Kisah Film Terbaik: Episode 87 - Frankenstein (1931)

 Film Ilmuwan Gila Terbaik Sepanjang Masa

21 Februari 2021

Rilis: 21 November 1931

Sutradara: James Whale

Produser: Carl Laemmle, Jr.

Sinematografi: Arthur Edeson

Score: Berhard Kaun

Distribusi: Universal Pictures

Pemeran: Colin Clive, Mae Clarke, John Boles, Boris Karloff, Dwight Frye, Edward Van Sloan, Frederick Kerr

Durasi: 70 Menit

Genre: Fiksi Ilmiah/Horor

RT: 100%

Pra-Produksi

Seperti Dracula, versi film Frankenstein didasarkan pada sandiwara panggung (Frankenstein: An Adventure in the Macabre dari Peggy Webling) bukan dari novel aslinya. Permainan Webling ditugaskan pada tahun 1928 oleh impresario Hamilton Deane, yang sangat sukses dengan produksi Dracula di Inggris pada pertengahan 1920-an, dan itu terbukti menjadi hit yang serupa.

Setelah kesuksesan besar Dracula, dirilis pada Hari Valentine 1931, Universal mengambil hak layar kepada Frankenstein dan properti tersebut memasuki, bahkan saat itu, proses pengembangan studio labirin. Penulis skenario Dracula, Garrett Ford, ikut serta dan menyusun skenario berdasarkan dua asumsi. Pertama, orang Prancis Robert Florey akan mengarahkan, dan bahwa Bela Lugosi akan membintangi peran utama - sebagai ilmuwan gila, Henry, bukan sebagai ciptaannya yang mengerikan.

Fort-Florey mengambil cerita mengikuti alur seorang pria yang akan menjadi dewa dan dihukum karena dosa-dosanya. Berpikir bahwa film mereka akan menjadi kendaraan bintang bagi Lugosi, mereka memberikan sebagian besar waktu layar kepada Henry dan mereduksi monster itu menjadi raksasa lamban tanpa garis. Studio itu punya ide lain dan bersikeras Lugosi akan memerankan monster itu. Ini adalah strategi yang masuk akal, mengingat aksen Hongaria Lugosi yang sangat kental. Lugosi sendiri marah pada gagasan bahwa semua yang akan dia lakukan di layar adalah mengerang dan mendengus jadi, setelah merekam beberapa rekaman uji coba di riasan monster (yang dia benci), dia menolak bagian itu.

Jack Pierce, penata rias, telah melewati jalur Lugosi sebelumnya. Pierce adalah kepala tata rias untuk Universal dan mengawasi Dracula, di mana Lugosi bersikeras untuk menerapkan riasannya sendiri sebagai Count, seperti yang dia lakukan untuk pertunjukan panggung. Ini pasti sangat membuat frustrasi Pierce. Rancangannya untuk Monster jauh lebih rumit, tetapi Lugosi masih ingin membuat wajahnya sendiri. Rekaman tersebut telah hilang dari sejarah dan ada beberapa akun yang bersaing mengenai pekerjaan gagal yang dilakukan aktor itu, tetapi ternyata produser, Carl Laemmle Jr, "tertawa seperti hyena" ketika dia melihat tes tersebut.

Dengan Lugosi menolak untuk memainkan bola, Florey terlalu kecewa. Penggantinya adalah orang Inggris James Whale, favorit Carl Laemmle Jr. yang mencetak kesuksesan dengan dua adaptasi melodrama masa perang, Journey's End (1930) dan Waterloo Bridge (1931). Laemmle menawari Whale gambar apa pun di daftar Universal saat ini dan, ingin keluar dari cerita perang, dia memilih Frankenstein. Ini memulai empat gambar klasik (Frankenstein, The Old Dark House, The Invisible Man dan The Bride of Frankenstein) dengan Universal yang menetapkan Whale sebagai influencer genre utama — dan juga membuat studio menghasilkan banyak uang.

Legenda mengatakan bahwa aktor karakter berjuang 43 tahun Boris Karloff (yang, seperti Whale, lahir di Inggris) diambil dari ketidakjelasan di kantin studio untuk bermain Monster. Kemungkinan besar Karloff menjadi perhatian Whale setelah dia berperan sebagai pembunuh dalam drama panggung Los Angeles, The Criminal Code. Dengan tubuh kurus dan wajah lugubrious, Karloff - yang merupakan aktor yang jauh lebih serbaguna daripada Lugosi - adalah pilihan yang tepat untuk peran tersebut.

Riasan Monster

Desain riasan Jack Pierce yang aneh dan mendunia untuk Monster terbukti langsung menjadi ikon, menciptakan citra merek untuk karakter yang masih dapat dikenali secara luas hampir seabad kemudian.

Pierce membentuk kembali tengkorak Karloff menggunakan lapisan kapas dan collodion. Dia menutupinya dengan cat minyak abu-abu-hijau, dengan bayangan ungu untuk menciptakan tampilan 'segar dari kubur' dan dijepitkan pada staples dan baut leher. Karloff menyarankan untuk menambahkan lapisan lilin ke kelopak matanya untuk memberikan tampilan terkulai yang khas dan menghilangkan jembatan gigi dari sisi kiri mulutnya yang mengakibatkan pipi cekung. Seluruh tampilan membutuhkan waktu sekitar 3½ jam untuk dipasang dan dua jam untuk lepas landas.

Ketika sudah selesai didandani, dan memakai sepatu bot penyebar aspal raksasanya dan setelan hitam yang terlalu kecil, Karloff tampak begitu menakutkan sehingga Laemmle bersikeras dia memakai kerudung untuk berjalan ke dan dari lokasi syuting, agar dia tidak mengejutkan sekretaris studio hingga mengalami keguguran mendadak.

Eksekutif studio tahu Karloff sebagai Monster itu menakutkan, tetapi mereka benar-benar tidak menghargai kekuatan penggambarannya sampai film itu diputar di bioskop. Mereka mengira karakternya begitu periferal sehingga dia terdaftar dalam kredit sebagai "?" dan mereka bahkan tidak mengundangnya ke pemutaran perdana, namun ciptaannya yang lamban, menyedihkan, dan abadi (Karloff menyebut karakter itu sebagai "lelaki tua tersayang itu") yang sekarang identik dengan nama 'Frankenstein'.

