Duduk di persimpangan antara jazz, R&B, gospel dan musik country, lagu-lagu terbaik Ray Charles menciptakan musik soul seperti yang kita kenal.
Ray Charles Robinson, yang dikenal dunia sebagai Ray Charles, lahir di Albany, Georgia, pada 23 September 1930, dan belajar bermain piano pada usia ketika sebagian besar anak-anak berada di sekolah bayi. Sama baiknya dia melakukannya, karena penglihatannya memudar menjadi kebutaan total pada saat dia berusia tujuh tahun. Ibu Charles memberinya sekolah yang bersedia menerima anak kulit hitam yang buta dan miskin, dan sementara di sana, dia belajar bermain piano klasik bersama blues dan jazz yang sudah bisa dia bawakan. Sebagai calon musisi profesional remaja di Seattle, Los Angeles dan Miami, Charles menata karyanya setelah rekaman jazz awal yang halus dari Nat King Cole, tetapi dengan R&B ia menerobos ke tangga lagu, dengan singel dirilis di beberapa label kecil, merayap menuju formula yang akan menghasilkan lagu-lagu Ray Charles terbaik.
Charles menandatangani kontrak dengan Atlantic Records pada tahun 1952, dan dengan mantap memantapkan dirinya sebagai jenis artis yang berada di ujung tombak, merekam R&B yang lebih seperti musik soul yang belum ditemukan; memotong blues seperti jazz dan bahkan soul yang country. Ditandai "The Genius", Brother Ray menjadi raksasa tangga lagu pop, bos tangga lagu Hitam, dan legenda abadi. Sementara status grafiknya agak memudar di pertengahan hingga akhir 60-an dan dia berjuang dengan kecanduan narkotika, dia tetap menjadi kekuatan artistik di atas panggung dan rekaman, dan menjalankan label rekamannya sendiri. Kehidupannya yang luar biasa dibuat menjadi film Hollywood, Ray, pada tahun 2004, tahun dia meninggal.
Ini hanya 20 catatan fantastisnya, sebagian besar dibuat di tahun 50-an dan di awal tahun 60-an, yang mengingatkan kita pada apa yang diberikan pria brilian ini kepada kita semua.
20. I Got A Woman (1954)
Dirilis pada tahun 1954, I Got A Woman (alias I've Got A Woman) tetap kontemporer. Itu telah diliput oleh semua orang mulai dari Elvis hingga The Beatles hingga Dire Straits, digunakan sebagai dasar untuk Penggali Emas Kanye West, dan sangat relevan dengan telinga modern sehingga "dipinjam" untuk bajakan "edit disko" beberapa tahun yang lalu. Salah satu blok bangunan musik soul, itu berdiri sebagai salah satu lagu Ray Charles terbaik sepanjang masa, dan menemukan penyanyi menderu pujian seorang wanita atas melodi dan dukungan yang langsung keluar dari musik gospel (dia mengambil beberapa dari melodi dari The Southern Tones' It Must Be Jesus). Mengapa wanita yang dibicarakannya dari luar kota? Apakah ini tanda cinta antara ras yang berbeda, benar-benar tabu di Amerika tahun 50-an? Ray selalu menjadi pionir…
19. Mary Ann (1956)
Inilah lagu dengan arus bawah yang tampaknya tidak benar. Ada banyak lagu tentang Mary Ann yang misterius – kata sandi untuk mariyuana. Ray tidak asing dengan kesenangan dan bahaya narkotika, tetapi permata ini dikatakan tentang Mary Ann Fisher, kekasih Ray, yang merupakan salah satu vokalis pendukungnya, The Raelettes. Campuran Mary Ann dari Latin, rhythm'n'blues dan jazz memberi Ray chart R&B pertamanya No.1 pada tahun 1956.
18. Let the Good Times Roll (1960)
Awalnya menjadi hit untuk Louis Jordan di tahun 40-an, lagu ini sangat terkenal sehingga tampak seperti klise – sampai Anda mendengar vokal Ray yang menggetarkan, yang membuatnya terdengar lebih hidup daripada orang lain di dunia pada tahun 1960. Lagu solo saksofon yang sama bertenaganya adalah milik David "Fathead" Newman, yang menghabiskan waktu bertahun-tahun sebagai pemain unggulan di band milik Ray serta membuat banyak rekaman bagus untuk Atlantic dengan caranya sendiri.
17. Mess Around (1953)
Ditulis oleh presiden Atlantic Records Ahmet Ertegun, tetapi dengan asal-usul yang berasal dari satu abad yang lalu, Mess Around adalah groover yang bersemangat dan didorong oleh boogie yang menandai kesuksesan besar pertama Ray untuk label tersebut, mencapai No.3 di chart R&B. Apa, tidak ada hit pop? Sama sekali tidak: bagaimana mungkin artis kulit hitam yang bernyanyi tentang "bermain-main" bisa diputar di stasiun-stasiun pop tahun 1953? Itu masih menggetarkan sebagai salah satu lagu Ray Charles terbaik, dengan The Genius terdengar terlibat dan benar-benar hidup.
16. I Can See Clearly Now (1977)
Versi soul yang brilian dan grooving dari hit Johnny Nash, dari album yang menandai kembalinya Ray ke Atlantic Records pada tahun 1977, True To Life (Ray selalu membuatnya nyata). Meskipun mungkin tidak diartikan secara harfiah, vokal meyakinkan Charles bisa membuat Anda lupa bahwa artis hebat ini buta.
15. Rockhouse [Part 1 and 2] (1959)
Dikeluarkan sebagai single dua bagian yang tersebar di kedua sisi rekaman (format yang akan segera diadopsi oleh James Brown), Rockhouse adalah instrumen piano R&B yang tampak sederhana – menipu karena tusukan klakson tidak hanya pada ketukan pertama pada bilah; setiap detik berada pada nada setengah dari bilah keempat, memberikan nada kualitas jazzy yang bergerigi. Secara bersamaan keren dan edgy, ini adalah hit berukuran wajar pada tahun 1958. Dua puluh delapan tahun kemudian, kuartet vokal Manhattan Transfer merilis Ray's Rockhouse, di mana mereka memberi penghormatan kepada entri ini di antara lagu-lagu Ray Charles terbaik.
14. Hallelujah I Love Her So (1956)
Ray mengulangi perasaan I Got A Woman dalam perayaan wanita lain dari tahun 1956 ini – hanya saja kali ini dia tinggal di sebelah, bukan di seberang kota. Perhatikan penggunaan “haleluya” – kasus lain dari materi Injil yang memenuhi kebutuhan Ray.
13. I'm Movin' On (1959)
Ray Charles terkenal sebagai artis kulit hitam yang juga merekam musik country, dan I'm Moving On tahun 1959 adalah contoh awal dari ini, dengan penyanyi menambahkan nuansa Latin yang keren ke versinya. Lagu tersebut, bagaimanapun, merintis dengan caranya sendiri, karena merupakan lagu blues yang ditulis dan direkam oleh penyanyi country, Hank Snow, dan menjadi lagu Snow yang paling banyak di-cover. Apakah ada yang melakukannya lebih baik dari Ray?
12. Drown In My Own Tears (1956)
Ditulis oleh Henry Glover, salah satu tokoh backroom Black pertama yang menggunakan kekuatan nyata di industri musik, Down In My Own Tears adalah hit R&B besar-besaran untuk Ray pada tahun 1956. Sekarang jelas bahwa Ray adalah raksasa musik Hitam: Tugas Atlantic Records mulai saat ini adalah menemukan cara untuk membuatnya menjadi bintang pop juga.
11. [Night Time Is] The Right Time (1958)
"Night Time is the right time" adalah sentimen yang telah ada sejak tahun 30-an dalam berbagai inkarnasi. Nappy Brown mengadaptasi judul ke dalam lagu ini dan memotong versi bagusnya pada tahun 1957, dan Ray melihat potensinya dan memotong versi beraninya sendiri ke template Brown. Versi Ray direkam dengan band yang lebih besar, dan suara berapi-api Margie Hendrix, dari The Raelettes, dengan penuh perasaan menegaskan pesan lagu tersebut. Bukan hit pop besar – itu dianggap terlalu sugestif untuk penonton kulit putih tahun 1958 – (Night Time Is) The Right Time adalah hit R&B besar, dan menarik sampul dari James Brown, Aretha Franklin dan Etta James. Tak satu pun dari mereka cukup menyulap urgensi nokturnal panas versi ini, yang lebih dari mendapatkan tempat di antara lagu-lagu Ray Charles terbaik.
10. Hit the Road Jack (1961)
Dan jangan kembali lagi… Dengan akord yang menurun tanpa henti dan nyanyian Ray yang kaget dan putus asa, lagu Percy Mayfield menjadi semacam lagu kebangsaan tahun 1961 dan No.1 AS. Ray terdengar seperti dia tahu apa itu penolakan, dan versinya tetap definitif, meskipun banyak dibuat ulang oleh artis lain.
9. Get On the Right Track Baby (1958)
Sebuah twist liris membuat lagu nakal ini lebih menarik daripada yang mungkin terjadi: Ray ingin istrinya pulang – untuk melakukan kesalahan lagi. Dibutuhkan segala macam. Salah satu lagu Ray Charles terbaik di akhir 50-an, dirilis sebagai sisi-B tetapi seharusnya menjadi hit.
8. Don't Let the Sun Catch You Cryin' (1959)
Bukan hit Gerry And The Pacemaker, tapi sama elegannya. Ditulis oleh Joe Greene dan pertama kali direkam oleh Louis Jordan, Ray memotong versi lembut yang indah ini pada tahun 1959, suaranya yang hangat disertai dengan bagian piano jazzy yang lembut. Sebuah hit sederhana ketika dirilis pada tahun 1960, Don't Let The Sun Catch You Cryin 'seharusnya jauh lebih besar.
7. A Fool For You (1955)
Ray membuat begitu banyak rekor brilian di tahun 50-an, tidak mengherankan jika kekuatan emosional dari pertunjukan seperti A Fool For You tahun 1955 agak diabaikan. Dengan mudah memegangnya sendiri di antara lagu-lagu terbaik Ray Charles, Ray menulisnya, merekamnya dengan gaya blues yang mengarah ke soul, dan para penggemarnya memainkannya: tanpa menyentuh tangga lagu pop, lagu itu menduduki No.1 di tangga lagu R&B AS . Tidak sulit untuk mendengar alasannya.
6. Give the Poor Man A Break (1978)
Meskipun status grafik Ray turun saat tahun 60-an berlalu, sekali jenius, selalu jenius: dia sangat mampu membuat rekor luar biasa sepanjang karirnya yang panjang. Ray kembali ke Atlantic Records pada tahun 1977, setelah 17 tahun dihabiskan di tempat lain, dan album keduanya selama mantra ini, Love & Peace, kontemporer, jenaka dan cerdas. Give The Poor Man A Break dikomposisikan oleh Jimmy Lewis yang brilian, seorang penyanyi-penulis lagu yang membantu Ray tetap dalam materi yang luar biasa selama bertahun-tahun, dan Ray senang membawakan lirik lagu yang sangat tajam. Fatboy Slim mencicipinya di rekornya dengan judul yang sama, tetapi potongan Ray tidak dapat dikalahkan.
5. Just For A Thrill (1959)
Ray bertemu dengan orkestra gesek penuh dan mendukung rekaman tahun 1959 yang bekerja dengan sempurna. Suaranya adalah alasan mengapa: selalu jujur, berpasir dan sangat manusiawi, itu membuat semuanya jujur dan sangat nyata.
4. Yes Indeed!! (1958)
Ray dan grup vokal wanita The Cookies membawa kami ke gereja dengan nugget antik era ayunan Sy Oliver tahun 1958 yang menggugah ini. Berganti nama menjadi The Raelettes, The Cookies kemudian menjadi penyanyi latar Ray; ketika Anda mendengar ini, Anda mengerti mengapa. Entah bagaimana, rekaman hebat ini lolos dari tangga lagu, namun tetap menjadi salah satu lagu Ray Charles terbaik sepanjang masa.
3. Tell the Truth (1960)
Dipotong pada tahun 1960, Tell The Truth menjadi hit di klub London di mana mod prototipe mencoba tarian baru untuk itu, meskipun kemudian dirilis pada album kompilasi berjudul Do The Twist! Dengan Ray Charles. Suara wanita luar biasa yang membawakan sebagian besar lagu milik Margie Hendrix. Kecemerlangannya menghasilkan yang terbaik di Ray, karena vokal penutupnya sama liar dan menjerit seperti yang pernah dia sampaikan.
2. I Believe to My Soul (1959)
Ray dan piano elektriknya yang perintis mendapatkan nada blues yang memilukan ini – meskipun liriknya mengandung pengaruh gereja Hitam, musiknya menunjuk ke neraka musik soul yang akan datang. Mengejutkan bahwa mahakarya ini hanyalah B-side pada tahun 1959, tetapi mungkin terlalu dalam untuk menjadi single hit saat itu.
1. What'd I Say (1959)
Salah satu lagu R&B paling berpengaruh yang pernah ada, dan batu fondasi musik soul, What'd I Say diadopsi oleh lusinan band Inggris di awal tahun 60-an untuk membuat penonton tergila-gila pada akhir yang mendebarkan. Mereka memiliki selera yang bagus, tetapi versi mereka tidak akan pernah bisa melampaui versi asli Brother Ray, yang direkam pada tahun 1959 dan menduduki puncak daftar lagu-lagu Ray Charles terbaik kami dengan mudah. What'd I Say diimprovisasi di sebuah pertunjukan pada tahun 1958 ketika Ray dan bandnya kehabisan materi – sebuah peristiwa yang tidak mungkin terjadi, karena Ray adalah manusia Spotify, dengan lebih banyak nada di ujung jarinya daripada yang pernah didengar kebanyakan telinga. Apa pun motifnya, dia meminta bandnya untuk mengikutinya, dan bagian panggilan dan tanggapan dari penyanyinya, The Raelettes, mengubah sejarah musik. Sugestif, kuat dan intens, namun membawa gema gereja yang berbeda, itu membawa suara Hitam yang bangga ke audiens yang sama sekali baru.
Jika Anda seorang fanatik Broadway, sekarang secara resmi adalah waktu favorit Anda sepanjang tahun: musim Tony Awards!
