesombongan adalah hal lain. Kecemerlangan Shaft dalam cara kepercayaan sosok judulnya menjadi menular - baik di bioskop perkotaan tempat ia menjadi hit dan lusinan film penistaan ​​yang menyusul (belum lagi karya Quentin Tarantino). Aku Shaft, suara baru di bioskop diumumkan, dengarkan aku mengaum.

Di luar kejutan listrik kemerdekaan ini, film mengikuti plot noir yang cukup konvensional. Shaft disewa oleh bos mafia lokal Bumpy Jonas (Moses Gunn) untuk menemukan putri Bumpy yang diculik - meskipun tidak sampai Shaft menjelaskan bahwa dia membenci semua yang diperjuangkan Bumpy (dia melempar salah satu anak buah Bumpy ke luar jendela untuk menyampaikan pesan) . Demikian pula, kasus ini membawanya berhubungan dengan kelompok militan mirip Black Panther yang juga dia cemooh. Poros tidak memiliki tujuan selain miliknya sendiri.

Meski begitu, ia akhirnya menjadi kekuatan pemersatu, menyatukan kedua faksi ini untuk menghadapi musuh baru yang mengancam lingkungan: mafia Italia. Di sinilah pencerahan film berakhir, serta keindahannya yang provokatif. Sepertiga terakhir mengikuti pola tindakan yang sudah usang, dengan Shaft, tentu saja, yang memimpin.

Namun, film itu tetap ada, terutama dalam pengaruhnya. Bidikan terakhir gambar adalah Shaft berjalan sendirian di jalan, menawarkan semacam bookend dengan berjalannya dia mengambil alih kredit pembukaan. Dalam perjalanan sebelumnya, ia melewati marque film dengan nama-nama seperti Robert Redford dan Dean Martin. Poros berjalan dengan cepat, meninggalkan bintang persegi di belakang. Dia membawa kita ke era yang benar-benar baru.

Sumber: larsenonfilm

Kisah Film Terbaik: Episode 60 - Woodstock (1970)

 Film Dokumentar Musik Sepanjang Masa

10 Agustus 2020

Rilis: 26 Maret 1970

Sutradara: Michael Wadleigh, Barak Goodman, Jamila Ephron

Produser: Bob Maurice dan Dale Bell

Distribusi: Warner Bros

Durasi: 184 Menit

Genre: Sejarah/Dokumentar

RT: 100%

Di saat-saat terakhir PBS's Woodstock: Three Days That Defined a Generation, sebuah dokumenter baru yang dikemas dengan gambar-gambar luar biasa dari festival musik epochal 1969, mungkin merupakan bidikan yang paling luar biasa dari semuanya: pemandangan dari helikopter di atas festival, mengamati apa yang 400.000 hippies terlihat seperti. Bingkai itu seluruhnya diisi dengan orang-sebagai-titik, sejumlah besar dari mereka, berdesakan di tenda dan rig peralatan. Ini bisa menjadi gambaran krisis kemanusiaan, tetapi satu setengah jam sebelumnya telah menyatakan bahwa Woodstock pada dasarnya adalah surga di Bumi. “Itu adalah tanda dalam waktu kosmik; Saya tidak ragu tentang itu, ”salah satu peserta mencerminkan dalam sulih suara. “Saya tidak mengatakan bahwa ini tidak pernah terjadi sebelumnya, atau tidak pernah terjadi lagi, atau tidak akan pernah terjadi di masa depan. Tapi itu — itu menghentikan waktu selama tiga hari. ”