Produksi

Pengambilan gambar dimulai pada 24 Agustus 1931, dan diselesaikan pada 3 Oktober tahun itu, menghabiskan sekitar $ 30.000 melebihi anggaran yang dialokasikan sebesar $ 261.000.

Sementara skrip Fort-Florey tetap utuh secara struktural, revisi terakhir datang atas izin John Russell, yang tidak pernah secara resmi dikreditkan, tetapi menambahkan adegan di mana Fritz menjatuhkan otak manusia biasa yang dimaksudkan untuk kepala Monster dan menggantinya dengan penolakan kriminal. Secara signifikan, perkembangan ini menurunkan derajat Henry dari seorang jenius jahat yang menyadari rencana induknya menjadi seorang ilmuwan kikuk yang tanpa sadar digagalkan oleh ketidakmampuan asistennya. Ini sepertinya sangat sesuai dengan selera humor Whale yang sinis.

Menghindari sebagian besar renungan metafisik dari novel aslinya, film ini berfokus pada keinginan Henry (Colin Clive) yang arogan untuk berperan sebagai Tuhan dan menciptakan kehidupan. Dia menolak perangkap kehidupan normal (termasuk tunangan cantiknya Elizabeth, diperankan oleh bintang Waterloo Bridge Mae Clarke), lebih memilih untuk bersembunyi di laboratorium kastilnya bereksperimen di persimpangan listrik dan anatomi manusia.

Elizabeth yang setia bersama dengan mantan kekasihnya Victor (John Boles), asisten Henry yang bungkuk Fritz (Dwight Frye), mantan gurunya Dr Waldman (Edward Van Sloan), semuanya siap untuk menyaksikan 'kelahiran' Adam baru Henry yang mendorong tuas. Henry menyampaikan kalimat gembira pada saat kemenangannya - "Sekarang saya tahu bagaimana rasanya menjadi Tuhan!" - bahkan sensor pra-Kode dianggap menghujat. Garis ini dipotong dari cetakan teater sampai baru-baru ini.

Teknisi Kenneth Strickfaden membuat laboratorium mendesis dari barang-barang industri yang dipulung. Dia hanya meminjamkan berbagai mesin dan gizmos ke studio untuk film tersebut dan mengembalikannya ke garasinya di Santa Monica saat pengambilan gambar selesai - dia kemudian menyewakannya kembali ke Universal untuk berbagai sekuel dan spin-off. Pada saat set tersebut mulai dijual pada tahun 2007, ia telah mengumpulkan kredit dalam 60-70 film. Keberadaan saat ini: Tidak diketahui.

Monster merasa tidak diinginkan dan tidak wajar sejak awal dan berubah menjadi pembunuh, membantai Fritz dan Waldman. Dalam salah satu adegan film yang paling banyak dibicarakan, ia kemudian menjalin hubungan singkat dengan Little Maria (Marilyn Harris, usia 7), sebelum secara tidak sengaja menenggelamkannya dan menimbulkan kemarahan seluruh desa. Selama beberapa dekade, adegan yang menunjukkan tenggelamnya sebenarnya telah dipotong dari cetakan film karena terlalu mengejutkan. Namun, kelalaiannya membuat penonton bertanya-tanya, tentang apa yang sebenarnya terjadi pada Maria pada saat-saat sebelum dia meninggal - seperti biasa, orang membayangkan skenario terburuk yang mungkin terjadi, dan cetakan yang dipulihkan sebenarnya tampak jinak.

Ada banyak kekhawatiran di set tentang bagaimana Marilyn muda akan menanggapi melihat temannya Boris dalam riasan Monster untuk pertama kalinya. Mereka tidak perlu khawatir: dia meraih tangannya dan bertanya apakah dia bisa berkendara bersamanya dari tempat Universal ke lokasi mereka di Lake Sherwood, perjalanan sejauh 30 + mil.

Setelah kematian Maria (tidak ada yang benar-benar merindukan Fritz atau Waldman) Monster itu adalah buronan. Dia muncul sebagai tamu tak diundang di pernikahan Henry dan Elizabeth, di mana gerombolan obor dan garpu rumput yang menyala-nyala datang untuk memburunya. Pengejaran berakhir di kincir angin: Henry terlempar dari atas, dan penduduk desa yang marah membakar bangunan itu, mungkin menghancurkan makhluk yang tidak wajar itu untuk selamanya.

Whale awalnya merekam akhir yang berbeda dan lebih final, menunjukkan kematian Henry di tangan Monster. Studio sudah mengincar sekuel, jadi mereka memerintahkan pemotretan ulang untuk membuat nasib karakter utama lebih ambigu.

Penerimaan

Dibuka sebelum Thanksgiving 1931, Frankenstein menjadi hit besar, film liburan yang wajib dilihat, dan juara box office tahun ini. Penonton yang bergumul dengan keadaan tertekan dari Depresi Hebat dapat melarikan diri dari kesengsaraan mereka dengan harga tiket film ke dunia Tuhan pemula yang kurang informasi dan ciptaan-Nya yang tidak bahagia. Monster yang menyedihkan dan terkepung itu menyerang jauh dan lebar. Surat-surat mengalir untuk Karloff di Universal, semua mengungkapkan simpati untuk Monster, dan menawarkan "bantuan dan persahabatan". Pria sejati, dia menggambarkannya sebagai "salah satu pengalaman paling mengharukan dalam hidup saya."

Kritikus pada umumnya positif, meskipun beberapa orang menanggapinya dengan keributan set daur ulang, menunjukkan cyclorama yang kendur dan keriput yang dapat dilihat di beberapa adegan, atau mengejek "pegunungan bubur kertas". Yang lain, dengan lebih bijaksana, mengomentari rasisme yang mendasarinya.

G.A. Atkinson, kritikus untuk Era publikasi Inggris, menulis pada tahun 1932:

Narasi itu merosot melalui tahapan yang cepat menjadi perburuan manusia yang brutal dan merendahkan, diakhiri dengan pembakaran monster di kincir angin, hampir seolah-olah itu adalah pembantaian Georgia, yang, pada kenyataannya, sangat mirip dengan pengejaran. Paralelnya mungkin tidak baik, tapi itu sangat menarik. ″

Lynching adalah mata uang budaya yang umum di seluruh Amerika Serikat selama tahun-tahun booming abad ke-20 di Klan, yang baru mulai memudar pada pertengahan 1920-an. Seperti halnya King Kong (1933) (ada di episode 5), sulit untuk tidak melihat Frankenstein sebagai alegoris, merujuk dan memasukkan narasi putih dominan pada masa itu. Dari perspektif itu, Monster memulai hidup sebagai milik seseorang, dan, begitu dia melarikan diri, sifatnya yang buas dan tidak berpendidikan membuatnya tidak cocok untuk wacana sosial yang beradab. Dia melakukan kejahatan terbesar, membunuh seorang gadis kulit putih yang tidak bersalah, dan harus diburu sampai mati oleh segerombolan warga yang pendendam.