Penghargaan tertinggi industri teater, yang dipersembahkan di New York City setiap tahun pada bulan Juni oleh American Theatre Wing dan Broadway League, adalah hadiah utama bagi seniman dan aktor yang menginjak papan. Untuk memenangkan Tony adalah untuk mendapatkan cap tidak seperti yang lain, perbedaan yang menandakan puncak stagecraft seperti yang dilakukan Emmy untuk televisi dan Oscar untuk film.
Backstage telah mengumpulkan cetakan halus pada upacara penghargaan favorit setiap thespian, seluk beluk pencalonan dan pemungutan suara, dan bagaimana seorang seniman teater dapat memenangkannya. Pertama, dasar-dasarnya: Antoinette Perry Awards for Excellence in Theatre dinamai menurut artis terkenal dan salah satu pendiri Wing, organisasi nirlaba yang didedikasikan untuk melestarikan dan mengembangkan bentuk seni. Patung itu terdiri dari medali yang diposisikan pada putar. Legenda panggung Harold Prince memiliki rekor untuk sebagian besar patung Tony atas namanya, dengan 21. Audra McDonald memegang perbedaan pemain yang paling banyak didekorasi dengan enam Tony (dan satu-satunya aktor yang menang di keempat kategori yang tersedia), meskipun Julie Harris juga mengklaim enam, menghitung Prestasi Seumur Hidupnya dalam kehormatan Teater. “The Producers” adalah produksi pemenang dengan 12 Tony, sementara dua tahun lalu “Hamilton” memecahkan rekor acara itu untuk nominasi terbanyak, menghasilkan 16.
Seperti yang dinyatakan oleh Wing, “Tony Awards tetap menjadi penghargaan tertinggi di teater Amerika, memerintahkan pengakuan teater sebagai bentuk seni yang relevan dengan waktu untuk memajukan budaya nasional dan pengalaman pribadi manusia.” Inilah hampir semua hal lain yang pernah Anda pikirkan tentang Tony Awards yang bersejarah — termasuk bagaimana Anda bisa bergabung dengan barisan orang-orang hebat itu.
Kapan Tony Awards dimulai?
Aktor, sutradara, dan produser Antoinette Perry meninggal pada tahun 1946; untuk menghormatinya, sebuah penghargaan didirikan atas namanya sebagai pengakuan atas usahanya yang tak kenal lelah dalam mendukung dan mempromosikan teater terbaik negara itu. Meskipun tahun ini menandai upacara ke-72, sejarah keluarga Tony membentang lebih dari 100 tahun; American Theatre Wing didirikan pada tahun 1917 oleh tujuh hak pilih, awalnya menamai perusahaan tersebut sebagai Stage Women's War Relief untuk mengumpulkan dana bagi pasukan Amerika dalam perjalanan mereka berperang dalam Perang Dunia I.
Wing pertama kali bergabung dengan Broadway League untuk mengelola Tonys pada tahun 1967, tahun pertama upacara tersebut mendapatkan siaran nasional. Sejak itu, acara tersebut dipandu oleh pemenang Tony seperti Neil Patrick Harris, Glenn Close, Hugh Jackman, Nathan Lane, dan Angela Lansbury lima pewaktu.
Produksi teater dan artis apa yang memenuhi syarat?
Jawaban singkat untuk pertanyaan ini sederhana: Pertunjukan Broadway! Tanggal batas menjelang akhir April menunjukkan akhir musim, yang berarti setiap produksi yang dibuka setelah itu pada apa yang dianggap Broadway memenuhi syarat untuk Tony Awards berikutnya.
Daftar 41 rumah Broadway yang memenuhi syarat saat ini telah ditentukan oleh Komite Administrasi Tony Awards, sebuah kelompok yang terdiri dari perwakilan dari American Theater Wing dan Liga Broadway, serta Asosiasi Ekuitas Aktor, Persatuan Drama, United Scenic Artists, dan Panggung Komunitas Direksi dan Koreografer. Jika sebuah produksi ditampilkan secara teratur di salah satu teater tersebut dengan malam pembukaan yang ditentukan pada atau sebelum tanggal batas akhir, dan produsernya mengundang komite Administrasi dan menyerahkan dokumen yang diperlukan, produksi itu secara otomatis sedang berjalan.
Untuk kategori Tony yang kompetitif, pertanyaan tentang kelayakan setiap produksi ditentukan oleh panitia secara berkala sepanjang tahun. Kelayakan produksi sebagai "baru" atau "kebangkitan" secara historis telah diperdebatkan di pertemuan semacam itu (seringkali karya yang dihasilkan yang tidak pernah tunduk di Broadway, misalnya, dapat mengarah ke area abu-abu yang kontroversial). Seringkali, artis yang terdaftar di atas dan di bawah judul pada program cetak resmi acara adalah pesaing untuk kategori aktor "terkemuka" dan "unggulan".
Siapa yang memilih Tonys?
Setiap tahun komite juga memilih sekitar 50 profesional yang dirotasi ke dalam Komite Pencalonan Tony Awards, sebuah kelompok yang selalu diharapkan untuk melihat setiap pertunjukan Broadway yang memenuhi syarat dan bertemu segera setelah batas waktu untuk menominasikan artis dan produksi melalui pemungutan suara rahasia.
Kemudian, setelah pengumuman pencalonan pada awal Mei, prosesnya jatuh ke pemilih. Tahun lalu, sekitar 800 anggota komunitas teater New York—aktor, penulis, sutradara, desainer, manajer, sutradara casting, dan staf administrasi—memilih pemenang mereka. Sebuah kantor akuntan yang mengelola pemungutan suara membuat tabulasi surat suara rahasia dalam upaya untuk menjaga agar hasilnya tetap mengejutkan sampai upacara.
Siapa dan apa yang dihormati oleh keluarga Tony?
Meskipun daftarnya telah berubah selama bertahun-tahun, menambah, mengurangi, dan memberi judul kembali pada berbagai kategori, berikut adalah setiap penghargaan yang diberikan selama upacara tahunan Tonys:
Musik Terbaik
Kebangkitan Musikal Terbaik
Arahan Musikal Terbaik
Buku Musikal Terbaik
Permainan Terbaik
Kebangkitan Permainan Terbaik
Arahan Permainan Terbaik
Penampilan Terbaik oleh Pemeran Utama dalam Drama
Penampilan Terbaik oleh Aktor Unggulan dalam Drama
Penampilan Terbaik oleh Pemeran Utama dalam Musikal
Penampilan Terbaik oleh Aktor Unggulan dalam Musikal
Penampilan Terbaik oleh Aktris Utama dalam Drama
Penampilan Terbaik oleh Aktris Unggulan dalam Drama
Penampilan Terbaik oleh Aktris Utama dalam Musikal
Penampilan Terbaik oleh Aktris Unggulan dalam Musikal
Skor Asli Terbaik
Orkestrasi Terbaik
Koreografi Terbaik
Desain Pemandangan Terbaik dari Musikal
Desain Kostum Musikal Terbaik
Desain Pencahayaan Terbaik dari Musikal
Desain Suara Musikal Terbaik
Desain Pemandangan Terbaik dari sebuah Drama
Desain Kostum Terbaik dari sebuah Drama
Desain Pencahayaan Terbaik dari sebuah Drama
Desain Suara Terbaik dari sebuah Play
Sejumlah patung nonkompetitif juga dipilih oleh Komite Administrasi Tony Awards setiap tahun: Regional Theatre Tony Award (berdasarkan rekomendasi dari American Theatre Critics Association), Isabelle Stevenson Award yang mengakui pekerjaan kemanusiaan, Lifetime Achievement Award, dan penghargaan khusus lainnya. kehormatan. Sejak 2015, Carnegie Mellon University telah bersama-sama mempersembahkan Excellence in Theatre Education Award kepada seorang pendidik Amerika.
Bagaimana saya bisa memenangkan Tony?
Seperti halnya penghargaan besar lainnya, bahan-bahan yang biasa dibutuhkan untuk menang: kerja keras dan pelatihan, ketekunan dalam menghadapi penolakan, kemampuan untuk mengenali dan memanfaatkan peluang, dan sedikit keberuntungan. Sejauh kemenangan semacam itu dapat dipecah menjadi beberapa langkah, berikut adalah jalan dari setiap pemenang Tony Award di masa depan:
Latih, latih, asah keahlian panggung Anda (jika Anda seorang aktor teater musikal, pelajari suara dan menari!)
Audisi—banyak
Biasakan diri Anda dengan pemain kekuatan terbesar komunitas teater NYC, dan jaringan bila memungkinkan dengan produser Broadway dan sutradara casting
Dapatkan peran hebat dengan bantuan sutradara casting hebat itu
Dapatkan agen teater
Bekerja—banyak
Dapatkan peran dalam pertunjukan yang terikat Broadway!
Ace Combat adalah franchise yang panjang dan bertingkat dengan banyak permainan yang berasal dari tahun 90-an. Seperti kebanyakan franchise yang telah ada selama ini, Ace Combat telah mengalami pasang surut. Untungnya entri terakhirnya, Ace Combat 7: Skies Unknown, membawa seri ini kembali ke ketinggian yang menjadi dasarnya. Setelah maraton setiap game dalam seri yang masih dapat dimainkan selama sebulan terakhir, inilah saatnya untuk memberi peringkat setiap game dalam seri dari yang terburuk hingga yang terbaik! Perhatikan bahwa ada judul yang hilang dari daftar seperti rilis ponsel, game arcade, dan sekarang mematikan Ace Combat: Infinity. Ace Combat 3 versi Jepang juga tidak ada karena belum mendapatkan salinan game itu.
13. Ace Combat: Joint Assault (2010)
Ace Combat: Joint Assault adalah game kedua dalam franchise yang dirilis untuk Sony PSP. Seperti pendahulunya yang jauh lebih baik, Ace Combat X: Skies of Deception, kontrol memiliki sedikit kurva belajar berkat penghapusan tombol L2 dan R2. Setelah Anda menurunkan kontrol, Anda akan disuguhi aksi terbang hebat yang sama dengan seri yang dikenal. Sayangnya, hanya itu yang dilakukan Ace Combat: Joint Assault. Misi yang hambar dan membosankan, cerita konyol yang melibatkan penipuan asuransi dan banyak contoh kesulitan palsu yang mengganggu benar-benar menyeret entri ini. Oh, itu juga tidak diatur di Strangereal sehingga tidak ada koneksi ke pengetahuan seri. Sejujurnya, satu-satunya hal yang patut dicoba dalam game ini adalah misi di mana Anda harus menerbangkan 747 melalui ngarai sambil ditembak oleh musuh.
12. Ace Combat 3: Electrosphere (1999)
Ace Combat 3: Electrosphere dianggap oleh banyak orang sebagai salah satu entri terbaik dalam seri ini. Ini memperkenalkan lebih banyak cerita, misi, dan obrolan radio ke seri yang akan menjadi bagian inti dari apa yang membuat game Ace Combat menjadi game Ace Combat. AC3 juga memperkenalkan beberapa jalur cerita bercabang yang tidak akan pernah terlihat seperti ini di franchise lagi. Jadi kalau AC3 itu berpengaruh dan penting kenapa peringkatnya rendah? Sederhana, rilis game di Amerika Utara telah dilucuti dari hampir setiap aspek yang membuat rilis Jepang asli begitu hebat. Lewatlah sudah jalur cerita bercabang, cutscene anime, obrolan radio, dan penceritaan yang koheren. Hal-hal menjadi lebih buruk untuk versi Eropa karena bahkan soundtrack yang bagus akan dihapus. Pada akhirnya kita hanya memiliki cangkang kosong dari permainan yang dulunya hebat.
11. Ace Combat: Assault Horizon (2011)
Dianggap oleh banyak orang sebagai entri terburuk dalam franchise, untuk alasan yang baik, Ace Combat: Assault Horizon adalah titik terendah yang serius untuk franchise. Sekali lagi melupakan pengaturan Strangereal dari game sebelumnya untuk dunia nyata AC:AH tidak banyak membuat Anda peduli tentang apa yang terjadi pada karakter. Mengambil pendekatan Call of Duty untuk gameplay dan story telling, seperti yang biasa terjadi pada game di awal 2010, kami disuguhi pengalaman yang mencoba untuk menjadi mencolok dan di wajah Anda tetapi dengan substansi yang sangat sedikit. DFM mengambil kendali dari Anda untuk terlibat dalam pertempuran udara di rel. Segmen penembak pintu terasa seperti dicabut langsung dari salah satu game Call of Duty: Modern Warfare. Bahkan tagline “Make Metal Bleed” pun begitu, sob-bro, aku ingin melupakannya. Tentang satu-satunya aspek penebusan AC:AH datang dari misi Helikopter yang disertakan yang sangat menyenangkan untuk dimainkan. Serius Bandai Namco jika Anda membuat permainan Helikopter murni seperti misi yang ditemukan di AC: AH saya akan membelinya dalam sekejap, Itu tidak memiliki tempat di franchise Ace Combat.
10. Ace Combat Advance (2005)
Perilisan Ace Combat: Advance tahun 2005 adalah pertama kalinya seri ini dibawa ke konsol portabel. Seperti judulnya Ace Combat: Advance dirilis di Gameboy Advance dan karena perangkat keras yang terbatas, desain game dasarnya berbeda dari setiap entri lainnya. alih-alih penerbangan 3D penuh AC:A menggunakan perspektif dari atas ke bawah untuk aksinya. Ini sangat berbeda dan sama sekali tidak spektakuler tetapi itu membuat pemborosan waktu yang hebat. Sampai Anda mengetahui cara memainkannya dengan benar, itu mungkin juga merupakan game Ace Combat yang paling sulit. Setelah Anda memahami bagaimana semuanya bekerja, Anda dapat menyelesaikan semuanya dalam waktu kurang dari 2 jam. Fakta menyenangkan, ini adalah satu-satunya game dalam seri yang tidak pernah dirilis di Jepang.
9. Ace Combat: Assault Horizon Legacy (2012)
Ini adalah kedua kalinya Ace Combat menghiasi perangkat genggam Nintendo dengan merilis Ace Combat: Assault Horizon Legacy. Berbeda dengan versi konsol Ace Combat: Assault Horizon, Legacy melakukan apa yang tersirat dari judulnya dengan pandangan tradisional tentang Ace Combat. Selain kembalinya gameplay yang tepat yang hilang dari AC:AH, Legacy juga kembali ke pengaturan Strangereal karena merupakan remake penuh dari Ace Combat 2! Kontrolnya sangat mirip dengan yang ditemukan di kedua versi PSP tetapi, Circle Pad Pro atau New Nintendo 3DS/2DS akan menyediakan pengaturan kontrol tradisional. Ada manuver baru yang diperkenalkan dalam game ini, tetapi mereka dapat dimatikan untuk menawarkan pengalaman yang sepenuhnya tradisional jika Anda mau. Secara keseluruhan, ini adalah salah satu cara terbaik untuk mengalami Ace Combat saat bepergian!