Pertanyaan apakah pesta di bagian utara New York tahun 1969 dapat terjadi lagi sekarang bukan hanya masalah kosmik, tetapi juga praktis. Dan jawabannya tampaknya tidak. Setelah berbulan-bulan berdebar-debar berita tentang masalah pembiayaan dan izin, Michael Lang, salah satu pendiri festival, baru-baru ini mengumumkan bahwa edisi ulang tahun ke-50 yang direncanakan akan dibatalkan. Dua percobaan Lang sebelumnya tidak terkenal karena menyulap mistik klasik Woodstock. Iterasi tahun 1994 memiliki lubang lumpur berlumpur dan Heavy Metal yang mengamuk. Versi 1999 memiliki tuduhan kerusuhan, kebakaran, dan penyerangan seksual. Tetapi bisakah sesuatu seperti Woodstock terjadi lagi? Apakah sudah, berkali-kali, dengan nama lain, dalam 50 tahun sejak Jimi Hendrix mencabik-cabik "The Star Spangled Banner" dan Jefferson Airplane membangunkan kerumunan pada jam 8 pagi dengan "morning maniac music"?

Film dokumenter PBS milik Barak Goodman bergabung dengan katalog karya yang mengabadikan bacchanal khas Boomers — katalog yang terus berkembang untuk merayakan ulang tahun ke-50 Woodstock. Film tahun 1970 definitif Michael Wadleigh, Woodstock, diputar di bioskop lagi. Set kotak Woodstock: Back to the Garden Rhino Records yang baru mengumpulkan pertunjukan musik festival di 38 CD dan 432 lagu. (Jika Anda tidak menghabiskan $ 800 untuk kompilasi edisi terbatas, sayang sekali, karena hanya 1.969 eksemplar yang dicetak.) Sebaliknya, Woodstock: Three Days That Defined a Generation tidak berfokus pada musik — meskipun beberapa pertunjukan yang menusuk kulit mendapatkan kunjungan kembali — tetapi pada penonton, eksekusi, dan politik. Ini menghadirkan Woodstock sebagai objek sosial.

Pandangan konvensional dari festival tersebut menggambarkannya sebagai pertemuan yang agak spontan di padang rumput peternak sapi perah, tetapi dokumenter PBS menunjukkan upaya perencanaan dan promosi yang terlibat. Artie Kornfeld, Michael Lang, John P. Roberts, dan Joel Rosenman bukanlah pendiri acara (Lang, misalnya, mengelola toko perlengkapan pot di Florida), tetapi mereka menghabiskan waktu untuk meneliti pertanyaan praktis tentang sanitasi dan stagecraft. Kampanye iklan internasional membujuk kaum muda untuk berziarah ke berbagai negara dan benua untuk hadir. Perselisihan untuk mengamankan tempat agak mirip dengan apa yang dialami Lang saat mencoba memasang Woodstock 50; Penduduk kota di dekat lokasi awal memilih untuk menggagalkan rencana tersebut, yang membuat penyelenggara Woodstock berebut dengan hanya beberapa minggu tersisa.

Film Goodman juga memperkuat kesan bahwa Woodstock adalah produk kenaifan, dan mengambil keuntungan dari era di mana peraturan kurang diklasifikasi daripada sekarang. Demi keamanan, penyelenggara terbang dalam kelompok hippie yang disebut Hog Farm. Di bandara, pemimpin grup, Wavy Gravy, kombinasi dukun badut yang mahir menggunakan senyumnya yang terbuka sebagai alat untuk melucuti senjata, mengatakan kepada seorang reporter, “Sebagian besar kami akan mencoba menjadi groovy dan menyebarkan grooviness itu ke semua orang.” Makanan sebagian besar dimasak oleh para amatir, dan para hadirin mandi telanjang di sungai dan kolam. Beberapa hari sebelum festival dimulai, mandor konstruksi mengatakan kepada penyelenggara bahwa mereka sangat terlambat sehingga panggung atau pagar di sekitar tempat acara dapat dibangun — tidak keduanya. Jadi pagar dibongkar, dan Woodstock menjadi festival gratis.