Sekali lagi, seperti King Kong, Frankenstein menunjukkan rasa iba dan welas asih tertentu untuk makhluk yang diperlakukan tidak adil, tetapi itu tidak cukup. Gelombang berbalik, perlahan tapi pasti, menentang hukuman mati, dengan para pelakunya dibawa ke pengadilan - meskipun mereka biasanya dibebaskan. Meskipun demikian, citra hukuman mati mendasari apa yang diterima sebagai hiburan keluarga, dengan kematian Monster yang berliku-liku dimainkan sebagai tontonan untuk menyenangkan orang-orang yang saleh dan haus darah.

Sumber: horrorfilmhistory

Kisah Film Terbaik: Episode 86 - Steamboat Willie (1928)

 Film Animasi Pendek Terbaik Sepanjang Masa

15 Februari 2021

Rilis: 1 Januari 1929

Sutradara: Walt Disney, Ub Iwerks

Produser: Roy Disney. Walt Disney

Score: Wilfred Jackson, Bert Lewis

Perusahaan: Walt Disney Studio

Pemeran: Walt Disney

Durasi: 8 Menit

Genre: Animasi/Musikal

RT: 83%

Setiap tahun, sekitar waktu tersebut, penggemar dan penyuka animasi Disney akan selalu diingatkan bahwa 18 November adalah hari ulang tahun Mickey Mouse.

Dan, jika ulang tahun adalah tonggak sejarah (seperti dua tahun lalu untuk yang ke-90), banjir pemasaran dan merchandising benar-benar meningkat. Jadi, mengapa menjadi masalah besar? Banyak karakter animasi dan subjek pendek animasi merayakan hari jadi. Mengapa kita selalu teringat pada Mickey?

Ada banyak hal tentang Steamboat Willie, yang dirilis pada 28 November 1928, dan banyak lagi yang menyusul di Disney Studio, yang menunjukkan betapa pentingnya hal itu. Steamboat Willie memberi dunia sebuah ikon.

Tidak dapat diabaikan betapa pentingnya debut Mickey Mouse. Dalam subjek, yang sekarang aneh dan pendek, dia adalah kelasi yang nakal di atas kapal uap (dengan kecenderungan humor kelam untuk kekejaman terhadap hewan dalam film), tetapi dia akan segera dipeluk oleh penonton, yang segera tidak bisa cukup darinya .

Sudah ada karakter kartun populer selama era bisu, seperti Felix the Cat karya Pat Sullivan, tetapi hubungan Mickey dengan penonton jarang terlihat di Hollywood.

Selama lebih dari sembilan puluh tahun, Mickey terus membintangi lebih dari 130 film, baik subjek pendek maupun fitur, seperti Fantasia tahun 1940.

Steamboat Willie juga merupakan debut Minnie Mouse dan meskipun Pete muncul di film pendek Disney's Oswald the Lucky Rabbit dan Alice, ini adalah penampilan pertamanya sebagai musuh Mickey. Mereka semua akan menjadi bagian dari kumpulan karakter, bersama dengan Pluto, Donald Duck dan Goofy yang akan membintangi fitur pendek Disney di masa depan.

Dengan Mickey, Walt memiliki bintang yang akan segera menyaingi popularitas banyak aktor live-action pada saat itu dan selama bertahun-tahun, Mickey akan menjadi tokoh utama untuk semua hal Disney.

Tidak hanya dalam film, tetapi juga ketika televisi menjadi bagian dari kehidupan kita, sebagai "Pemimpin Klub" di Klub Mickey Mouse, dan sekarang, dalam "kehidupan nyata", pengunjung Taman Hiburan Disney di seluruh dunia telah membuat foto dengan Mickey sebuah ritual liburan.

Baru-baru ini, Mickey bahkan memiliki semacam kebangkitan dengan serangkaian subjek pendek baru yang dimulai pada 2013 dan termasuk versi Mickey dan geng yang dirancang ulang, yang telah terbukti menjadi hit besar di The Disney Channel dan sekarang Disney +.

Sebagai gambar, Mickey Mouse juga berfungsi sebagai ikon perusahaan The Walt Disney dan telah menjadi salah satu simbol perusahaan yang paling dikenal di dunia, di samping logo yang sudah dikenal seperti Coca-Cola dan McDonald's.

Faktanya, pada tahun 2004, Majalah Forbes memasukkan Mickey dalam daftar tahunan "miliarder fiksi" mereka, yang melihat karakter dari TV, film dan buku serta kemampuan bank mereka.

Perusahaan yang sekarang menyertakan beberapa film laris tercinta dan terbesar di dunia dalam film (yang juga mencakup Marvel, Star Wars, dan sekarang 20th Century Fox), taman hiburan, resor, produk, jaringan kabel, video rumahan, dan sekarang layanan streaming, semuanya jatuh di bawah "payung" dari Tikus sederhana yang melakukan debutnya di "Steamboat Willie".

Tidaklah mengherankan jika kutipan dari Walt Disney sendiri telah dilontarkan sedikit: "Saya hanya berharap bahwa kita tidak melupakan satu hal, bahwa semuanya dimulai oleh Tikus."

“Apakah Anda Mendengar Apa yang Saya Dengar?”

“A Mickey Mouse Sound Cartoon” diumumkan di kartu judul pembuka “Steamboat Willie,” memberi tahu penonton bahwa mereka akan melihat sesuatu yang baru dan spesial.

Suara telah digunakan dalam film dan bahkan dalam kartun sebelum debut "Steamboat Willie". Film aksi langsung Al Jolson The Jazz Singer memulai debutnya pada tahun 1927 dan Fleischer Studio telah memulai debutnya dengan serangkaian musik Song Car-Tunes, sejauh tahun 1925 yang menggunakan proses "suara pada film".