8. Air Combat (1995)
Ace Combat asli! Ketika dilokalkan di luar Jepang, serial ini diberi nama Air Combat. Meskipun menjadi yang tertua dalam seri dan game PlayStation awal, Air Combat tidak terlihat buruk bahkan hingga hari ini. yakin hampir tidak ada tekstur tanah atau pemodelan tetapi game ini masih menyenangkan untuk dimainkan. Banyak jenis misi lahir dengan entri pertama dalam seri ini termasuk penerbangan ngarai dan pertempuran melawan senjata super udara yang kuat. Satu-satunya hal yang menjaga Air Combat dari peringkat lebih tinggi dalam daftar ini adalah kontrol digital saja. Penerbangan cenderung tidak tepat yang mengarah ke beberapa momen yang membuat frustrasi ketika mencoba mengatur tembakan. Jika Anda mendapatkan kesempatan, Pasti coba yang ini!
7. Ace Combat 6: Fires of Liberation (2007)
Entri HD pertama dalam franchise Ace Combat juga melihat seri meninggalkan konsol rumah Sony untuk pertama kalinya. Ace Combat 6 masih merupakan permainan yang benar-benar indah untuk dilihat hari ini dengan banyak model dan tekstur pesawat berkualitas tinggi. AC6 juga menampilkan lebih banyak target dan zona pertempuran yang lebih besar daripada yang pernah ada di franchise. Dengan jumlah misi yang lebih sedikit secara keseluruhan, panjang setiap misi jauh lebih tinggi daripada permainan Ace Combat tradisional. Banyak misi menampilkan operasi terpisah yang dapat Anda bantu. Dengan menyelesaikan operasi, regu itu akan tersedia untuk membantu Anda mengalahkan musuh di area lain. Sejauh ini salah satu aspek paling keren dari AC6 adalah mengambil alih bandara selama beberapa misi untuk kemudian digunakan untuk memuat ulang dan memperbaiki pesawat Anda. Meskipun berhati-hatilah dengan musuh yang mungkin ada di area sekitarnya karena Anda akan menjadi bebek yang duduk saat lepas landas!
6. Ace Combat Zero: The Belkan War (2006)
Sebuah prekuel Ace Combat 5, Ace Combat Zero menceritakan peristiwa Perang Balkan. Meskipun tidak seberat Ace Combat 5, Ace Combat Zero memiliki beberapa mekanisme yang cukup rapi seperti Ace Style Gauge. Ace Style Gauge mengubah bagaimana hal-hal yang berbeda akan dimainkan selama permainan campaign Anda. Jika Anda memastikan untuk benar-benar menghancurkan target, Anda akan mendengar obrolan radio dari musuh tentang perilaku berdarah dingin Anda. AC:0 juga menekankan pada pertarungan dengan Aces saingannya. Tergantung pada Ace Style Gauge Anda, wawancara pasca misi dengan Aces ini juga akan berubah. Secara keseluruhan AC:0 memiliki banyak replayability dan harus dicoba! Juga, soundtrack itu!
5. Ace Combat X: Skies of Incursion (2009)
Ace Combat X: Skies of Deception adalah tradisi game Ace Combat pertama yang dibuat dengan tangan. Meskipun kontrolnya sulit untuk digunakan dengan kurangnya tombol L2 dan R2, gameplay masih merupakan kedudukan tertinggi. Pemikiran terbesar tentang ACX bagi saya berasal dari bagaimana struktur misinya diatur. Misi dikelompokkan menjadi satu tujuan keseluruhan, seperti merebut kembali ibukota. Namun, ada juga misi yang Anda mainkan sebelum mencapai tujuan utama yang mengubah cara pertempuran akan berlangsung. ini mengarah ke tingkat variasi yang tinggi di setiap permainan dengan setiap misi dapat memainkan salah satu dari 3 cara. ACX sangat mengingatkan pada Air Combat dan dengan mudah merupakan game Ace Combat portabel terbaik hingga saat ini!
4. Ace Combat 2 (1997)
Ambil semua gameplay luar biasa dari Air Combat dan buat lebih baik, itulah Ace Combat 2! Semuanya telah menerima peningkatan di AC2 dari medan yang dimodelkan dan bertekstur dengan benar, desain pesawat yang lebih baik hingga A.I. perbaikan. Kontrol analog juga telah diterapkan yang dapat dimanfaatkan dengan pengontrol Sony Dual Analog atau pengontrol DualShock. AC2 juga memiliki akhir rahasia tergantung pada bagaimana Anda memainkan permainan jadi jika Anda melewatkannya kembali dan putar ulang!
3. Ace Combat 7: Skies Unknown (2019)
Setelah 10 tahun permainan Ace Combat yang biasa-biasa saja hingga mengerikan, kami akhirnya disuguhi sekuel yang layak dan dibutuhkan franchise. Ace Combat 7 melihat franchise kembali ke akar yang didirikan dari Ace Combat 4/5 dengan cerita baru dan kembalinya ke Strangereal. AC7 juga menggunakan Unreal Engine yang menjadikannya game pertama dalam seri ini yang tidak berjalan pada mesin berpemilik yang dikembangkan khusus untuk seri tersebut. AC7 juga menampilkan beberapa kemunduran ke entri sebelumnya dalam franchise yang sangat menarik untuk dilihat. Pastikan untuk memeriksa ulasan lengkapnya di sini!
2. Ace Combat 04: Shattered Skies (2001)
Jika ada satu game yang dapat dikreditkan dengan membuat formula Ace Combat, itu adalah Ace Combat 04! AC4 memperkenalkan konsep strangereal untuk pertama kalinya dan juga membuat acara pemersatu yang akan menyatukan semua permainan, insiden Ulysses 1994XF04. AC4 juga memperkenalkan kami kepada Mobius One yang telah menjadi sangat populer sehingga dia mendapatkan campaign Cameo kecil di Ace Combat 5 dan Ace Combat 7! Menjadi game Ace Combat pertama yang dirilis di PlayStation 2 baru juga melihat peningkatan besar-besaran atas 3 pendahulunya dalam segala hal, tetapi terutama dalam tampilan dan nuansa permainan. AC4 juga pertama kalinya, setidaknya untuk Amerika Utara, kita harus mengalami cerita yang dimainkan melalui antara cutscene misi dan man are they good!
1. Ace Combat 5: The Unsung War (2004)
Sama halnya dengan bagaimana Ace Combat 2 mengambil semua yang baik tentang Air Combat dan membuatnya lebih baik, Ace Combat 5 mengambil semua yang hebat tentang Ace Combat 04 dan membuatnya lebih baik! Setiap aspek permainan telah mengalami peningkatan dan peningkatan yang signifikan. Jumlah misi dan pesawat telah meningkat. Detail model dan tekstur tanah lebih baik dan cutscene sekarang sepenuhnya dianimasikan. AC5 juga membuat Anda lebih peduli dengan karakter dalam game daripada entri lainnya hingga saat ini! Baru di AC5 juga kemampuan untuk memberikan perintah kepada rekan satu regu Anda tentang bagaimana berperilaku selama misi. Ini adalah franchise Ace Combat yang terbaik dan paling klise dan saya sangat menyukainya! Pastikan untuk memeriksa pemikiran lengkap saya tentang AC5 di sini!
Produser: Robbie Robertson, Jonathan Taplin, Bill Graham
Sinematografi: Michael Chapman
Score: The Band
Distribusi: United Artists
Pemeran: Rick Danko, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel, Robbie Robertson
Durasi: 117 Menit
Genre: Dokumentar/Biopik
RT: 98%
Kata-kata "Film ini harus dimainkan dengan keras" muncul di layar hitam di awal film konser mitos Martin Scorsese tahun 1978, "The Last Waltz." The Brattle Theatre memutar film tersebut, yang dengan tepat dijuluki "salah satu film konser terbesar sepanjang masa" pada 23 April sebagai bagian dari seri "Music Matters" mereka untuk merayakan perilisan "Other Music," sebuah film dokumenter tentang seorang terkenal. Toko kaset New York City. Memang, "The Last Waltz" adalah film yang meminta perhatian penuh penontonnya saat menyelami salah satu pertunjukan paling penting di tahun 1970-an: Konser terakhir The Band yang menampilkan berbagai legenda zaman itu, dari Joni Mitchell hingga Muddy Waters.
The Band, grup musik rock Kanada-Amerika yang dikenal mendukung musisi legendaris seperti penyanyi rockabilly Ronnie Hawkins dan legenda folk Bob Dylan, adalah salah satu band paling berpengaruh di akhir tahun 60-an dan awal 70-an, tetapi akhirnya tiba saatnya untuk mengucapkan selamat tinggal. “Band ini telah bersama selama 16 tahun, delapan tahun di jalan…. kami memberikan konser terakhir band, kami menyebutnya The Last Waltz,” kata gitaris dan vokalis Robbie Robertson dalam film tersebut. Dengan “The Last Waltz,” Scorsese mengabadikan grup rock terkenal, dengan fokus sepenuhnya pada konser yang menandai akhir karir tur mereka: penampilan 1976 mereka di Winterland Ballroom San Francisco.
"The Last Waltz" adalah film konser, tetapi tidak termasuk dalam kiasan stereotip genre tersebut. Sepanjang film, Scorsese dengan ahli memadukan seni close-up dari lusinan musisi yang menghiasi panggung malam itu dengan bidikan lebar dari satu set yang dihiasi dengan lampu kristal dan tirai yang menjulang tinggi. Tidak seperti kebanyakan film konser, panggung ini dibuat dengan ahli agar terlihat cantik di layar. Scorsese juga meninggalkan penonton band dalam bayang-bayang, kecuali tepuk tangan meriah. Efeknya membawa penonton film ke dalam momen, mempertahankan ilusi keintiman yang mencolok antara penonton dan band di salah satu titik tertinggi dalam karir mereka. Scorsese mewarnai seluruh film dengan cahaya keemasan yang hangat dan mewah, membenamkan penonton di ruang konser saat cuplikan dari pertunjukan menyatu dengan cuplikan grup di belakang panggung. “Kami ingin ini lebih dari sekadar konser, kami ingin ini menjadi perayaan,” kata Robertson dalam salah satu dari sekian banyak percakapan di belakang panggung.
Band ini luar biasa karena setiap orang dalam grup itu menonjol — seorang musisi bintang dalam hak mereka sendiri. Dengan setiap lagu, misalnya, peran penyanyi utama terombang-ambing antara Robertson, bassis Rick Danko, drummer Levon Helm, dan keyboardist Richard Manuel, sementara anggota grup lainnya bergabung dengan harmoni empat bagian klasik The Band. Setiap artis juga memiliki latar belakang musiknya masing-masing, yang menjadikan The Band sebagai perpaduan genre dari bluegrass hingga jazz. Musik mereka, dalam banyak hal, merupakan perpaduan dari berbagai asal-usul mereka. Berbicara tentang rumahnya sendiri di Arkansas, Helm menggambar paralel dengan asal muasal musik The Band sendiri: “Bluegrass dan musik country, jika turun ke area itu dan jika bercampur di sana dengan ritme, dan jika menari…. [itu] rock n' roll.” The Band juga bukan apa-apa jika bukan rock 'n' roll.
Di belakang panggung, The Band mengungkapkan perjuangan mereka untuk memulai sebagai musisi tanpa uang: Danko dan Robertson berbicara tentang harus mencuri makanan dengan mantel besar mereka saat tur. Di atas panggung, bagaimanapun, keberhasilan mereka sejak itu tidak dapat disangkal. “Saya hanya ingin mengatakan sebelum saya memulai bahwa salah satu kesenangan dalam hidup saya berada di panggung ini bersama orang-orang ini,” kata folk-rocker Neil Young sebelum bergabung dengan The Band untuk memainkan salah satu lagunya sendiri, “Helpless.” Saat Young mulai memainkan harmonikanya, The Band mengikuti melodi sempurna di belakangnya, bermetamorfosis dengan mudah dari band rockabilly yang mendukung Ronnie Hawkins hingga musisi folk berpengalaman, instrumen mereka berpadu seperti madu di balik permainan Young.
Di saat-saat seperti itu, "The Last Waltz" adalah perayaan bukan hanya The Band, tetapi juga seluruh era bell-bottoms, jaket kulit cokelat, dan kebangkitan rakyat. Ini adalah zeitgeist budaya yang pentingnya tidak dapat dilebih-lebihkan, karena legenda dari seluruh dunia bergabung untuk satu tujuan membuat musik dengan legenda lain. Bakat tak terukur yang ditampilkan dalam “The Last Waltz” — musisi seperti Ringo Starr, Eric Clapton, Neil Diamond, dan Van Morrison — hampir terlalu banyak untuk panggung Winterland yang terbungkus elegan.
Namun, film ini memiliki kontroversi. Robertson, meskipun bukan pentolan resmi band, tampaknya menjadi pusat dari film tersebut. Dia tampil paling menonjol dalam percakapannya dengan Scorsese, dan gitar emas metaliknya jarang hilang dari bidikan. Dalam memoarnya, drummer Levon Helm mengkritik film tersebut karena "gambar close-up yang panjang dan penuh kasih [dari wajah Robertson] yang dibuat-buat [dan] potongan rambut yang mahal." Helm sendiri, bagaimanapun, adalah inti dari beberapa momen "The Last Waltz" yang paling berkesan. Dalam film tersebut, ia memimpin vokal pada apa yang menjadi penampilan definitif band dari lagu mereka yang paling terkenal, "The Weight" (di mana The Band bergabung dengan The Staple Singers), di mana Helm menyerah sepenuhnya pada musik. Scorsese menyertakan bidikan close-up dari Helm yang bernyanyi dengan mata tertutup, tubuhnya menghadap sepenuhnya ke arah mikrofon saat aksen Selatannya berpadu dalam harmoni kuat chorus. Sementara itu, dia terus bermain drum, tidak pernah melewatkan satu ketukan pun.