Hilangnya pengambilan tiket hanyalah satu dari daftar panjang snafus yang berpotensi bencana. Jalan pedesaan yang macet menjadi tempat parkir karena orang-orang hanya mengambil kunci mobil mereka dan berjalan bermil-mil ke festival. Kemacetan pada gilirannya berarti band tidak bisa pergi ke festival; penyelenggara bergegas untuk helikopter sementara Richie Havens, artis pertama yang tiba, memainkan set yang tidak terjadwal dan kekurangan staf. Makanan habis, persediaan medis habis, dan hujan lebat mengubah tanah menjadi lubang lumpur. Saat festival berakhir dan penyelenggara melihat-lihat kekacauan tersebut, mereka takut akan menemukan mayat. Tetapi mereka tidak menemukan satu pun. Ajaibnya, mereka merasa, Woodstock berhasil.

Tidak disebutkan dalam film dokumenter itu bahwa tiga orang meninggal di Woodstock. Mereka bukan bagian dari mitos populer tentang perdamaian dan cinta utopis, yang tidak hanya diulangi oleh film Goodman tetapi juga dinyatakan dengan sangat kuat sehingga membuat argumen. Banyak hadirin bersaksi tentang kekuatan yang mengubah hidup dari berhubungan dengan begitu banyak orang muda di gelombang mereka: anti-perang, anti kemapanan, terhubung ke musik yang sama dan obat yang sama. Sementara festival jelas terhuyung-huyung di tengah bencana, persahabatan dan kepekaan generasi seharusnya membuatnya tetap stabil. “Kami mencoba memberi tahu penonton, dengan segala cara yang kami bisa, bahwa kami percaya pada mereka,” kata Rosenman dalam film tersebut. “Bahwa di dalam diri mereka ada sifat pengasih, kesopanan, dan kehalusan jiwa.”

Ketegangan politik pada masa itu juga memberikan kontribusi yang mengejutkan dan menggembirakan. Sebagian besar negara melirik kaum hippies — liputan berita membuat Woodstock menjadi lumpur dan kesengsaraan — namun penduduk asli Sullivan County yang cenderung konservatif menyumbang belanjaan ketika makanan untuk pesta habis. Gubernur New York Nelson Rockefeller, setelah mengancam akan mengirim Garda Nasional untuk mengakhiri kesenangan, menerbangkan persediaan medis dan dokter. Ketika Max Yasgur, peternak sapi perah Republik yang padang rumputnya menjadi tuan rumah Woodstock, berbicara kepada kerumunan Woodstock, dengan pujian yang luar biasa: “Hal penting yang telah Anda buktikan kepada dunia adalah bahwa setengah juta anak… dapat berkumpul dan memiliki tiga hari kesenangan dan musik, dan tidak ada yang lain selain kesenangan dan musik. ” Dengan cara yang aneh, Woodstock bukanlah budaya tandingan yang datang begitu saja — melainkan budaya tandingan yang memenangkan beberapa dari mereka yang diberontak.

Jika Woodstock tidak bisa ada hari ini, mungkin itu karena poin tentang hedonisme massa yang harmonis dibuat begitu jelas saat itu, dan pada tingkat tertentu, telah dibuktikan berkali-kali. Contoh balasannya terkenal, tentu saja, mulai dari Altamont (pertunjukan Rolling Stones akhir tahun 69 yang ditandai dengan pembunuhan dan overdosis) hingga Fyre (penipuan hype 2017 di Bahamas). Sementara itu, Coachellas dan Glastonburys yang relatif damai, terjadi pada interval reguler dan tidak kontroversial, sementara sering kali menghasilkan pertunjukan ikonik mereka sendiri. Para hadirin mereka mungkin tidak menganggap diri mereka sebagai avatar keelokan radikal, seperti yang dilakukan kaum hippie — meskipun tempat-tempat tertentu, seperti perkemahan Bonnaroo yang luas, memang membangkitkan semangat itu — tetapi mereka juga tidak begitu putus asa untuk rasa agensi sebagai  kelompok sesama. Seorang pengunjung Woodstock heran, "Ya Tuhan, ada banyak orang di dunia ini yang berpikir seperti yang saya pikirkan." Anak-anak dan dewasa muda saat ini dapat mengetahuinya di TikTok, dan memanfaatkannya dengan meng-Instagram pengalaman Burning Man (antargenerasi) mereka.