Selain itu, animasi Dinner Time singkat dari Van Beuren Studio, memulai debutnya pada bulan Agustus 1928.

Namun, Dinner Time tidak mendekati popularitas Steamboat Willie. Selain itu, Walt dan artisnya sangat kreatif dalam penggunaan musik ("Turkey in the Straw") dan efek suara, yang tidak hanya diperhatikan oleh penonton, tetapi juga oleh kritikus. Majalah Variety menyatakan dalam ulasan mereka: "Ini adalah pekerjaan sinkronisasi yang sangat baik, cerah, tajam, dan menyesuaikan situasi dengan sempurna."

Seperti kebanyakan film dengan suara kali ini, Steamboat Willie akan membantu pembawa berita di era baru dalam film, animasi dan lainnya.

“Kamu Punya Kepribadian”

Meskipun Studio Disney tidak membuat "animasi kepribadian" (di mana para animator "bertindak" melalui gambar mereka dan menampilkan pertunjukan, atau kepribadian, dalam karakter mereka), para animator di sana pasti menjadi masternya. Pekerjaan mereka masih dipelajari sampai sekarang.

Salah satu contoh terkuat dan pertama dapat ditemukan pada Mickey Mouse di Steamboat Willie. Lebih dari sekadar cara untuk menyampaikan lelucon penglihatan, Mickey memiliki kepribadian yang sungguh-sungguh dan heroik, ditaburi dengan sisi nakal (terutama saat dia menjulurkan lidah ke belakang punggung Pete).

Ub Iwerks, yang dianggap sebagai teman tertua Walt dan perancang Mickey Mouse, juga membuat hampir semua animasi di kartun awal Mickey Mouse, termasuk “Steamboat Willie”. Ub menghidupkan sekilas kepribadian ikon ini.

Dalam buku, The Hand Behind the Mouse oleh Leslie Iwerks (cucu Ub) dan John Kenworthy, penulis membahas kemampuan Ub untuk menciptakan kepribadian ini untuk Mickey, dalam penampilan pertamanya: “Dalam banyak hal, Ub Iwerks adalah salah satu Stanislavskian pertama para animator berkonsentrasi pada motivasi internal seperti pada karakteristik eksternal dari bintang kartunnya. ”

A Good Buy

Setelah Steamboat Willie, penonton sangat ingin melihat Mickey Mouse dan menginginkan lebih banyak karakter di luar layar. Hal ini menimbulkan pemikiran dari Walt tentang bagaimana dia bisa memperdagangkan bintang barunya dengan sebaik-baiknya.

Barang dagangan Mickey Mouse yang pertama adalah tablet sekolah, dengan gambar karakter di bagian depan, diproduksi pada tahun 1929.

Setahun kemudian, boneka Mickey Mouse yang mewah, dirancang oleh Charlotte Clark, seorang wanita muda yang giat mendekati Walt dengan ide untuk memproduksi boneka tersebut. Setelah dia setuju, dia mulai membuatnya dari sebuah rumah kontrakan kecil.

Permintaan untuk apa yang pada akhirnya akan disebut "Boneka Charlotte Clark" menjadi begitu berlebihan sehingga izin diberikan untuk mereproduksi pola di Majalah McCall, sehingga penggemar dapat membuatnya sendiri.

Pada tahun 1932, Walt telah menyewa Herman “Kay” Kamen, seorang eksekutif periklanan, untuk menangani semua lisensi merchandise Disney, termasuk jam tangan Mickey Mouse yang sangat populer.

Saat ini, jenis merchandise "tie-in" telah menjadi hal yang biasa dengan acara TV dan film animasi. Nyatanya, mania produk Mickey ini terus berlanjut. Menurut Majalah Fast Company, pada tahun 2018, Mickey Mouse dan "geng" (Minnie, Pluto, Donald, dan Goofy) menghasilkan pendapatan barang dagangan $ 3 miliar dolar.

Kemenangan untuk Walt

Steamboat Willie datang saat Walt Disney benar-benar membutuhkan "kemenangan".

Walt kehilangan karakter pertamanya, Oswald the Lucky Rabbit dan sebagian besar stafnya, ketika produser Charles Mintz membawa mereka pergi, setelah perselisihan dengan Disney.

Seperti yang dikatakan oleh "pengetahuan Disney", Walt bertukar ide untuk karakter baru dalam perjalanan kereta kembali dari pertemuan dengan Mintz di New York. Ketika dia kembali ke West Coast dan membagikan idenya dengan Ub Iwerks, Iwerks-lah yang merancang karakter itu sendiri.

Mickey dan kesuksesannya di Steamboat Willie muncul dari masa-masa yang sulit. Popularitasnya memberi Walt pengaruh di Hollywood dan memungkinkannya untuk mendobrak animasi baru dengan film pendek Silly Symphony dan akhirnya menjadi fitur animasi berdurasi penuh pertama, Snow White and the Seven Dwarfs 1937 (ada di episode 7).

Pada dasarnya, Steamboat Willie menetapkan lintasan untuk sisa karier Walt.

Pada saat film tersebut ditayangkan perdana pada tahun 1928, bahkan Walt Disney sendiri mengenali ini, seperti yang dicatat dalam buku Jerry Beck, The 50 Greatest Cartoons, di mana Walt mengutip tentang Steamboat Willie yang mengatakan: “Kami menemukan bahwa kami tidak hanya memiliki mainan kartun untuk menghibur anak-anak, kami memiliki media unik yang menyenangkan seluruh keluarga. Kami memiliki bentuk seni dan ilusi yang mengesankan. "

Sumber: Animationscoop

Kisah Film Terbaik: Episode 85 - Metropolis (1927)

 Film Utopia Terbaik Sepanjang Masa

9 Februari 2021

Rilis: 10 Januari 1927

Sutradara: Fritz Lang

Produser: Erich Pommer

Sinematografi: Karl Freund, Gunther Rittau

Score: Gottfried Huppertz

Distribusi: Parufamet

Pemeran: Alfred Abel, Brigitte Helm, Gustav Frohlich, Rudolf Klein-Rogge

Durasi: 153 Menit

Genre: Fiksi Ilmiah/Drama

RT: 97%

BAYANGKAN itu. Seorang presiden otoriter mengambil alih Gedung Putih. Dia memasukkan daftar alien ilegal dan mulai mendeportasi mereka. Dia memulai perang kata-kata dengan China yang meningkat menjadi pertempuran militer. Dia juga menyatakan bahwa pemanasan global adalah tipuan dan membatalkan upaya Amerika untuk mengatasinya. Bencana iklim mendekat. Perang dunia ketiga akan segera terjadi. Dan kemudian, dalam putaran terakhir, terungkap bahwa presiden AS yang baru adalah seorang agen Rusia selama ini.