Dalam lagu terakhir konser, "I Shall Be Released" milik The Band, semua tamu mereka bergabung di atas panggung dengan Bob Dylan di depan dan di tengah. Di sini, batasan genre dihilangkan sama sekali, karena semua orang mulai dari The Staples Singers hingga Ringo Starr bergabung dengan The Band untuk terakhir kalinya. “Setiap hari sekarang, saya akan dibebaskan,” mereka semua bernyanyi selaras di bagian chorus lagu tersebut. Sepanjang waktu, mereka melihat ke arah sesama musisi, menciptakan rasa kebersamaan yang mencolok. Pada akhirnya, semua orang tersenyum dan melambai ke penonton yang sekarang terlihat. Di sini, di lagu yang satu ini, semua yang "The Last Waltz" harapkan: indah, harmonis, dan tak terlupakan. Dengan itu, mahakarya musik Scorsese larut dalam bidikan lebar The Band memainkan tema "The Last Waltz" sendirian, kamera perlahan memudar ke kredit film dan meninggalkan peninggalan era memudar.
Sudah 30 tahun sejak tim Brabham memulai grand prix kejuaraan dunia terakhirnya. Saatnya memilih pembalap terbaik dari skuad Formula 1 yang dulu hebat.
25 Agustus 2022
Start terakhir Brabham di Formula 1 terjadi di Grand Prix Hungaria 1992, ketika Damon Hill naik ke baris ke-13 dan terakhir sebelum finis di urutan ke-11 dan terakhir, tertinggal empat lap. Itu adalah cara yang memalukan bagi tim hebat untuk mundur, tetapi perannya dalam sejarah F1 tetap ada.
Antara tahun 1962 dan 1992, Brabham mencetak dua gelar konstruktor dan empat gelar pembalap. 35 kemenangannya menempatkannya di urutan kedelapan dalam daftar kemenangan sepanjang masa, setelah baru-baru ini dilampaui oleh Renault/Alpine.
Untuk 10 besar ini, kami mempertimbangkan jumlah keberhasilan yang dicetak para pembalap bersama Brabham, dampak yang mereka miliki terhadap tim dan keadaan waktu mereka di sana. Kami tidak menyertakan pencapaian mereka di tim lain.
10. Carlos Pace (1974-1977)
Setelah menunjukkan janji di Surtees, Pace bergabung dengan Carlos Reutemann di Brabham selama 1974.
Pemain Brasil itu menunjukkan bakatnya di awal tahun 1975 dengan BT44B ikonik milik Gordon Murray, memenangkan balapan kandangnya di ronde kedua dan merebut pole di Afrika Selatan berikutnya. Kurangnya perkembangan melukai Brabham saat musim berjalan, tetapi Pace masih finis di urutan keenam – dengan Reutemann ketiga – di klasemen akhir.
Ketika Reutemann mulai kehilangan minat pada BT45 bertenaga Alfa Romeo, Pace mengambil gada pada tahun 1976. Keandalannya buruk, tetapi sikap Pace menyenangkan tim dan bos Bernie Ecclestone yakin dia adalah masa depan yang hebat.
BT45B yang direvisi akan terbukti lebih kompetitif pada tahun 1977 dan Pace finis kedua di pembuka musim GP Argentina, tetapi dia tidak akan hidup untuk memenuhi potensinya. Pace tewas dalam kecelakaan pesawat ringan di Brasil Maret itu.
“Jika Pace hidup, saya tidak akan membutuhkan Niki Lauda,” kata Ecclestone dalam buku Alan Henry Brabham: The Grand Prix Cars.
9. John Watson (1973-1974, 1977-1978)
Bagaimana Watson tidak mengambil kemenangan untuk Brabham membingungkan dan statistiknya tidak adil untuk waktunya di sana. Watson memperebutkan GP kejuaraan dunia pertamanya dan kampanye F1 penuh pertamanya di mesin privateer Brabham, tetapi periodenya dengan skuad pabrik pada 1977-78 yang membuatnya mendapat tempat dalam daftar ini.
BT45 adalah proposisi kompetitif pada tahun 1977 dan Watson mengambil peran sebagai pemimpin tim setelah kematian Pace.
Watson meraih pole di Monaco dan memimpin 138 lap selama musim ini, tetapi nasib buruk yang luar biasa – terutama dengan kelaparan bahan bakar yang misterius di lap terakhir GP Prancis sambil menahan Lotus Mario Andretti – menolaknya.
Lauda bergabung untuk 1978 tetapi Watson jauh dari malu dengan juara dunia ganda saat itu. Meskipun masih belum ada kemenangan untuk Watson, ia mencetak pole di Prancis dan tiga podium dalam perjalanannya ke urutan keenam dalam kejuaraan, dengan Lauda keempat. Brabham finis ketiga di tabel konstruktor sebelum Watson pindah ke McLaren untuk 1979.
8. Jochen Rindt (1968)
Rekor Rindt di Brabham sangat buruk, sebagian besar berkat masalah dengan mesin 4-cam 860 Repco yang akhirnya memaksa tim untuk beralih ke Cosworth DFV. Tapi Rindt masuk ke dalam skuad dengan baik dan memimpin barisan, dengan bos tim Jack Brabham di sampingnya.
Rindt lolos di depan rekan setimnya yang baru pertama kali di Afrika Selatan dengan BT24 lama dan finis ketiga di belakang Lotus 49 yang dominan.
Ketika BT26 tiba, Rindt menunjukkan kecepatannya dengan mengambil dua pole, tetapi rekor penyelesaian yang buruk berarti dia hanya melihat bendera satu kali – finis ketiga di GP Jerman yang basah dan legendaris di Nurburgring.
Meskipun hasil buruk dan Rindt menuju ke Lotus, tim dan pembalap tetap berhubungan baik. Jack Brabham berharap untuk mendapatkan Rindt kembali untuk tahun 1970 dan siap untuk mundur, tetapi Colin Chapman mampu membujuk pembalap bintangnya untuk tinggal di Lotus.
Jack Brabham melanjutkan selama satu tahun lagi, membuktikan bahwa BT33 adalah mobil terdepan, sementara Rindt mengakhiri tahun 1970 sebagai juara dunia anumerta pertama (dan sejauh ini) setelah tewas dalam latihan di Monza.
7. Jacky Ickx (1969)
Seperti Rindt, Ickx hanya memiliki satu musim di Brabham. Tidak seperti Rindt, pemain Belgia itu mampu meraih dua kemenangan, meskipun mungkin adil untuk mengatakan bahwa dia tidak dibawa ke hati tim dengan cara yang sama.
Ickx bergabung dari Ferrari untuk tahun 1969, tepat pada waktunya untuk Brabham beralih ke kekuatan DFV Cosworth. Langkah ini membuktikan apa yang ditunjukkan oleh penampilan Rindt: desain BT26 Ron Tauranac bagus.
Di musim yang kuat, Ickx mengambil pole dan menang di Nurburgring dan Mosport. Kemenangannya di GP Jerman sangat penting saat ia pulih dari awal yang buruk untuk mengejar dan mengalahkan penentu kecepatan musim ini, Jackie Stewart, membuat rekor putaran baru di sepanjang jalan.
Tiga podium lainnya membantu Ickx ke posisi runner-up di kejuaraan dunia, meskipun jauh di belakang juara pelarian Stewart.
Jack Brabham, yang meraih kemenangan bagus di non-kejuaraan International Trophy di depan Ickx, berjuang untuk menyelesaikan balapan tetapi pasangan itu masih cukup kuat untuk mengungguli Lotus ke urutan kedua di tabel konstruktor.
Ickx kembali ke Ferrari untuk tahun 1970, meninggalkan Brabham yang gagal mencoba dan membujuk Rindt untuk kembali.
6. Niki Lauda (1978-1979)
Lauda menemukan tim Brabham Ecclestone sebagai perubahan yang menyegarkan untuk bulan-bulan terakhirnya yang bermasalah dengan Ferrari – terlepas dari gelar keduanya bersama skuad Italia – dan menampilkan beberapa penampilan luar biasa.
Yang paling terkenal adalah kemenangannya di GP Swedia di 'fan car' Murray BT46B dan dia juga memenangkan GP Italia setelah penentu kecepatan di jalan Mario Andretti dan Gilles Villeneuve dihukum karena melompat dari awal. Tapi mungkin penampilan terbaiknya datang di Monte Carlo.
Setelah dipaksa masuk pit karena tusukan, Lauda berusaha keras untuk pulih ke posisi kedua dan mencatat lap tercepat hampir dua detik lebih cepat dari siapa pun.
Keandalan adalah masalah, tetapi Lauda selesai di podium di semua tujuh balapan di mana ia membuat bendera kotak-kotak. Itu cukup untuk posisi keempat dalam tabel pembalap 1978, kedua dalam taruhan terbaik di belakang Andretti dan Ronnie Peterson dalam Lotus yang mengubah permainan dan ground effect.
Meskipun kemenangan yang dijalankan dengan baik di non-kejuaraan Dino Ferrari GP di Imola, keandalan bahkan lebih buruk pada tahun 1979. Lauda juga memiliki rekan setim muda yang cepat Nelson Piquet untuk bersaing dan dia meninggalkan F1 selama akhir pekan GP Kanada, hanya saat Murray memperkenalkan salah satu Brabham terhebat: BT49 bermesin DFV.
5. Carlos Reutemann (1972-1976)
Pembalap Argentina yang penuh teka-teki itu mengambil posisi terdepan pada debut kejuaraan dunianya dengan Brabham BT34. Ban lunaknya memudar di balapan kandangnya pada tahun 1972 tetapi Reutemann menjadi andalan tim selama lima musim dan dinilai tinggi oleh Ecclestone, yang mengambil alih tim untuk tahun 1972.
Kampanye terobosan Reutemann datang pada tahun 1974. Berbekal BT44 milik Murray, Reutemann meraih tiga kemenangan. Itu menyamai penghitungan juara Emerson Fittipaldi tetapi Reutemann tidak menyelesaikan balapan yang cukup untuk memperebutkan gelar dan berakhir di urutan keenam dalam poin.
Cemerlang pada zamannya, Reutemann mencetak kemenangan bagus lainnya dari posisi 10 di grid pada GP Jerman 1975 di Nurburgring, menang lebih dari satu setengah menit setelah tantangan cepat Ferrari memudar.
Itu adalah satu-satunya kesuksesan Reutemann tahun ini tetapi konsistensi yang lebih baik – dia mencetak lima podium lainnya – berarti dia finis di urutan ketiga dalam tabel, di belakang hanya Lauda dan Fittipaldi yang dominan. Dikombinasikan dengan upaya Pace, cukup bagi Brabham untuk mengalahkan McLaren dengan tipis ke posisi kedua dalam kontes konstruktor.
Peralihan Brabham dari Cosworth DFV ke Alfa Romeo flat-12 power untuk tahun 1976 penuh. Reutemann kehilangan minat dan hanya mengambil satu poin dengan hasil akhir - keempat di Spanyol - ketika dia pindah ke Ferrari setelah kecelakaan GP Jerman yang mengerikan di Lauda.
Brabham tidak akan menang selama dua tahun lagi, sementara skor empat kemenangan Reutemann (dan sukses di non-kejuaraan GP Brasil 1972) menempatkannya di urutan ketiga dalam daftar pemenang tim.
4. Denny Hulme (1965-1967)
Biasanya menjadi pendukung setia Jack Brabham di F1 dan F2, Hulme mendapat kesempatan besar pada tahun 1967. Tahun sebelumnya dia finis keempat di tabel pembalap dengan empat podium saat Jack meraih gelar ketiganya dengan empat kemenangan, tapi konsistensi Hulme di tahun 1967 luar biasa.
Brabham mencetak dua pole sebelum Lotus 49 bermesin Cosworth DFV tiba, dengan Jim Clark dan Graham Hill kemudian mengatur kecepatan di mana-mana. Tetapi Lotus tidak cukup andal dan delapan podium dari 11 balapan – termasuk kemenangan pertamanya di Monaco dan kesuksesan yang diwariskan di Nurburgring – sudah cukup bagi Hulme (tanpa pole!) untuk mengungguli bosnya ke mahkota.
Hulme kemudian pindah ke McLaren, di mana ia memainkan peran kunci di masa-masa awal tim terkenal, tetapi untuk gelar dunianya bersama Brabham, ia paling diingat.
3. Dan Gurney (1963-1965)
Tidak butuh waktu lama bagi Gurney untuk menjadi pemimpin tim Brabham dalam hal kinerja on-track ketika ia bergabung dengan Brabham pada tahun 1963, tidak ada prestasi yang berarti mengingat rekan setimnya adalah bos dan kemudian juara dua kali Jack Brabham.
Clark dan Lotus 25 meninggalkan hasil tipis untuk yang lain, memenangkan tujuh dari 10 putaran, tetapi Gurney adalah salah satu pemimpin kelompok pengejaran dan finis kelima di kejuaraan.
Dia bahkan lebih mengesankan pada tahun 1964. Gurney mengambil pole pertama Brabham di Zandvoort, kemudian memuncaki timesheets di Spa. Dia menuju kemenangan ketika BT7 kehabisan bahan bakar di lap terakhir, Gurney diklasifikasikan keenam.
Keberuntungannya berubah dua minggu kemudian, Gurney mewarisi keunggulan di Rouen ketika Clark's Lotus mengalami kegagalan mesin. Dia melanjutkan untuk mengambil kemenangan GP kejuaraan dunia pertama Brabham, dengan Jack di posisi ketiga.
Di tempat lain, keberuntungan Gurney dan keandalan mobil sangat buruk. Satu-satunya hasil layak lainnya datang di final GP Meksiko, Gurney mewarisi kemenangan ketika Clark's Lotus kembali mengecewakannya di akhir pertandingan.
Dua kemenangannya membuat Gurney berada di urutan keenam dalam tabel sekali lagi tetapi sebenarnya penampilannya sendiri seharusnya menempatkannya dalam pertarungan perebutan gelar dengan Clark, Hill dan akhirnya juara John Surtees.
Clark dan Lotus kembali di luar jangkauan pada tahun 1965 dan BRM kuat dengan Hill dan bintang rookie Jackie Stewart. Tidak ada kemenangan atau pole, tetapi keandalan yang lebih baik membantu Gurney ke posisi keempat dalam klasemen – dan dia terkenal mendorong Clark ke dalam kesalahan yang jarang terjadi dalam Race of Champions non-kejuaraan di Brands Hatch.