Industri yang bermunculan di sekitar konser massal juga membuat sulit membayangkan sesuatu seperti Woodstock terjadi lagi. Biaya festival asli sebesar $ 3,1 juta (15 juta dalam dolar hari ini) sebagian besar ditanggung oleh keluarga kaya Roberts; Saat ini, hanya sedikit acara besar yang terjadi tanpa praktik pencarian untung dari konglomerat seperti AEG atau Live Nation. Perusahaan tersebut tidak terlibat dalam Woodstock 50, dan Lang sekarang menyalahkan pendukung keuangannya yang tidak konvensional, perusahaan pemasaran Dentsu Aegis Network, atas kegagalan festival tersebut.

Uang akan membunuh intinya, bagaimanapun: Sementara keajaiban Woodstock '69 sebagian berasal dari kecelakaan tanpa pagar, tiket untuk Woodstock 50 dilaporkan akan dijual seharga $ 450. Label harga yang tinggi bukanlah hal yang aneh di dunia musik live akhir-akhir ini, dan karenanya banyak anak muda harus menemukan komunitas dan massa mereka dengan cara lain. Di Lollapalooza di Chicago akhir pekan lalu — yang jumlah kehadirannya 400.000 sama dengan Woodstock asli — momen viral besar tidak datang dari aksi di atas panggung. Itu datang dari sekelompok non-pemegang tiket yang bergegas menuju pagar, melompati, dan menjatuhkannya.

Sumber: theatlantic

Kisah Film Terbaik: Episode 59 - The Good, the Bad and the Ugly (1966)

Film Trikuel dan Spagheti Barat Terbaik Sepanjang Masa

1 Agustus 2020

Rilis: 23 Desember 1966

Sutradara: Sergio Leone

Produser: Alberto Grimaldi

Sinematografi: Tonino Delli Colli

Score: Ennio Morricone

Perusahaan: Produzioni Europee Associate, United Artists

Pemeran: Clint Eastwood, Eli Wallach, Lee Van Cleef, Aldo Giuffre, Antonio Casas, Rada Rassimov, Aldo Sambrel, Enzo Petito, Luigi Pistilli, Livio Lorenzon, Al Mulloch, Sergio Mendizabal, Molino Rojo, Lorenzo Robledo, Mario Brega

Durasi: 161 Menit

Genre: Barat

RT: 97%

Tiga pria berkumis dan dipukuli cuaca berdiri saling berhadapan, sendirian di kuburan besar. Mereka bertukar pandang curiga dan tetap diam, tidak mengatakan sepatah kata pun. Pandangan terus berlanjut selama dua setengah menit.

Bukan film yang menarik, bukan?

Sebenarnya ini adalah salah satu urutan film fitur yang paling memukau dan paling terkenal sepanjang masa: pertikaian klimaks pada akhir The Good, the Bad and the Ugly karya Sergio Leone.

Tahun ini menandai peringatan ke-50 dari rilis asli film tersebut. Dalam lima dekade berikutnya, film ini memiliki dampak besar pada sinema dan budaya populer.

Permainan amoralitas klasik yang dipanggang matahari ini telah muncul di daftar 'terbaik' yang tak terhitung jumlahnya

Warisan pembuat film Italia legendaris itu terukir di spaghetti barat, sub-genre film yang diproduksi pada 1960-an dan 70-an yang terinspirasi oleh gambar-gambar koboi-dan-Indian Hollywood. Mereka dibuat oleh para direktur Eropa yang berani mengambil risiko yang bekerja dengan anggaran yang jauh lebih kecil, sehingga gerakan itu menjadi ditentukan oleh semangat inovasi yang berani.