Ini bisa menjadi garis besar film fiksi ilmiah distopia. Tapi setidaknya beberapa juga benar - atau akan segera - begitulah cara kerja distopia. Mereka mengambil masalah saat ini dan memetakannya ke masa depan yang potensial. Bagaimana jadinya jika Gedung Putih dijalankan oleh seorang megalomaniak? Bagaimana rasanya hidup melalui perang dunia ketiga atau kelaparan di seluruh dunia? Bagaimana jika robot mengambil alih, atau tidak ada yang pernah mati, atau pihak berwenang dapat membaca pikiran kita atau membuat kita tenang dan dikendalikan melalui obat-obatan? Bagaimana jika harapan kemajuan kita salah tempat dan masa depan jauh, dan secara mengejutkan, lebih buruk daripada saat ini?

Salah satu contoh terbesar dari pendekatan ini - masa depan sebagai peringatan - adalah Metropolis, film bisu Jerman yang berpengaruh yang sedang merayakan hari jadinya yang ke-94. Disutradarai oleh Fritz Lang dan pada saat itu film termahal yang pernah dibuat, gambarannya yang luar biasa tidak pernah hilang: gedung-gedung menjulang tinggi dan jalan layang di kota masa depan; mesin bawah tanah yang besar dan mengepul; dan, yang paling terkenal dari semuanya, wanita android dengan anggota badan baja dan mata cahaya. Gambar robot itu, Maria, mungkin salah satu yang paling berpengaruh dalam fiksi ilmiah dan budaya populer. Semua robot memiliki ibu yang sama: Maria.

Namun, ini adalah visi distopia tentang bagaimana kota, dan berbagai kelas manusia, dapat hidup dan bekerja di masa depan yang merupakan elemen yang paling menarik dari Metropolis. Di awal film, kita melihat dua sisi kota: ras super berambut pirang yang cantik yang tinggal tinggi di gedung-gedung tinggi dan kelas bawah yang kotor dan tertindas yang bekerja dengan mesin yang menjaga kota tetap berjalan. Itu adalah gagasan tentang bagaimana masa depan nanti, tetapi, yang lebih penting, itu adalah kritik tentang bagaimana dunia saat itu - dalam kasus Metropolis: 1920-an, saat Eropa Barat masih muncul dari Perang Dunia Pertama. Sementara satu bagian masyarakat di tahun 1920-an mengalami masa lalu yang menyenangkan, yang lain berjuang untuk makan. Metropolis bukanlah masa depan, melainkan masa kini.

Dan pada dasarnya itulah mengapa visi distopia tentang masa depan selalu begitu populer di kalangan novelis dan pembuat film. Ada alternatif utopis - novel Budaya Iain M Banks misalnya, atau Star Trek, yang membayangkan masa depan di mana perbedaan ras, jenis kelamin atau kelas tidak relevan - tetapi mereka sangat kalah jumlah dengan visi masa depan yang jauh lebih gelap, lebih suram, dan nihilistik karena itu cara Anda dapat mengatasi krisis dan tantangan yang dihadapi manusia: penuaan, obesitas, kesuburan, jenis kelamin dan seks, makanan, perang, operasi plastik dan kecantikan, kelas dan kemiskinan. Karya besar distopia juga membahas solusi politik potensial dan bagaimana mereka bisa salah - jika ada satu hal yang terobsesi oleh penulis distopia lebih dari apa pun, itu adalah bahaya fasisme dan sosialisme.

Sejarah novel dan film distopia membuktikan hal tersebut dan bukan kebetulan bahwa gambaran masa depan yang menakutkan mulai berkembang biak pada akhir abad ke-19, ketika kehidupan semakin cepat dan banyak orang tertinggal. Jules Verne mengusulkan masa depan diteror oleh senjata pemusnah massal di The Begum's Fortune, yang diterbitkan pada tahun 1879, dan sementara HG Wells dalam banyak hal adalah seorang penulis utopis, The Time Machine menangani masalah pembagian kelas ketika Penjelajah Waktu berakhir di masa depan di mana masyarakat terbagi antara Eloi yang tidak efektif dan Morlock yang brutal.

Mungkin tidak mengherankan, beberapa tahun kemudian, bagian awal abad ke-20 dipenuhi dengan novel distopia yang mengangkat kapitalisme dan sosialisme, termasuk novel Land Under England tahun 1935 yang besar namun diabaikan oleh Joseph O'Neill, di mana seorang penjelajah menemukan masyarakat bawah tanah. di mana semua individualitas dihapus oleh negara yang melihat semuanya - apakah itu peringatan tentang sosialisme atau fasisme, itu terserah Anda.

Belakangan, di era film, visi distopia tentang masa depan terus menjadi sumber inspirasi yang kaya. Metropolis didasarkan pada skenario oleh istri Fritz Lang, Thea von Harbou, tetapi banyak dari film distopia terbesar dalam 70 tahun terakhir didasarkan pada novel. Film tahun 1966 Fahrenheit 451 didasarkan pada novel Ray Bradbury tentang masa depan di mana membaca adalah ilegal dan tugas petugas pemadam kebakaran bukanlah memadamkan api tetapi menyalakannya dan membuang buku di tumpukan kayu.

Juga berdasarkan sebuah buku oleh Harry Harrison, Soylent Green pada tahun 1973 mengatasi kekurangan pangan dan kelebihan populasi dan menyarankan bagaimana satu masalah dapat menyelesaikan yang lain - sesuatu yang telah ditangani oleh Jonathan Swift hampir 250 tahun sebelumnya dalam esai satir 1729 A Modest Proposal, yang mana menyarankan agar orang Irlandia dapat meringankan masalah ekonomi mereka dengan menjual anak-anak mereka kepada orang kaya sebagai makanan. Lalu ada Logan's Run pada tahun 1976, di mana kelebihan populasi diselesaikan dengan membunuh semua orang segera setelah mereka mencapai usia 30 tahun. Itu didasarkan pada novel karya William F Nolan dan George Clayton Johnson.