Dengan Gurney memimpin tim, Jack Brabham sedang mempertimbangkan untuk pensiun pada akhir tahun 1965. Tapi Gurney malah pergi untuk mendirikan proyek Eagle-nya sendiri, sehingga melepaskan kesempatan untuk mengemudikan Brabhams yang akan memenangkan dua kejuaraan dunia berikutnya…
2. Nelson Piquet (1978-1985)
Dalam hal kinerja on-track murni, Piquet bisa menjadi yang teratas dalam daftar ini. Dia mencetak lebih banyak kemenangan, lebih banyak pole, memulai lebih banyak balapan dan mengambil lebih banyak gelar pembalap untuk Brabham daripada pembalap lainnya. Ini benar-benar hanya posisi unik dari orang yang menduduki peringkat teratas ini yang membuat Piquet tetap berada di slot nomor dua.
Piquet bergabung dengan Brabham pada akhir 1978 untuk musim penuh pertamanya di F1. Hasil akhir balapan sulit didapat, tetapi Piquet memiliki janji yang jelas dan menjadi nomor satu setelah Lauda pensiun secara tiba-tiba dan menjadi yang terdepan dengan BT49 milik Murray pada 1980.
Kemenangan pertamanya datang dengan gaya dominan di Long Beach. Piquet merebut pole hampir satu detik, memimpin sepanjang pertandingan, mencatat lap tercepat lebih dari setengah detik dan menang dengan 49 detik. Dia menambahkan dua kemenangan lagi dan bertarung dengan Alan Jones untuk memperebutkan mahkota, tetapi bentrokan dengan pembalap Australia itu membantu pebalap Williams itu meraih gelar pada putaran kedua dari belakang di Kanada.
Itu adalah Piquet versus Williams lagi pada tahun 1981 dan kali ini berjalan sesuai keinginan Piquet. Setelah tiga kemenangan, tempat kelima di final Caesars Palace sudah cukup untuk mengambil kejuaraan dengan satu poin atas Reutemann, yang memudar secara misterius dari posisi terdepan ke posisi kedelapan.
Hector Rebaque tidak dapat memberikan dukungan yang cukup untuk menghentikan Williams mengalahkan Brabham di meja konstruktor, tetapi tantangan besar tim berikutnya adalah bekerja dengan BMW untuk membuat mesin turbochargednya bekerja.
Piquet memainkan peran penting dalam mendorong proyek ini. Dia bangkit kembali dari aib karena gagal lolos ke GP Detroit 1982 dengan memenangkan GP Kanada hanya seminggu kemudian. Keandalan tetap dicurigai untuk sebagian besar kampanye, tetapi paket Brabham-BMW berada di tempat yang lebih baik untuk tahun 1983.
Penghapusan ground-effect di menit-menit terakhir mengakibatkan Murray memproduksi BT52 seperti anak panah. Piquet memenangkan GP Brasil pembuka musim dan terus mengumpulkan poin bahkan ketika Alain Prost dari Renault mencapai titik ungu. Setelah versi B dan bahan bakar yang lebih baik tiba, Piquet melakukan keterlambatan, memenangkan dua dari tiga balapan terakhir dan mengalahkan Prost untuk gelar dengan tempat ketiga di final Kyalami.
Paket Brabham-BMW tidak cocok untuk McLaren-TAG (nee Porsche) pada tahun 1984, setidaknya di balapan. Piquet meraih sembilan pole – lebih banyak dari yang lain – tetapi keandalan yang buruk dan efisiensi McLaren membatasinya hanya dengan dua kemenangan dan kelima dalam poin.
Ban Pirelli memberikan variabel lain pada tahun 1985 dan keandalannya masih meragukan. Piquet yang tidak puas hanya meraih satu kemenangan, di Prancis, dan kedelapan dalam kejuaraan sebelum berangkat ke Williams.
1. Jack Brabham (1962-1970)
Pembalap pertama yang memenangkan GP dengan mobil yang menyandang namanya sendiri dan orang pertama (dan satu-satunya) yang menjadi juara dunia dengan mesinnya sendiri. Jack Brabham juga berkontribusi pada gelar konstruktor pada tahun 1966 dan 1967, yang juga ia bantu sebagai insinyur berkat kesepakatan dengan Repco untuk mesin V8 yang andal untuk era tiga liter F1. Hanya Piquet yang mendekati salah satu pendiri tim dalam daftar ini.
Brabham meninggalkan Cooper untuk mengatur operasinya sendiri dengan Tauranac dan menjalankan sasis Lotus sampai Brabham pertama siap. Sementara Brabham cenderung memainkan biola kedua untuk Gurney di 1963-65, dia siap untuk melangkah ketika pemain Amerika itu pergi sebelum 1966.
Brabham tahu BT19 bermesin Repco-nya akan kompetitif saat F1 beralih ke regulasi tiga liter dan dia meraih empat kemenangan, termasuk kemenangan bagus di Nurburgring, untuk mengamankan gelar ketiganya dan selamanya mengambil tempatnya dalam sejarah.
Dia bisa saja menang pada tahun berikutnya, tetapi dia memiliki terlalu banyak masalah. Hal yang sama dapat dikatakan untuk duo Lotus, Clark and Hill, yang membantu Hulme meraih mahkota pebalap dan tim Brabham meraih gelar konstruktor kedua berturut-turut.
Brabham sekali lagi dengan senang hati mengizinkan Rindt (1968) dan kemudian Ickx (1969) untuk memimpin, tetapi keputusan Rindt untuk bertahan di Lotus untuk tahun 1970 meyakinkan pria berusia 43 tahun itu untuk memperpanjang karirnya selama satu musim lagi.
Dan apa kampanye itu. Brabham memenangkan pembuka musim Afrika Selatan, bisa menang di Spanyol dan seharusnya memenangkan GP Monaco dan Inggris. Dia berakhir di urutan keenam yang tidak representatif di meja final, tetapi menuju pensiun dengan kepala tegak.
Instrumen kuat Franklin dapat didengar di seluruh karir rekaman yang berlangsung hampir 60 tahun. Di sisi Columbia pada awal 1960-an, ia menerapkan standar seperti bintang Sinatra atau Nat King Cole saat itu, menyaingi orkestra pendukungnya untuk kekuatan belaka. Sisi Sixties and Seventies klasiknya menjadi soundtrack Gerakan Hak Sipil, sebuah pelajaran tentang bagaimana seorang penyanyi dapat mewujudkan dan menentukan waktunya. Seperti yang ditulis penyair Nikki Giovanni, Franklin "mengangkat suaranya dalam pertanyaan dan keluhan dan mengapa tidak dan kami akan dan menyuarakan kebutuhan satu generasi."
Dari sana, Franklin menemukan rumah di berbagai genre: bukan hanya bukti keserbagunaan musiknya, tetapi juga bagaimana dunia dibentuk olehnya. Kolaborasi awal Eighties dengan Luther Vandross meluncur mulus ke dalam funk-pop dan badai yang tenang, perubahan New Wave pada pertengahan 1980-an membuatnya menjadi bintang MTV dan kolaborator Eurythmics, grup hip-hop seperti EPMD dan Gang Starr menggali karyanya yang funky di Seventies beats, “A Deeper Love” 1994 membuatnya menjadi diva rumah modern yang menduduki puncak tangga lagu, sebuah kolaborasi dengan Lauryn Hill menghubungkan neo-soulnya dan pada 2014 ia dengan anggun mengcover Adele. Ini hanya 50 lagu penting dari musik pop suara terhebat yang pernah diproduksi.
50. Jump to It (1982)
Judul lagu LP Franklin tahun 1982 memasangkannya dengan Luther Vandross saat dia meroket ke posisinya sebagai salah satu penyanyi-penulis lagu / produser utama tahun 1980-an. Tambahkan penyanyi latar lamanya Cissy Houston ke dalam campuran bersama dengan ace bass Marcus Miller (pengikut reguler Vandross yang juga menghabiskan waktu bersama Miles Davis) dan hasilnya adalah salah satu single paling asyik dari Franklin. Dia merobek ad-lib "shab-a-doo-da-dwee-da" dengan kekuatan yang cukup untuk membuat Charlie Wilson dari Gap Band cemburu, sementara bassline kental Miller mendorong seluruh trek ke depan. "Saya memainkan bassline dengan gitar bass saya dan kemudian saya mendapatkan synthesizer dan saya melakukan overdub hal yang sama, jadi Anda memiliki dua jenis bass yang memainkan bassline yang sama pada saat yang sama," katanya kepada Red Bull Music Academy pada tahun 2015.
Franklin telah memutuskan untuk mencari Vandross setelah mendengar membawakan lagu “A House Is Not a Home” yang tak tertandingi pada tahun 1981. “Saya sedang mengerjakan [versi dari lagu yang sama] di rumah,” katanya. “Saya berkata, 'Aha, dia mengalahkanmu habis-habisan!' … Ditambah dengan fakta bahwa ada keterkaitan dan kesamaan dalam gaya, saya berkata, 'Mengapa tidak [meminta dia memproduksi]? Dia jelas tahu apa yang dia lakukan!'”
49. Try a Little Tenderness (1962)
Pembacaan tanda tangan Otis Redding ini mendahuluinya empat tahun dan versi Sam Cooke (dari kekasihnya At the Copa) dua tahun. Tidak diragukan lagi kedua pria itu telah memperhatikan versi Aretha Franklin yang membara. Rekaman itu mengenang versi hit Nomor Satu the Platters tahun 1958 dari "Smoke Gets in Your Eyes" dalam aransemen oleh Robert Mersey, "yang mengelilingi saya dengan musisi terbaik di kota," kata Franklin kepada penulis biografi David Ritz. "Grafiknya sangat subur, dan saya menyukainya." Aretha menyanyikannya dalam penampilan TV pertamanya, di American Bandstand yang ditargetkan untuk remaja. Itu bukan hit, tapi dia sedang dalam perjalanan.
48. Rolling in the Deep (2014)
Di album ke-41 dan terakhir Franklin, Aretha Franklin Sings the Great Diva Classics, sang legenda kembali untuk satu pelajaran terakhir ke generasi pembangkit tenaga vokal saat ini. Franklin meliput semua orang dari the Supremes hingga Alicia Keys di LP 2014-nya, tetapi dia mengambil lagu hit Adele "Rolling in the Deep" yang menarik perhatian semua orang, berubah menjadi hit Dance Nomor Satu dan membiarkan dunia tahu bahwa dia pemerintahan belum berakhir. Franklin tidak memiliki apa-apa selain cinta untuk diva yang lebih muda: "Dia adalah penulis yang sangat bagus dengan lirik yang sangat berat dan dalam," katanya kepada Rolling Stone. "Dia punya sesuatu untuk dikatakan dan mengatakannya sedikit berbeda dari biasanya." Dan sementara "Deep" adalah hit Nomor Satu pertama Adele, itu juga spesial untuk Franklin: single ke-100nya yang masuk tangga lagu di tangga lagu Billboard R&B.
47. Spanish Harlem (1971)
Sebuah contoh memukau tentang cara Aretha dapat memperbarui lagu yang sudah dikenal, "Spanish Harlem" adalah rumba romantis di tangan Ben E. King, yang membuatnya menjadi hit besar pada tahun 1961. Dibuka dengan riff gaya film blaxploitation dan a penulisan ulang lirik yang halus (“Ada mawar dalam Harlem Spanyol” menjadi “Ada mawar hitam di Harlem Spanyol”), Aretha memodernkannya untuk era hak-hak sipil. Di tangannya (dan tangan Dr. John, yang bermain piano pada sesi tersebut), Anda dapat merasakan panas yang menghentak di trotoar Harlem dengan cara yang mungkin dimaksudkan oleh penulis lagu tersebut - kombo yang tidak biasa dari Phil Spector dan Jerry Leiber.
46. A Rose Is Still a Rose (1998)
Aretha Franklin mendemonstrasikan perubahannya yang luar biasa di trek yang ditulis oleh Lauryn Hill ini. Tiga puluh delapan tahun setelah Franklin merilis single pertamanya di Columbia, dia memberi tahu gelombang penyanyi neo-soul yang sedang naik daun dan mencetak hit Top 30. Tampaknya tidak terganggu oleh ketukan rap yang ganas dan saat itu dibangun oleh Hill, Franklin mengoceh dengan tenang, melesat melalui jangkauan vokalnya sepenuhnya dan bahkan menampilkan pemahaman bahasa gaul baru-baru ini, bernyanyi tentang seorang wanita yang keluar "melempar dan membersihkan gigi.” Single ini memulai debutnya di Nomor 43 di Hot 100, cukup tinggi sehingga Clive Davis menelepon Franklin untuk berbagi kabar baik. "Saya sedang di dapur ketika dia menelepon," kenangnya, menurut Aretha Franklin: The Queen of Soul. “Apa yang saya nyanyikan di Grammy [mengisi untuk penyanyi opera Luciano Pavarotti] tidak seberapa dibandingkan dengan nada tinggi yang saya buat ketika dia memberi tahu saya di mana lagu saya masuk.”
45. People Get Ready (1968)
Tak terhitung banyaknya musisi yang telah meng-cover lagu Curtis Mayfield yang mungkin paling terkenal, tetapi Aretha Franklin mengisinya dengan intensitas Gospel yang segar. Mayfield menulisnya pada tahun 1964 sebagai penghormatan kepada pidato “I Have a Dream” Pendeta Martin Luther King, Jr. kebangkitan kesadaran sosial dalam musik soul. Direkam sebagai potongan album untuk Lady Soul - dan kemudian menjadi bagian dari repertoar konsernya - versi Franklin dibuka dengan kemeriahan yang tidak ada dalam aslinya. "Saya percaya ... saya percaya," dia dan grup pendukungnya, Sweet Inspirations bernyanyi. Kemudian dia menutup dengan penegasan berulang kali, “Terima kasih Tuhan!” saat suaranya naik dalam skala.