Tidak ada spagheti Barat yang setenar, dan sedikit yang setinggi ini, seperti epos Leone 1966 tentang trio gelandangan tangguh yang sedang memburu harta yang hilang. Permainan amoralitas klasik yang dipanggang oleh matahari telah muncul di daftar 'terbaik' yang tak terhitung jumlahnya selama bertahun-tahun; teknik-teknik mendongeng yang inovatif dalam film ini telah digunakan, diajarkan, dicuri, dan dirujuk oleh para pembuat film dari seluruh dunia.

Syuting dan pemotongan

Pertarungan yang terkenal antara ketiga pria itu, yang dikenal sebagai adegan 'trio', dianggap sebagai salah satu contoh terbaik penyuntingan dalam sejarah perfilman. Dampak dari momen yang sangat bergaya ini menjadi inti mengapa The Good, The Bad dan Ugly beresonansi sangat kuat setengah abad sejak rilis awalnya: ini bukan tentang apa yang terjadi, tetapi bagaimana itu diungkapkan.

Ada tanda-tanda sejak awal itu akan menjadi karya keberanian visual. Film ini dimulai dengan bidikan panjang, lebar dari lembah bergerigi, subur dan lereng gunung.

Tapi itu hanya berlangsung selama beberapa detik - Leone menggunakannya sebagai kesempatan untuk sulap visual. Wajah koboi tiba-tiba berayun ke bingkai, begitu dekat kita benar-benar bisa melihat lubang hidungnya. Karena itu, bidikan panjang ekstrem telah berubah menjadi close-up yang ekstrem, tanpa memotong atau memindahkan gambar.

Ini adalah perkembangan awal yang - dengan cara canggih yang rumit mengatur ulang komposisi - sederhana dan elegan yang menyolok. Luasnya tersirat dalam bidikan penetapan ini menetapkan konteks, mengomunikasikan cerita yang akan diputar di depan latar belakang yang luas dan berbahaya, kemudian dengan cepat bergeser untuk menekankan bidikan tanda tangan film: gambar potret yang difilmkan secara tidak wajar dekat dengan subjek.

Sama pentingnya dengan pengeditan Skor yang menyertai film ini dianggap sebagai salah satu yang terbaik di bioskop. Diciptakan oleh maestro Italia Ennio Morricone, komposisi ini dilantik ke dalam Grammy Hall of Fame pada tahun 2009. Sebuah buku telah ditulis tentang musik tema yang langsung dapat dikenali, yang menempati peringkat di antara film-film paling terkenal di bioskop - di sana dengan ostinato dua nada Jaws yang tidak menyenangkan dan Imperial March dari Star Wars.

Tapi momen visual puncak adalah adegan trio, momen sinematik bravura di mana karakter tituler (diperankan oleh Clint Eastwood, Lee Van Cleef dan Eli Wallach) saling berhadapan di petak semen berbentuk oval di pemakaman Perang Saudara. Untuk memahami pentingnya adegan ini, pertama-tama ada baiknya mengetahui sedikit tentang elemen teknis dasar pembuatan film.

Prinsip pengeditan yang paling mendasar - dikenal sebagai pemotongan untuk kesinambungan - umumnya digunakan untuk mengontrak waktu. Dengan cara ini, detail-detail kecil dari kehidupan nyata dapat dihilangkan. Bidikan seseorang yang mulai menaiki tangga, misalnya, memotong ke orang yang sama yang muncul di atas, pengamatan yang tidak menarik dari mereka memanjat dikeluarkan dari drama.

Adegan trio bukannya menikmati non-aktivitas, pada dasarnya menceritakan sebuah kisah di mana tidak ada. Konfrontasi tanpa kata-kata para karakter itu diperlihatkan oleh tembakan master yang menggambarkan para bandit yang diposisikan dalam susunan segitiga, dengan kuburan dan batu nisan di depan dan di belakang mereka.