Demetrios Matheou, kritikus film Sunday Herald, percaya distopia ini berhasil karena kombinasi ide dan hiburan. “Tidak banyak drama di masa depan yang cerah di mana semuanya sempurna, kami telah memecahkan masalah penyakit dan telah menjadi orang yang layak untuk di-boot,” katanya. “Jauh lebih dinamis ketika segala sesuatunya mengerikan - seperti pada tahun 1984, Mad Max, atau yang lebih baru The Hunger Games - atau ketika mereka tampak sempurna di permukaan, tetapi“ utopia ”ada harganya atau tidak semuanya seperti yang terlihat, seperti di Logan's Run, Soylent Green. ”

Matheou juga mengutip Gattaca, film tahun 1997 yang berlatar masa depan di mana orang tua dapat mengubah susunan genetik anak-anak mereka sebelum mereka lahir dan mereka yang tidak dimodifikasi akan ditakdirkan untuk menjalani kehidupan yang kasar dan tidak berarti.

Film favorit Demetrios Matheou lainnya di antara film distopia yang lebih baru adalah Children Of Men pada tahun 2006. Berdasarkan novel karya PD James, film ini menunjukkan masa depan di mana Pemerintah Inggris menjadi semakin menindas dan mengumpulkan imigran ilegal ke kamp penjara. Itu belum terjadi, tapi gema masa depan seperti itulah yang terjadi dalam kehidupan nyata - dalam hal ini, pengkambinghitaman pengungsi dan imigran selama referendum Brexit - yang membuat film seperti Children Of Men begitu menarik, dan sedikit menakutkan.

Ada gema kehidupan nyata hampir di mana pun Anda melihat. Serial Channel 4 Humans, misalnya, berlatar waktu ketika robot mengembangkan kesadaran dan memberontak melawan tuan manusia mereka. Sementara itu, dalam kehidupan nyata, minggu lalu diumumkan bahwa anggota parlemen akan memberikan suara pada seperangkat aturan komprehensif pertama tentang bagaimana manusia akan berinteraksi dengan kecerdasan buatan dan robot, yang pada gilirannya mencerminkan fiksi distopia, khususnya I, Robot, novel oleh Isaac Asimov, yang menetapkan aturan untuk robot termasuk yang pertama dan terpenting: "Robot tidak boleh melukai manusia".

Ada penglihatan distopia lain yang tampaknya memiliki kesamaan yang mengganggu dalam kehidupan nyata apa adanya. The Hunger Games menunjukkan masa depan di mana kaum muda terobsesi dengan game dan acara TV realitas. The Handmaid’s Tale, novel 1985 karya Margaret Atwood, film tahun 1990 dan serial TV tahun depan, mengemukakan Amerika yang dijalankan oleh teokrasi totaliter.

Ada juga novel, serial televisi, dan film lain yang lebih terabaikan yang gagasan distopia-nya pantas mendapatkan pengakuan lebih. Facial Justice oleh LP Hartley, novelis yang lebih terkenal untuk The Go-Between, ditulis pada tahun 1960 tetapi berlatar masa depan di mana orang-orang mengubah wajah mereka dengan operasi agar terlihat sama. Apakah Hartley sudah memperkirakan maraknya operasi plastik? Dan akhir tahun ini, serial BBC 1990 yang cukup terlupakan akan dirilis dalam bentuk DVD. Dibintangi oleh Edward Woodward, film ini berlatar di Inggris yang warganya telah menyerahkan hak mereka demi keamanan. Apakah penulisnya memprediksi munculnya kamera keamanan dan pengawasan internet?

Menarik juga untuk berspekulasi ke mana distopia akan membawa kita selanjutnya, dengan Donald Trump dan pemerintahannya sebagai inspirasi paling jelas. Memang, Trump telah memiliki efek itu - The Arctic Lizard, sebuah cerita pendek oleh penulis Israel Etgar Keret, diatur selama perang yang dimulai oleh Presiden Trump dengan Meksiko dan menampilkan tentara muda memainkan versi Pokemon Go di medan perang.

Sangat mungkin bahwa Trump akan terus memiliki efek seperti itu - terutama karena kebanyakan dari kita takut dengan apa yang mungkin dilakukan Presiden Trump di kantor, dan ketakutan akan masa depan adalah pendorong utama distopia. Tapi ada pertanyaan menarik lain untuk ditanyakan tentang distopia dan ini adalah: apakah kita sudah hidup di salah satunya? Bayangkan seseorang dari 100 tahun yang lalu bangun pada tahun 2017. Apa yang akan mereka lihat? Orang yang menjalani jenis operasi paling ekstrim untuk mengejar kecantikan atau jenis kelamin mereka yang sebenarnya. Orang-orang muda yang mengambil gambar intim dan mengirimkannya ke orang asing melalui jaringan komputer di seluruh dunia. Orang tua sangat takut sehingga mereka tidak akan membiarkan anak-anak mereka bermain. Bagi kebanyakan orang, ini akan terdengar seperti distopia.

Tetapi apakah pelancong dari 100 tahun yang lalu itu akan berfokus pada hal-hal positif? Apakah mereka akan melihat semua penyakit yang telah disembuhkan, atau fakta bahwa jutaan orang biasa dapat melakukan perjalanan di udara tanpa biaya, atau berkomunikasi langsung dengan teman atau keluarga mereka di mana pun di dunia? Akankah mereka melihat penyebaran demokrasi sejak Perang Dunia Kedua dan berpikir bahwa dunia telah menjadi tempat yang lebih baik?

Intinya adalah kita hidup dalam distopia dan utopia pada saat yang bersamaan. Untuk setiap kemajuan teknologi, misalnya, ada sisi negatifnya: bayaran rendah dari orang-orang yang membuat teknologi, limbah dan polusi yang terlibat dalam produksinya dan konsekuensi sosial, budaya dan seksual dari perkembangan teknologi. Begitu pula, visi distopia satu orang tentang masa depan adalah kemajuan orang lain: banyak orang marah karena ditonton di jalan oleh kamera keamanan dan email serta aktivitas internet yang dipantau; bagi yang lain, langkah-langkah ini justru menawarkan solusi bagi ancaman terorisme.