44. First Snow in Kokomo (1972)
Hampir unik dalam oeuvre Franklin karena kurangnya alur, karya asli yang menyentuh dari Young, Gifted and Black ini menggambarkan kunjungan santai yang tidak seperti biasanya ke kampung halaman Ken Cunningham di Indiana. Suasananya tenang berkat bagian organ halus Donny Hathaway, dan optimisme Franklin menular saat dia mengamati pemandangan itu. "Aku merasa benar untuk itu, " dia bernyanyi. “Mungkinkah itu dilakukan? Ya, saya bisa melakukannya.” Di bagian bawahnya, Aretha membayangkan nasib para pengunjung yang dilihatnya dalam fantasi rumah tangga yang begitu jauh secara emosional dari kehidupannya sendiri. “Pada akhirnya,” saudara perempuannya, Carolyn menduga, “itu seperti dongeng.”
43. Who's Zoomin' Who? (1985)
Kronik godaan yang membara dari album smash tahun 1985 dengan nama yang sama ini keluar dari panggilan telepon antara Franklin dan produser Narada Michael Walden. “Saya bertanya kepadanya, 'Apakah Anda pergi keluar di malam hari? Apa yang kamu lakukan?' karena kami belum benar-benar bertemu satu sama lain," kata Walden kepada majalah sound engineering Mix pada tahun 2006. "Dia berkata, 'Oh, terkadang saya pergi keluar, pergi ke klub, lalu saya melihat seseorang yang saya sukai. , dan dia melihat saya dan saya melihatnya. It's like, Who's zoomin' who?'” Meskipun lirik lagu tersebut muncul dari obrolan ramah, Franklin awalnya enggan untuk merekamnya. “Itu adalah rekaman pertama yang dia lakukan sejak ayahnya meninggal beberapa tahun sebelumnya, jadi dia baru saja kembali ke studio,” kenang Walden. “Dan sangat indah berada di sana – di United Sound di Detroit – bersamanya.” Lagu tersebut akhirnya mencapai Top 10 dari Billboard Hot 100 dan menduduki puncak tangga lagu Hot Dance Club Play meskipun tidak memiliki video musik.
42. Soul Serenade (1967)
Sebagian besar lagu di album Atlantic pertama Franklin dipilih oleh Franklin dan suaminya Ted White, atau ditulis oleh Franklin sendiri. Tapi salah satu yang dibawa Jerry Wexler adalah "Soul Serenade," yang ditulis oleh Luther Dixon dan dokter saksofon Atlantic, King Curtis - "pria tenor kurus dan jahat yang bisa dua arah dalam hal jazz dan R&B," menurut Wexler. "Soul Serenade" telah menjadi hit Top Five R&B untuk Curtis pada tahun 1964, dan dia bermain di sesi I Never Loved a Man the Way I Love You, memberikan kesempatan kepada pemain yang terkenal karena membunyikan klakson dan berteriak untuk memamerkan liriknya yang mengalir. gitar berangin. Dipotong pada tanggal 15 Februari 1967, versi Franklin menggeser aksi ke interaksi antara pianonya dan keyboard elektrik Spooner Oldham, dimulai dengan lounge-jazz yang terkait dengan rekamannya untuk Columbia dan kemudian mengembangkan kekuatan soul yang bergulir dengan mudah. "Saya ingin bebas terbang," dia bernyanyi, membuat ini - seperti kebanyakan album - pernyataan niatnya. Setahun kemudian, atas desakan Wexler, Curtis menjadi direktur musik Franklin untuk pertunjukan live-nya, peran yang dia jalani sampai kematiannya pada tahun 1971.
41. See Saw (1968)
Pada tahun 1967, Franklin menggunakan "Chain of Fools" milik penyanyi-penulis lagu Don Covay ketika dia mendengarnya memainkannya untuk Otis Redding sebagai demo. Itu memuncak di Nomor Dua pada Januari 1968, dan beberapa bulan kemudian ketika Franklin berada di studio Atlantic di New York, dia mencoba memainkan lagu Covay lainnya, "See Saw," yang Covay sendiri buat menjadi hit Top Five R&B pada tahun 1965. Versinya menampilkan backbeat dan menyoroti bagian terompet ketat yang menampilkan King Curtis, David "Fathead" Newman, dan Pepper Adams. Itu adalah cover Franklin yang langka yang tidak menemukan kembali lagu itu, tetapi vokalnya - beralih dari kebutuhan mentah menjadi kepuasan mendengkur menjadi kekuatan yang menjulang tinggi - membuatnya menjadi pasti. Itu adalah salah satu dari banyak lagu di Aretha Now tahun 1968 yang mencerminkan hubungannya yang memburuk dengan suaminya Ted White. “Terkadang kamu mencintaiku, seperti pria yang baik seharusnya,” dia bernyanyi. "Terkadang kamu sangat menyakitiku, air mataku mengalir seperti air."
40. "Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)" (1967)
Lagu cinta yang membangun dengan lambat yang menampilkan sisi romantis serius Franklin, “Dr. Feelgood "menyeimbangkan gairah yang berapi-api dengan kepuasan yang sejuk, sebuah lagu tentang jatuh cinta pada seorang pria yang, seperti yang dinyanyikan Franklin, "menghilangkan semua rasa sakit dan penyakit saya." “Itu adalah salah satu vokalnya yang paling bersemangat sejauh ini,” kata Jerry Wexler kepada Matt Dobkin, penulis I Never Loved a Man the Way I Love You: Aretha Franklin, Respect, and the Making of a Soul Music Masterpiece. Kerangka lagunya sederhana - "pada dasarnya tidak lebih dari 12-bar blues," kata Luther Vandross kepada David Ritz, penulis Respect: The Life of Aretha Franklin. “Tapi liriknya! Dan permainan pianonya! Ini seperti sesuatu yang didengarkan mama saya - salah satu wanita asli itu, seperti Bessie Smith atau Ma Rainey. Saya percaya itu adalah salah satu musik blues terhebat yang pernah ditulis.”
39. Jumpin' Jack Flash (1986)
Dengan bantuan gitar dari dua the Rolling Stones sendiri – Keith Richards dan Ronnie Wood – dan pengiriman yang menyalurkan sisi rocker tangguhnya, Franklin memperbarui klasik grup tahun 1968 untuk film Whoopi Goldberg tahun 1986 dengan nama yang sama. Menurut Clive Davis, Richards, produser lagu tersebut, memaksa Franklin untuk bermain piano seperti yang dia lakukan di banyak sisi Sixties-nya. “Keith memahami apa yang telah saya pelajari bertahun-tahun sebelumnya,” kata Jerry Wexler dalam Respect: The Life of Aretha Franklin, “ketika Aretha berlabuh di keyboard, itu adalah kinerja keseluruhan yang lebih kuat dan lebih organik.” Lagu tersebut menjadi singel utama dari LP Aretha tahun 1986 miliknya, yang menampilkan sebuah cover oleh Andy Warhol, karya terakhirnya sebelum kematiannya pada tahun 1987.
38. Good to Me As I Am to You (1968)
Potongan mendalam dari Lady Soul tahun 1968 ini menawarkan pasangan impian Aretha Franklin dan Eric Clapton, penampilan studio tamu pertama sang gitaris Cream untuk artis AS. “Saya memberi tahu Jerry [Wexler] bahwa saya akan membawa Clapton dan mungkin dia akan bermain,” tulis salah satu pendiri Atlantic Records Ahmet Ertegun dalam otobiografinya tahun 2001, What I'd Say: The Atlantic Story. Menunjukkan pakaian hippie "aneh" yang disukai Clapton, Ertegun melanjutkan, "Bahkan sebelum aku bisa memperkenalkannya kepada Aretha, dia menatapnya dan tertawa terbahak-bahak. Jadi saya berkata, 'Nah, ketika dia mulai bermain, kamu tidak akan tertawa.'” “Gitar obbligato” Clapton menghasilkan medley akord dan nada ritmis. Adapun Franklin, vokalnya yang kasar dan berapi-api berbunyi seiring dengan permainan Clapton, menjadikan ini bencana utama dari sweet soul dan psychedelia Sixties blues.
37. Day Dreaming (1972)
Piano elektrik halus Donny Hathaway memperkenalkan lagu pop surgawi dari Young, Gifted and Black, yang bisa dibilang album paling pribadi Aretha Franklin. “Lagu hit itu tentang saya,” kenang penyanyi Temptations Dennis Edwards, kekasih lama Aretha, dalam David Ritz's Respect: The Life of Aretha Franklin. Penulisnya, bagaimanapun, mengatakan kepada pembawa acara Soul Train Don Cornelius bahwa lagu itu "tidak ada yang ingin saya bicarakan."
36. Wholy Holy (1972)
Himne pertama yang dinyanyikan Aretha Franklin di New Temple Missionary Baptist Church pada Januari 1972 adalah sebuah lagu dari What's Going On karya Marvin Gaye, yang dirilis kurang dari setahun sebelumnya. Satu-satunya lagu dari album yang dihasilkan untuk masuk tangga lagu, "Wholy Holy," adalah sebuah Gospel "Come Together" yang disucikan Aretha dengan permainan pianonya dan harmonisasi lima bagian. Aretha kemungkinan besar bisa mengidentifikasi dengan mudah dengan lagu Gaye. Dia adalah anak seorang pengkhotbah, seperti dia, dan sering bingung antara yang suci dan yang profan. Seperti James Cleveland, kolaborator musiknya, memberi tahu penulis biografi Franklin David Ritz, "Itu semua musik Tuhan dan semuanya bagus."
35. I Knew Who Were Waiting (For Me) Feat. George Michael (1987)
Satu-satunya single Nomor Satu Franklin di Inggris adalah hasil dari dorongan George Michael yang baru saja solo untuk bekerja sama dengan penyanyi soul favoritnya. Kekaguman itu ternyata saling menguntungkan. “Pertama kali saya mendengar George bersama Wham!, dan saya menyukainya saat itu,” kata Franklin kepadaEntertainment Weekly tak lama setelah kematian Michael pada Desember 2016. “Dia memiliki suara yang sangat unik, sangat berbeda dari apa pun yang ada di luar sana.” Duet riuh yang dihasilkan dari pertemuan mereka menggunakan metafora sedalam sungai, setinggi gunung sebagai cara untuk memungkinkan Franklin dan Michael memamerkan instrumen mereka yang mengesankan dan perasaan emosional yang mendalam, sementara produksi Narada Michael Walden menambahkan sentuhan gemerlap akhir tahun delapan puluhan. “Itu mengingatkan saya pada [bekerja dengan produser] Jerry Wexler,” kenang Franklin kepada EW. “Kami akan pergi ke studio dan memotong lagu. Jika kami senang dengan apa yang kami rekam, Jerry akan berkata, 'Mari kita tunggu sampai besok. Jika kami merasakan hal yang sama seperti yang kami rasakan sekarang, mungkin kami akan sukses.’ ‘I Knew You Were Waiting’ memilikinya. Secara musikal, itu tidak menjadi tua.”
34. I Say a Little Prayer (1968)
Versi asli Dionne Warwick dari karya klasik Bacharach-David ini baru berusia delapan bulan dan masih diputar di radio ketika Franklin memotong sampulnya – “sedikit keberuntungan,” menurut Jerry Wexler dari Atlantic, yang mengingat dalam otobiografinya, Rhythm and the Blues , yang dimulai dengan Franklin dan penyanyi latarnya Sweet Inspirations bermain-main dengan lagu di ruang kontrol selama sesi tahun 1968 untuk Aretha Now. Wexler menentang meng-cover lagu yang masih mendekati puncaknya; semua orang di studio (termasuk sepupu Warwick, Cissy Houston, salah satu Sweet Inspirations) mendukungnya. Dengan piano Franklin yang menggulirkan irama bossa lagu ke arah gospel dan irama Muscle Shoals pro Roger Hawkins memisahkan perbedaan antara backbeat soul dan menunjukkan aksen drum, mereka mengalahkannya dalam sekali pengambilan. Ini mencapai Top 10 pop pada bulan Oktober. Bahkan Bacharach mengakui Franklin membawa lagu itu ke “tempat yang jauh lebih dalam. "Miliknya adalah versi definitif," katanya kepada David Ritz.
33. Freeway of Love (1985)
Single utama dari Franklin's pertengahan tahun delapan puluhan menghancurkan Who's Zoomin 'Who? adalah musik elektro-soul yang meriah yang menghormati kekuatan gabungan dari jalan terbuka, Cadillac merah muda, dan suara Aretha Franklin yang tak ada bandingannya. Zoomin' diproduksi oleh Narada Michael Walden, yang dibawa untuk mengatur album oleh petinggi Arista Clive Davis. “Saya telah menulis 'Freeway of Love' untuk diri saya sendiri,” kata Walden kepada Billboard pada tahun 2003. “Tapi saya membalikkannya dan menulis ulang lirik untuknya. Namun, semua [ad-libs] kecil di lagu itu, seperti 'jalan yang lebih baik dari sebelumnya,' adalah hal-hal yang dia kerjakan di atas kepalanya. Vokal Franklin yang sehat dan solo saksofon Clarence Clemons yang bersemangat dipadukan untuk emas pop-soul, dengan lagu tersebut mencapai Nomor Tiga di Hot 100 dan memberinya Grammy Penampilan Vokal R&B Wanita Terbaik untuk ke-10 kalinya. “Saya suka 'naik' akhir-akhir ini, pastinya. Mari kita tetap positif. 'Naik', "katanya kepada Australian Sunday Mail, tepat setelah pewawancaranya melihat Cadillac merah muda kecil di mantelnya - hadiah, katanya, dari Walden. (Franklin, untuk apa nilainya, mengendarai station wagon putih pada saat itu.)
32. Are You Sure (1961)
Karier rekaman sekuler Franklin dimulai setelah dia menandatangani kontrak dengan Columbia Records melalui legenda A&R John Hammond, menolak tawaran dari Motown, yang saat itu hanyalah sebuah merek lokal yang masih baru. (“Saya ingin bersama label dunia yang luar biasa, dan saya sama sekali tidak menyesal,” katanya kemudian.) Keahlian Hammond pada saat itu adalah jazz, yang ditampilkan di Aretha With the Ray Bryant Combo, tahun 1961-nya Debut Columbia. Meski masih remaja, suaranya yang menakjubkan terbentuk sempurna, menerangi pilihan lagu yang terkadang meragukan. "Are You Sure" dari hit Broadway The Unsinkable Molly Brown adalah permata yang tidak mungkin. Diatur sebagai semacam mambo folk-jazz dengan anggukan pada "What'd I Say" dari Ray Charles, Aretha mengasah tema spiritual lagu tersebut, membawanya ke gereja dan kemudian beberapa.