Urutan pemotretan ini dimulai dengan keseimbangan sempurna antara karakter. Ada tiga close-up pistol masing-masing orang, misalnya, diikuti oleh tiga close-up medium wajah mereka kemudian tiga close-up memperbesar lebih lanjut.

Adegan menjadi lebih hingar bingar dan tembakan lebih pendek dan lebih ketat saat skor Morricone melonjak. Penonton memasuki ruang langka dan khusus di mana kita merasa seolah-olah kita berada di dalam pikiran karakter, gemetar bersama mereka dalam ketakutan dan antisipasi.

Ini juga salah satu dari sekuens tersebut - seperti adegan shower Hitchcock di Psycho - yang telah diteliti oleh para akademisi dan penggemar berat dalam detail syuting demi syuting, seolah-olah mereka adalah ilmuwan yang membedah tubuh ekstra-terestrial untuk menemukan rahasianya. Energi dari prestasi luar biasa dari puisi visual ini terasa kacau tetapi strukturnya metodologis, bahkan matematis.

Spagheti sebagai permulaan

Efek The Good, the Bad and the Ugly masih dapat dirasakan dalam film-film yang dirilis hari ini. Tidak ada pembuat film yang mengapresiasi film ini dengan semangat sepenuh hati root-tootin seperti Quentin Tarantino, yang menggambarkannya sebagai pencapaian terbesar dalam sejarah perfilman. Seorang yang sangat percaya pada diktum yang dicuri seniman-seniman besar, kecintaan Tarantino terhadap film dapat dilihat berserakan di seluruh karyanya. Bahkan, untuk misteri-barat baru-baru ini, The Hateful Eight, Tarantino mempekerjakan Morricone (yang kini berusia 87) untuk membuat soundtrack.

Kesuksesan The Good, the Bad and the Ugly di seluruh dunia menjadikan bintang internasional Clint Eastwood

Penghormatan Tarantino kepada The Good, the Bad dan the Ugly membuat jalan mereka menjadi mayoritas film-filmnya dalam satu atau lain bentuk. Mungkin yang paling mencolok adalah kebuntuan Meksiko yang menunggu-kedip pada akhir drama pencurian tahun 1992, Reservoir Dogs. Adegan ini menggambarkan tiga bandit bersenjata (diperankan oleh Lawrence Tierney, Harvey Keitel dan Chris Penn) saling menunjuk senjata, menunggu satu sama lain untuk menyerang. Ini adalah nada mati - sampai ke pengaturan segitiga karakter - untuk klimaks menderu ke karya agung Leone.

Film ini telah secara langsung menginspirasi banyak pembuat film lainnya, termasuk Martin Scorsese, Robert Zemeckis, Sam Raimi dan Robert Rodriguez. Kesuksesan The Good, the Bad and the Ugly di seluruh dunia menjadikan bintang internasional Clint Eastwood, yang mulai bekerja dengan sutradara Don Siegel dua tahun kemudian. Kolaborasi ini menghasilkan pertunjukan klasik seperti Dirty Harry dan Escape from Alcatraz.

Akan menyenangkan untuk mengatakan bahwa setelah The Good, the Bad dan the Ugly, setiap spageti barat mencapai langkah yang sama atau memukau penonton dengan cara yang sebanding. Tapi bukan itu masalahnya - seperti kebanyakan gerakan, atau 'gelombang', judul dalam genre berbeda secara substansial dalam kualitas.

Tetapi jika ada satu film yang bisa mengkristal bagian terbaik dari spageti barat - semangat inovasi yang sengit, kadang-kadang, pencocokan tepat dari energi atmosfer dan psikologis - ini yang akan terjadi. Momen ini adalah tanda air-tinggi shoot-em-up, dan sama menariknya untuk menonton sekarang seperti biasa.

Sumber: BBC