Tapi mungkinkah ada faktor lain yang berperan? John Wyndham menulis beberapa novel dengan latar masa depan yang salah termasuk Day Of The Triffids, di mana dunia dibanjiri oleh tanaman pembunuh, dan Trouble With Lichen, di mana seorang ilmuwan menemukan jamur yang dapat memperlambat penuaan, dan sesama sains Penulis fiksi Brian Aldiss menggambarkan mereka dengan agak meremehkan sebagai "bencana yang nyaman". Yang dia maksud adalah bahwa pahlawan dalam novel Wyndham, biasanya orang Inggris, pria dan kelas menengah, selalu selamat dari kiamat, apa pun itu, dan biasanya akan berperan dalam membangun kembali masyarakat.

Dan bukankah itu salah satu alasan kita menyukai distopia - karena gagasan bahwa, setelah semua kekacauan atau kebrutalan atau totalitarianisme, pada akhirnya akan muncul sesuatu yang lebih baik darinya? Bukankah distopia hanyalah bentuk harapan lain - harapan bahwa kita mungkin harus melalui sesuatu yang mengerikan untuk menemukan sesuatu yang lebih baik?

Sumber: heraldscotland

Kisah Film Terbaik: Episode 84 - Nanook of the North (1922)

 Film Dokumentar Perjalanan Terbaik Sepanjang Masa

2 Februari 2021

Rilis: 11 Juni 1922

Sutradara, Produser dan Sinematografi: Robert J. Flaherty

Distribusi: Pathe Exchange

Pemeran: Allakariallak, Nyla, Cunayou

Durasi: 78 Menit

Genre: Dokumentar

RT: 100%

Dalam bahasa orang Inuit, "nanook" atau "nanuq" berarti "beruang kutub," seperti pada hewan pemburu terbesar di utara, seberat seribu pound, agresif tetapi diam-diam, dan ideal spiritual untuk Inuit. Padahal di film Nanook of the North tidak ada beruang kutub. Salah satu alasannya pasti yang paling jelas: merekam beruang di bagian utara Quebec, di pesisir timur Teluk Hudson, benar-benar berbahaya. Ada pelajaran pertama tentang bagaimana dokumenter tentang kehidupan "orang yang paling ceria di seluruh dunia — Eskimo yang tak kenal takut, senang-pergi-beruntung" (mengutip judul film yang mengasyikkan) agak dikompromikan.

Tetapi film yang dikompromikan dapat memiliki potensi dan dampak yang luar biasa. Nanook of the North bukan hanya "klasik", terpilih sebagai film dokumenter ketujuh terbesar sepanjang masa dalam jajak pendapat Sight and Sound tahun 2014, ia diakui secara universal sebagai tengara dalam upaya perintis untuk memfilmkan "realitas". Robert J. Flaherty (1884–1951) adalah figur ayah yang dihormati seperti Georges Méliès, D.W. Griffith, dan Sergei Eisenstein berada dalam fiksi — dan semua sutradara itu terlalu rumit untuk pantas dihormati.

Flaherty lahir di Michigan, putra seorang Irlandia dan ibu Jerman, tetapi dibesarkan di Kanada. Setelah lulus kuliah, dia mulai sebagai pencari nafkah di utara. Kalimat itu menggunakan dua kata yang samar tetapi puitis — apa yang dicari oleh seorang pencari uang? Bisa berupa emas atau benda berharga lainnya, yang bisa berupa ikan, bulu, dan makanan; atau bisa jadi tidak kurang dari "prospek", pandangan tentang dunia nyata yang bercampur dengan yang dibayangkan atau diantisipasi, masa depan, perbatasan, keinginan rahasia yang melihatnya.

Dan utara? Siapapun perlu menemukan peta untuk menyadari berapa banyak Kanada yang ada di luar jalur selatan populasi. Judul Nanook berbicara tentang "tempat tak terbatas yang berada di puncak dunia," meskipun Umqua utaranya masih pendek dari Lingkaran Arktik (dan banyak yang hidup di luar itu). AS dan Kanada memiliki luas daratan yang kurang lebih sama: masing-masing 3,8 juta mil persegi. Tapi Kanada hanya memiliki sepersepuluh dari populasi Amerika. Jadi pergi ke utara di Kanada adalah menjelajah ke dalam kehampaan, dan Nanook of the North sangat terkesan dengan isolasi Romantis itu dan tampilannya di film.

Pada tahun 1910, Flaherty pergi ke daerah Teluk Hudson untuk mencari — dia membuat peta dan melihat apa yang ada di sana. Dia diberi kamera Bell & Howell 16mm, dan didorong untuk merekam hal-hal yang tidak diketahui. Jadi dia mengumpulkan dan kemudian kehilangan cakupan tiga puluh ribu kaki ketika sebatang rokok yang dia hisap membakar stok film nitrat. Tapi dia sangat tertarik dengan perusahaan tersebut dan pada 1920–21 dia kembali, didanai oleh Revillon Frères Fur Company, dengan dua kamera yang lebih canggih. Apa yang dia inginkan atau harapkan? Dia tidak tahu — penjelajah dan peramal jarang tahu.

Pada Agustus 1920, Flaherty berada di Port Harrison di Quebec bagian utara bermaksud untuk memfilmkan kehidupan suku Inuit. Saat dia berangkat, dia melakukan ini demi kepentingannya sendiri dalam semangat penyelidikan. Tapi dia tidak bisa tetap berpikiran terbuka. Dia melihat Inuit dan kesederhanaan epik dalam hidup mereka (itu belum tentu apa yang mereka rasakan) dan tantangan tanpa akhir untuk bertahan hidup. Itu berarti menemukan ikan, anjing laut, atau walrus untuk dimakan, dan menghindari beruang kutub, cuaca dingin yang menghancurkan, kelaparan, penyakit, dan kurangnya apa yang kita sebut introspeksi.

Flaherty memuja "bangsawan biadab" ini — Anda bisa merasakannya dalam senyum kokoh Nanook ke kamera dan dalam upaya para nomad berpakaian bulu ini untuk mematuhi alam yang mengerikan. Apalagi Flaherty mengembangkan filmnya di lokasi dan kemudian mempertunjukkannya ke masyarakat Inuit. Dia menyukai air, salju, dan pemandangan sosok-sosok yang sendirian berjalan dengan susah payah. Tapi dia curang: dia tidak bisa menahannya karena dia menyukai gagasan orang-orang ini dan tahu terlalu sedikit tentang pemikiran mereka. Namun kami memujanya sebagai penemu realitas.