31. "Oh Me Oh My (I'm a Fool for You Baby)" (1971)
Di sisi-B ke "Rock Steady" Young, Gifted and Black, Franklin menemukan kendaraan untuk sisi rentannya. Tom Dowd, Arif Mardin dan Jerry Wexler telah memproduseri lagu tersebut tiga tahun sebelumnya untuk Lulu, yang meraih sukses Top 30. Di lagu yang ditulis oleh sesama Glaswegian Lulu dan mantan anggota Stoa Jim Doris, Aretha memohon kegilaan emosional dengan ratapan intensitas yang penuh perasaan.
30. "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" (1974)
Stevie Wonder ikut menulis, merekam, dan kemudian menyimpan sebuah versi dari lagu cinta yang memesona ini di pertengahan tahun enam puluhan. Franklin melakukan lebih dari sekadar menghidupkannya kembali; dia mengubah sisa menjadi salah satu lajang yang paling transenden. Bekerja sama dengan produser Jerry Wexler dan produser-arranger Arif Mardin, Aretha melakukan keahlian pembuatan rekaman untuk lagu ini dan album yang menyertainya, Let Me in Your Life. “Semua yang kami lakukan dengannya selalu menjadi penebangan kayu di studio hanya dengan bagian ritme di sana,” kata Wexler, “tetapi ini adalah sesi pengaturan pertama yang kami lakukan dengannya.” Berkat studio profesional seperti drummer Bernard "Pretty" Purdie dan gitaris Hugh McCracken, bersama dengan piano Franklin sendiri, "Until You Come Back to Me" mencapai luncuran yang mudah, vokal Aretha mendengkur. Di tangannya, obsesi romantis tidak pernah terasa begitu hangat dan mengundang.
Dalam aransemen yang menggemakan gaya rekaman Nat King Cole dan Frank Sinatra saat itu, dibungkus dengan string dan paduan suara penyanyi latar, Aretha menyalakan standar obor ini oleh Hoagy Carmichael dan Johnny Mercer, yang menulis lirik mabuk cinta untuk kekasihnya, Judy Karangan bunga. Tapi Franklin membuatnya sendiri: Catatan yang dia buat di dekat tanda dua menit mungkin menjatuhkan insinyur itu dari kursi mereka. Seperti yang dikatakan penulis biografi David Ritz, "salah satu permata terbesar dalam kariernya".
27. One Step Ahead (1965)
Saat Aretha Franklin mendekati akhir kontraknya dengan Columbia Records, jelas bahwa label tersebut tidak tahu apa yang harus dilakukan dengan penyanyi soul terhebat generasi ini. "CBS tidak ingin dia pergi, tetapi mereka tidak dapat membalikkan diri untuk membantunya menjadi bintang," kata produser dan arranger Clyde Otis di Aretha Franklin: The Queen of Soul. "Jadi mereka berkata kepada saya, 'Baiklah, lihat - potong sebanyak mungkin barang yang Anda bisa,' karena mereka merasa mereka akan kehilangan dia." Otis akhirnya merekam beberapa materi album dengan Franklin, tetapi "One Step Ahead" masih gagal. Tidak jelas mengapa balada pijar yang berkilauan dalam mode Brook Benton ini tidak mendapatkan dorongan yang lebih besar, meskipun mencapai Nomor 18 di tangga lagu Billboard R&B. (Franklin menyebutnya "hit meja putar" Columbia 45-an, lagu-lagu yang diputar di radio tetapi penjualannya kecil.) Dibutuhkan generasi mendatang untuk menghargainya: Mos Def menggunakannya untuk hit 1999-nya "Ms. Fat Booty,” dan itu menggarisbawahi adegan kunci dalam film Moonlight pemenang Academy Award 2016.
26. Call Me (1970)
3 Oktober 1969 menemukan Franklin mengubah segalanya, merekam bukan di New York tetapi di Miami's Criteria Studios. "Dia sedang dalam suasana hati yang buruk," kata Jerry Wexler kepada penulis biografi Franklin, David Ritz. Sesi diisi dengan kekuatan super: Didukung oleh bagian ritme Muscle Shoals, dengan Duane Allman duduk di atas gitar, dia memotong begitu banyak lagu klasik sehingga "Pullin'" dan "Try Matty's" harus disimpan untuk album berikutnya, Spirit in the Dark. Sisanya dilanjutkan dengan This Girl's In Love With You, yang menampilkan lagu-lagu oleh Lennon dan McCartney, Bacharach dan David, dan satu lagu asli Franklin: "Call Me". Seharusnya ditulis setelah Franklin mendengar beberapa bagian dengan mengatakan "Aku mencintaimu, panggil aku," trek dasar berpusat di sekitar piano soul-jazz dari Franklin, dimaniskan oleh aransemen string Arif Mardin yang melambung tetapi tidak pernah mengganggu. “Itu manis dan tulus dan penuh dengan kerinduan,” kata Wexler. Didukung oleh "Son of a Preacher Man" versi Franklin, itu adalah hit pop Nomor 13 dan menjadi Nomor Satu di tangga lagu R&B.
25. The House That Jack Built (1968)
Lagu ini bercerita tentang sebuah rumah yang bukan lagi rumah setelah dikosongkan dari cinta yang membangunnya. Franklin – bergumul dengan hubungannya dengan suaminya yang kasar, Ted White dan bernyanyi tentang “sebuah mimpi yang saya pikir adalah cinta” – membalikkan lirik yang menyakitkan dengan vokal yang menolak untuk ditahan oleh kehilangan. Dengarkan gerakannya melalui frasa “Apa gunanya menangis,” sebelum dia meneriakkan bagian refrein dengan nada menantang: “Saya mendapatkan rumah, saya mendapatkan mobil, saya mendapatkan permadani dan saya mendapatkan rak – tetapi saya tidak tidak punya Jack!” Dua puluh lima tahun setelah sesi 17 April 1968 yang menghasilkan lagu ini, Jerry Wexler mengingatnya dalam otobiografinya: "Glurnya masih membuat darahku dingin."
24. Lean on Me (1971)
Meskipun "Lean On Me" memiliki judul yang sama dengan hit Bill Withers, lagu ini, sisi-B tahun 1971 dari "Spanish Harlem", ditulis oleh Van McCoy dan Joe Cobb, pertama kali direkam oleh Vivian Reed dan kemudian ditangani oleh Melba Moore. Versi Franklin dipotong di Criteria Studios di Miami. “Itu adalah studio yang hebat,” jelas Jerry Wexler dalam Respect: The Life of Aretha Franklin. "Dia menyanyikan omong kosong dari segalanya." Di sini, Franklin mengejek pendengar dari nada pembuka: Lagu dimulai dengan empat repetisi riff rendah pada piano, serangkaian awal yang salah, seolah-olah dia tidak dapat mengingat bagaimana, atau kapan, untuk mulai bernyanyi. Ini adalah tipu muslihat, tentu saja, dan beberapa detik kemudian, dia dengan santai mengirimkan frasa "biarkan aku berjalan" melewati piano, membuat "berjalan" bergetar selama beberapa detik dan mengubah pembukaan yang sesak menjadi lelucon. Perangkat ini muncul kembali di sepanjang lagu dengan efek yang luar biasa - saat Franklin memutar dan mengulang kata "mimpi", band ini menggunakan frasa pendek lainnya empat kali berturut-turut - dan energi penyanyi yang tak tertahankan diperkuat oleh isian drum yang menggelegar.
23. Angel (1973)
Kolaborasi Franklin tahun 1973 dengan Quincy Jones, Hey Now Hey (The Other Side of the Sky), bukanlah awal dari era Aretha baru yang diharapkan banyak orang, tetapi itu menghasilkan salah satu single paling luhur yang dia buat selama periode ini. Ditulis bersama oleh saudara perempuannya Carolyn (yang meninggal karena kanker pada tahun 1988) dan Sonny Saunders, "Angel" adalah seruan sedih: "Terlalu lama aku mencintai begitu tidak terikat di dalam / Begitu banyak sehingga aku tahu bahwa aku membutuhkan seseorang," pinta Aretha, hampir secara meditatif pada awalnya. Dengan senar mendengkur dan solo saksofon tipis, aransemen Jones memanjakan dan menghiburnya, tetapi Aretha tidak tinggal diam: Di akhir lagu, dia meratap dan kembali memegang kendali, secara vokal meniup bluesnya. "Semua orang tahu 'Angel' adalah hit," kenang Jerry Wexler dari Atlantic, dan itu, naik ke Nomor Satu di tangga lagu R&B dan memecahkan 20 Teratas di Pop.
22. A Change is Gonna Come (1967)
Sampul Franklin dari lagu Hak Sipil Sam Cooke tahun 1964 "A Change Is Gonna Come" adalah versi aransemen ringan yang mendidih yang menampilkan kibor rumit dan vokal Franklin yang dikalibrasi dengan indah. Dia mulai dengan memberi hormat kepada teman lamanya Cooke (mereka bertemu di awal tahun lima puluhan saat di gereja), memperhatikan bagaimana lagu yang akan dia bawakan “menyentuh hati [nya].” “Dia adalah salah satu penyanyi pria terhebat sepanjang masa,” kata Franklin kepada NPR pada 2007. “Anda memasukkannya ke dalam kategori bersama Caruso dan Pavarotti dan nama-nama hebat lainnya. Sam Cooke, tidak ada yang istimewa, adalah salah satu penyanyi terhebat sepanjang masa.” Vokal Franklin yang hangat namun tegas pada "Change" memanggil kembali ke pelatihan Gospelnya, dan itu memiliki twist tepat di akhir: "Saya percaya perubahan telah datang," tegasnya, tepat sebelum lagu itu memudar dan debut Atlanticnya yang penuh kemenangan. I Never Loved a Man the Way I Love You akan segera berakhir.
21. Night Life (1967)
Willie Nelson menulis "Night Life" pada tahun 1960 sebagai penulis lagu muda Texas yang mencoba memecahkan bisnis musik. Ray Price mengubahnya menjadi hit pada tahun 1963; dan Doris Day, Wanda Jackson dan Marvin Gaye telah meliputnya sebelum versi Aretha Franklin disertakan di Aretha Arrives tahun 1967. Memutar lirik Nelson "Dengarkan blues, mereka sedang bermain," Franklin membuat ulang lagu itu sebagai lagu yang lesu dan sensual yang membangkitkan botol bir kosong di kedai juke yang dipenuhi asap. Petikan gitar blues Jimmy Johnson dan Joe South menggarisbawahi suaranya saat dia mengakui dalam nada meratap namun terarah, "Saya beri tahu Anda bahwa kehidupan malam pasti bukan kehidupan yang baik / Tapi tahukah Anda bahwa ini adalah hidup saya?"
20. Eleanor Rigby (1969)
"Eleanor Rigby" The Beatles adalah pilihan lapangan kiri pada tahun 1970-an This Girl's In Love With You. Lagu cover album lainnya condong ke arah musik soul ("Son of a Preacher Man," "The Dark End of the Street"), tapi di sini ada sepotong pop kamar barok yang berbunga-bunga. Jika elemen jiwa yang dalam tidak ada dalam aslinya, dia hanya akan membuat ulang lagu dengan menambahkan komponen penting tersebut. Tidak ada string di sini; sebaliknya, backbeat yang menggerakkan, call-and-respons antara Franklin dan vokalis pendukungnya, keyboard elektrik yang ceria, dan gitar ritem yang keras dan keras. Dia bernyanyi dari orang pertama - "Saya Eleanor Rigby, saya mengambil beras di gereja tempat pernikahan itu" - tetapi vokalnya yang pedas tampaknya tidak tersentuh oleh kesepian yang menimpa salah satu karakter The Beatles yang paling terkenal.
19. Something He Can Feel (1976)
Mengaitkan Franklin dengan Curtis Mayfield selama perdana pasca-Super Fly-nya adalah ide yang menjanjikan, dan hasilnya - soundtrack film Sparkle tahun 1976 - lebih dari yang diharapkan. Aretha menikmati aransemen proto-disko Mayfield yang kaya, dan dia mampu melepaskan salah satu penyanyi pop paling ganas pada lagu-lagu yang terdengar sepele di tangan lain. Prosesnya tidak selalu mudah; saat memotong "Something He Can Feel," Aretha merasa dia sudah cukup bernyanyi, tetapi Mayfield yang bersuara lembut menyemangati dia. “Dengan caranya yang lembut, dia mendapatkan setidaknya setengah lusin lagi darinya,” kata kakaknya Cecil. Seperti yang kemudian dikatakan Aretha sendiri, "Dia adalah produsernya, jadi saya membiarkan dia memproduksi." Penyangga vampir yang cukup kaku, "Something He Can Feel" masih memberi Aretha banyak ruang untuk diikat dan dikhotbahkan. En Vogue memecahkan Top 10 dengan cover tahun 1992 dan lagu tersebut muncul kembali di remake Sparkle tahun 2012.
18. United Together (1980)
"United Together" adalah lagu penting untuk Aretha Franklin. Bukan hanya itu single pertamanya di tahun 1980-an, era ketika bentuk-bentuk baru R&B naik tangga lagu, tetapi single pertamanya di label baru Arista, organisasi yang dipimpin oleh eksekutif hebat dan maestro pop-balada Clive Davis. Franklin pergi ke studio dengan produser/penulis Chuck Jackson, yang sebelumnya menikmati kesuksesan bersama memproduseri Natalie Cole, dan keduanya membuat balada yang naik-turun, bahagia selamanya, lengkap dengan senar, kuningan yang diredam, dan besar, sangat memuaskan. perubahan kunci yang membuat Franklin meratap. Histrionik memukau Franklin mendorong vokalis pendukungnya untuk unggul – pada tanda 3:38, mereka hampir mencuri trek dengan tiga hembusan nafas yang menakjubkan. Di Aretha Franklin: The Queen of Soul, penyanyi itu menyimpulkan hubungannya dengan Jackson: "Semuanya berhasil seperti buah persik dan krim!"
17. Young, Gifted and Black (1972)
Judul lagu dari album studio kedua puluh Aretha mungkin tidak akan direkam jika co-produser Jerry Wexler berhasil. Dia merasa bahwa Nina Simone, yang telah menulis lagu Black Pride pada tahun 1969 dengan pemimpin band Weldon Irvine, telah melakukannya. Untungnya, Franklin mencari pendapat kedua. "Saya pikir Anda akan menghancurkannya, Ree," kata Billy Preston, yang memainkan organ di trek tersebut, saat ditanya. “Kurasa kau akan membuat mereka melupakan Nina.”