Bagaimana dia menipu? Dia memilih Inuit untuk menjadi "Nanook" —nama Allakariallak, yang tidak ada dalam judul film. Dia mulai membuat skenario untuk Nanook: pada tahun 1920, Inuit yang asli memiliki senapan untuk mendapatkan makanan, tetapi Flaherty berkata, tolong, gunakan tombak, tombak, busur, dan anak panah seperti yang mungkin dilakukan oleh bangsawan biadab. Dia meminta keluarganya untuk melakukan hal lucu "Berapa banyak Inuit yang muat dalam kayak?" rutin. Ada adegan lain saat Nanook dan kawan-kawan datang ke "pos perdagangan". Di sanalah Nanook melihat gramofon dan — dalam film — mengambil rekaman dan mencoba memakannya, dengan cara yang akan membuat penonton senang, "Oh, orang-orang liar yang tidak bersalah ini!" Itu pasti menjadi momen tawa yang luar biasa di tahun 1922, tapi Allakariallak sudah tahu betul apa itu rekor. Jadi dia bertindak untuk film Flaherty dan menyeringai ke kamera untuk menunjukkan bahwa dia bisa mengambilnya. Tidak ada yang tahu berapa, tapi orang-orang ini dibayar untuk menjadi nyata.

Mengenai pembangunan igloo — sebuah peristiwa set-piece — Flaherty menyadari bahwa dia tidak bisa mendapatkan kamera dan lampu di dalam rumah es, jadi dia membangun igloo “set” dan memfilmkannya seperti itu. Kenapa tidak? Apa yang akan kamu lakukan? Tapi di sepanjang film, ada kompromi-kompromi ini. Dan tentunya hampir seratus tahun kemudian kita perlu berterus terang tentang mereka, bahkan jika Nanook memiliki status sakral sebagai silent classic.

Apakah hal ini penting? Tentu saja begitu, tetapi tidak menyimpang dari jalannya, pada tahun 1922, Nanook of the North tampak seperti ledakan dingin dari tempat-tempat di luar jangkauan atau pemahaman biasa. Gambar tersebut memiliki orisinalitas yang dimiliki gambar-gambar dari Bulan pada tahun 1969, dan setiap film berhak untuk dinilai terlebih dahulu dalam suasana pembukaannya. Apa pun penyesuaian faktanya, Flaherty sangat memperhatikan gurun salju yang berangin, karena keributan di permukaan seperti musik yang mengusir kesunyian, dan wahyu bahwa orang-orang tinggal di sini. Bahkan sebagai "Nanook", Allakariallak adalah yang asli. Kulit wajahnya menunjukkan kehidupan yang terbuka, dan tidak ada yang palsu dalam keteguhan fisik yang membuatnya disayangi oleh dunia.

Penonton kagum pada perjuangannya untuk mengangkut seekor walrus dari laut atau anjing laut dari lubang memancing. Mereka mengerti bagaimana membangun igloo dan mereka adalah penyembah pahlawan yang bahagia dalam merenungkan Inuit saat mereka menggerogoti daging mentah dan berpegangan pada kehangatan di bawah bulu dan selimut. Flaherty sedang membuat potret untuk konsumsi publik, tetapi dia sendiri telah berada di sana selama berbulan-bulan dan bertahun-tahun, akan hidup di "padang gurun" dan meninggalkan istrinya, Frances, di belakang (mereka menikah pada tahun 1914).

Tapi karena kami menghormati cara Nanook menggerakkan orang pada tahun 1922 — dan film itu menjadi sensasi di seluruh dunia karena belum pernah ada film nonfiksi sebelumnya — tetap saja kami harus mengakui kekurangannya. Beberapa adegan yang paling mengharukan adalah tentang keluarga Nanook, tidur bersama di igloo yang harus berada di bawah titik beku agar dindingnya tidak meleleh. Saat kami melihat mereka bangun dan berpakaian (berlatih, tidak diragukan lagi), kami melihat payudara telanjang istri Nanook. Ini tidak cabul; itu jauh dari eksploitasi. Namun, istri — karakter bernama Nyla — bukanlah istri dari Nanook atau Allakariallak. Dia adalah nyonya Flaherty saat dia tinggal di utara. Ada wanita lain di film itu, Cunayou, dan dia juga kekasih Flaherty.

Kita tidak perlu kaget: sutradara film terkadang tidur dengan aktris selama pengambilan gambar di lokasi. Tetapi situasi ini lebih rumit. Seperti yang dijelaskan oleh akademisi Inggris Melanie McGrath dalam bukunya tahun 2006, The Long Exile: A True Story of Deception and Survival Among the Inuit of the Canadian Arctic, wanita yang memerankan Nyla — kami pikir namanya adalah Alice Nuvalinga — memiliki seorang anak dari Flaherty , seorang putra bernama Josephie, yang hidup dari tahun 1921 hingga 1984. Sebaliknya, sutradara film tidak pernah mengakui anak ini atau memilih untuk menjawab pertanyaan tentang dia. Pada 1950-an, setelah kematian Flaherty, putra itu berada dalam kelompok Inuit yang secara paksa dipindahkan dari tanah air mereka oleh pemerintah Kanada dan dikirim untuk tinggal di tempat yang lebih suram jauh di utara.

Sejarah versi McGrath tidak terbukti tanpa keraguan, karena wilayah itu dan kehidupan di sana lebih terbuka untuk kamera film daripada penyelidikan yudisial yang cermat. Bukan akhir dunia jika sutradara film berperilaku buruk, tetapi demi kepentingan proses yang kita sebut dokumenter, terserah kita untuk melihat bukti dengan cermat. Nanook of the North adalah judul yang dikenal jutaan orang yang belum pernah menonton filmnya. Itu berasal dari zaman lain: Flaherty disetujui Kerajaan Inggris. Hanya dalam tujuh puluh sembilan menit, itu adalah pengalaman yang menarik dan konfrontasi dengan hutan belantara sekuat The Revenant. Tapi teori "bangsawan biadab" terus diuji ulang, karena kebiadaban adalah hak kesulungan setiap orang seperti bangsawan bisa menyalahgunakan kerinduan kita untuk dihormati.

Sumber: Silentfilm