16. "Sisters Are Doin' it For Themselves" with Eurythmics (1985)
Keinginan Clive Davis untuk "mengkontemporasikan" Franklin untuk kebangkitan tahun delapan puluhan menyebabkan presiden Arista Records saat itu memperkenalkannya kepada bintang pop saat itu - termasuk Eurythmics, duo art-synth yang lagu-lagunya tajam namun bernuansa soul telah menguasai radio dan MTV. Tapi vokalis Eurythmics Annie Lennox, yang bertindak sebagai pelapis Franklin pada lagu proto-girl-power yang riuh ini, membutuhkan beberapa perkenalannya sendiri. “Saya harus mengakui bahwa sebelum saya diperkenalkan dengan Aretha Franklin – sangat memalukan untuk mengatakan ini – saya tidak benar-benar mendengarkan rekamannya,” aku Lennox kepada majalah musik Inggris Q pada tahun 1987. “Beberapa orang berkata , 'Annie Lennox terdengar seperti Aretha Franklin,' jadi saya berpikir, 'Seperti apa suaranya? Lebih baik aku mendengarkannya.’ Ketika aku bernyanyi bersamanya, aku menyadari bahwa suaraku tidak terdengar seperti Aretha Franklin. Dia unik, dia memiliki suaranya sendiri dan dia sangat fleksibel sebagai seorang penyanyi.” Perayaan kemerdekaan wanita bernuansa Gospel, yang diproduseri oleh mitra musik Lennox, Dave Stewart dan menampilkan permainan oleh Heartbreakers Stan Lynch, Benmont Tench, dan Mike Campbell, telah diliput oleh Spice Girls dan Lisa Simpson.
15. (Sweet Sweet Baby) Since You've Been Gone (1968)
Aretha Franklin's dan suaminya saat itu Ted White ikut menulis single Emas kelimanya, pembuka sisi-B untuk Lady Soul klasiknya. Dia sangat seksi pada saat versi 45 "Since You've Been Gone" dilaporkan terjual 450.000 eksemplar dalam seminggu. Bersemangat untuk membuatnya bahagia, Atlantic Records menegosiasikan ulang kontrak yang lebih besar lebih dari setahun setelah dia menandatangani kontrak dengan label pada tahun 1966. Lagu itu sendiri pedas, penuh dengan terompet dan ritme yang panas, dan mengumpulkan sebagian besar kekuatannya dari Muscle Shoals- unit tengah yang menyertakan Bobby Womack pada gitar. Franklin meneriakkan kata-kata itu sampai terasa kabur sementara the Sweet Inspirations berteriak dan mendukung di latar belakang. "Bawa aku kembali, tolong pertimbangkan aku!" dia bernyanyi dengan ratapan pijar. Siapa yang bisa menolak?
14. Spirit in the Dark (1970)
Judul lagu yang disusun Franklin dari album studio ke-19nya dimulai dengan nyaman, dengan cepat mencapai alur soul-rock yang mantap dan kemudian diluncurkan ke rave-up Gospel tepat pada saat sebagian besar single R&B akan mengeluarkan tanda "tertutup". Mengutip “Little Sally Walker” dari Rufus Thomas, Franklin mengklarifikasi campuran kuat sekuler dan sakral dari hit R&B-nya, tempat di mana kekuatan hitam bertemu dengan agama zaman dulu. “Dia berseri-seri,” kenang co-produser Jerry Wexler dari sesi Miami yang menampilkan band rumah Dixie Flyers dan penyanyi latar Sweet Inspirations. "Dia keluar dari saus dan yang satunya."
13. Mary, Don't You Weep (1972)
Klasik Gospel old-school yang intens dan membangun suasana yang memulai Amazing Grace mengambil aransemen tahun 1958 yang mengagumkan dari penyanyi utama Caravans Inez Andrews sebagai inspirasinya. Pertama kali direkam oleh Fisk Jubilee Singers pada tahun 1915, “Mary, Don’t You Weep” menggabungkan tenggelamnya pasukan Firaun – kisah pengasingan, perbudakan, dan pembebasan – dengan narasi keluarga tentang iman dan kebangkitan. Saat produsernya ingin mengatur ulang syair lagu untuk pembuatan yang lebih cepat, bassis Claude Rainey mengenang tanggapan Aretha: “'Bisakah kamu menyanyikan lagu ini? Saya telah menyanyikan lagu ini sepanjang hidup saya. Jadi beginilah cara saya menyanyikan lagu ini. Saya tidak memberi tahu Anda cara menjual rekaman atau menekan tombol. Jangan beri tahu saya cara menyanyikan lagu itu. Mereka tetap melakukannya.
12. Drown in My Own Tears (1967)
"Respect" adalah tindakan yang sulit untuk diikuti. Tapi lagu kedua di LP debut Atlantic 1967-nya menemukan Aretha sama menyedihkannya dengan pendahulunya yang kuat dan membangkitkan semangat. Ditulis oleh Henry Glover, dan sering di-cover, "Drown in My Own Tears" adalah kesuksesan tahun 1956 untuk Ray Charles, menggunakan penyanyi wanita di trek untuk pertama kalinya. Di mana Charles menyelami kesengsaraannya yang penuh perasaan, Franklin - yang merekamnya pada hari yang sama dengan "Respect" dan "A Change Is Gonna Come" - memberikannya citarasa Gospel yang nyata, terutama ketika terdengar seperti dia terengah-engah sambil meneriakkan kata ' menenggelamkan.'
11. The Weight (1969)
Franklin awalnya tidak dijual untuk mengcover lagu klasik instan the Band. "Aretha mendengarnya dan mengatakan dia tidak tahu apa arti liriknya," kenang bos Atlantic Records Jerry Wexler dalam biografi David Ritz, Respect: The Life of Aretha Franklin. "Aku bilang aku juga tidak tahu, tapi lagu itu memiliki alur yang kejam dan dia bisa membunuhnya."
“The Weight” berubah menjadi semacam puncak: Franklin melawan Duane Allman – pada gitar slide utama – dan garis bass yang kuat dari David Hood dari Muscle Shoals untuk menguasai trek. Franklin secara halus ahli, menyuntikkan alarm ke dalam suaranya ketika dia bernyanyi tentang menemukan Carmen dengan iblis dan memasukkan lari melismatik ke dalam paduan suara kedua. Sebelum hook terakhir, dia berhati-hati dan mengeluarkan kata seru "yeah!" yang mendorong "The Weight" menjadi merah.
10. Rock Steady (1971)
Meskipun ditulis oleh Franklin, dia memberikan properti lengkap untuk kesuksesan Top 10 hit yang mengguncang Gospel ini kepada Donny Hathaway. “Donny-lah yang menambahkan garis organ tinggi yang memberi 'Rock Steady' aliran ekstra tambahan,” katanya tentang trek Young, Gifted, dan Black. Drummer Bernard Purdie, sementara itu, mengatakan dia menambahkan getaran reggae yang dia ambil saat merekam dengan Bob Marley. Anda juga harus memuji aransemen luar biasa Tom Dowd untuk Memphis Horns, bersama dengan penyanyi pendukung Sweethearts of Soul, untuk "perasaan funky dan rendah hati" yang luar biasa dari "Rock Steady". Selama penampilan Flip Wilson Show yang dia buat dengan pakaian Afrika, Franklin memperjelas niat kekuatan hitam komposisinya.
9. Bridge Over Troubled Water (1971)
"Ketika saya pertama kali menulis 'Bridge,' saya berkata, 'Nak, saya yakin Aretha bisa melakukan pekerjaan dengan baik di lagu ini,'" kata Paul Simon kepada Rolling Stone pada tahun 1970, sama seperti balada yang dipengaruhi Gospel versi dia dan Art Garfunkel. mulai menaklukkan planet ini. Dalam beberapa bulan, Aretha menangani lagu itu sendiri: Lagu itu menjadi hit yang hampir sama besarnya dengan milik Simon & Garfunkel, dan Franklin meraih Grammy untuk Vokal R&B Wanita Terbaik pada tahun 1972. Franklin tidak menyanyikan bait pertama – dia memainkannya di piano, memberikan nuansa sakral pada lagu tersebut sejak awal. Saat aransemen dan suara Aretha terbentuk, "Bridge Over Troubled Water" menjadi lagu gereja yang menenangkan dan menenangkan.
8. Baby I Love You (1967)
I Never Loved a Man the Way I Love You telah mendominasi tangga lagu sejak awal musim semi, jadi Aretha Franklin dan tim produksi yang dipimpin oleh Jerry Wexler tahu apa yang berhasil, termasuk komposisi lain dari komposer "I Never Loved a Man the Way I Love You" Ronnie Shanon. Dikeluarkan sebagai single utama untuk tindak lanjut Aretha Arrives, komposisi ini menduduki puncak tangga lagu R&B dan memuncak di Nomor Empat di Hot 100. "Baby I Love You" memiliki goyangan yang tidak menyenangkan, ceria, dan alur jiwa Selatan seperti Stax yang menampilkan a jilatan gitar yang menarik mendorongnya ke depan, dan vokal yang nyaring dan berayun dari Franklin yang dapat terangkat menjadi ratapan Gospel yang tinggi dalam sekejap.
7. Do Right Woman, Do Right Man (1967)
Potongan trek kedua selama sesi Franklin's Muscle Shoals di awal tahun 1967 adalah lagu pro-fidelity yang lembut dan tidak kaku yang menampilkan Franklin pada piano dan organ. Itu juga merupakan trek terakhir yang direkam di FAME Studios: argumen bermuatan rasial memotong sesi tersebut. “Saya telah meninggalkan studio sebelum menjadi buruk,” kata Jerry Wexler kepada Respect: The Life of Aretha Franklin penulis David Ritz, “tetapi tampaknya menjadi buruk antara Ted [White, suami Franklin saat itu] dan [pemilik studio] Rick Hall. ” Franklin, White dan Wexler meninggalkan Alabama hanya dengan sisa lagu "Do Right", yang ditulis oleh Dan Penn dan gitaris Chips Moman pada tahun 1965.
Beberapa minggu kemudian, Franklin, dengan bantuan saudara perempuannya Carolyn dan Emma serta Cissy Houston, meletakkan vokal dan pianonya. "Dia datang dengan beban berat," kata insinyur Tommy Dowd kepada Ritz. “Dia langsung ke piano, di mana, tanpa sepatah kata pun, dia memainkan piano di atas trek 'Do Right' yang ada. Dia dan Erma dan Carolyn meletakkan harmoni vokal, sebuah aransemen dari surga. Yang tersisa hanyalah vokal Aretha. Dia menjalankannya sekali. Syukurlah saya telah menekan tombol rekam itu, karena daftarnya tidak duniawi. Ada ketenangan tentang penyampaiannya, sikap yang mengatakan, 'Saudaraku, saya memiliki lagu ini, saya akan menggunakan waktu saya, dan saya akan menggalinya ke dalam jiwa Anda.' Ketika dia selesai, tidak ada yang perlu dilakukan. lakukan tetapi gelengkan kepalamu dengan heran.
6. Amazing Grace (1972)
Judul-lagu inti dari mahakarya cakram ganda Aretha - album terlaris dari kariernya sendiri dan musik gospel itu sendiri - terdiri dari dua bait pertama dari himne tahun 1779 pedagang budak Inggris John Newton yang dibentangkan hingga hampir 11 menit dramatis. Dengan ayah pengkhotbahnya dan bintang Gospel Clara Ward duduk bersama di bangku depan, Aretha membawakan pertunjukan solo yang menukik, melonjak, dan improvisasi yang luar biasa yang akhirnya membawa Paduan Suara Komunitas California Selatan James Cleveland, menghubungkan Gereja Baptis Misionaris New Temple ke jalan-jalan Los Angeles di luar dengan penegasan seruan dan respons "segera, segera." Drummer Bernard Purdie, bagaimanapun, kemudian mencatat bahwa penampilan latihan lagu itu bahkan lebih baik, "karena wanita itu berkhotbah."
5. Chain of Fools (1967)
Don Covay, seorang penyanyi-penulis lagu yang bertanggung jawab atas karya klasik soul Sixties yang diremehkan seperti "See Saw", menulis hit terbesar dari Lady Soul milik Franklin, "Chain of Fools" yang ikonik. Covay mengatakan dia awalnya menulis lagu untuk Otis Redding, tetapi produser Franklin, Jerry Wexler, menggeseknya untuk Franklin. "Dia berkata, 'Hei, Aretha perlu mendengar ini.' Dan tiba-tiba, dia ada di sana," kata Covay kepada Billboard. Hit Nomor Dua yang dihasilkan memiliki ayunan yang asyik dan bergoyang ke bawah - trek dansa popcorn Franklin sering diabaikan dalam sejarah funk awal - dan paduan suara pendukung yang luar biasa dari Sweet Inspirations dan Ellie Greenwich yang "mengusir" the Queen of Soul maju. Adapun judul berpasir, itu membuat metafora yang tak tanggung-tanggung untuk jejak kehancuran romantis kekasihnya. Kata Covay, “Saya bisa saja menulis 'Chain of Love', tetapi tidak, saya harus mengatakan sesuatu yang segera menarik perhatian Anda. Jika tidak, [pendengar] mungkin tidak akan membiarkan saya membaca bait pertama.” Sedangkan untuk Franklin, dia menerjemahkan syair terakhir Covay dengan racun yang mengerikan: "Pada suatu pagi ini," dia memperingatkan, "Rantaimu akan putus."
4. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman (1967)
Karya klasik Carole King dan Gerry Goffin ini menggarisbawahi mitos – terkadang dirayakan, di lain waktu reduktif – tentang Franklin sebagai lambang kewanitaan “alami” yang bersahaja. Terlepas dari cara-cara yang terkadang seksis di mana frasa tersebut digunakan, Franklin telah menerimanya. “Saya seorang wanita alami. Menurut saya, wanita harus kuat. Jika tidak, beberapa orang akan menabrak Anda, ”katanya Vogue pada tahun 2015, tak lama setelah penampilan penghormatannya kepada Carole King di Kennedy Center Honors membuat Presiden Barack Obama menangis. Lagu yang dirilis sebagai single utama untuk albumnya tahun 1968 Lady Soul, menggambarkan seorang wanita yang diperbudak oleh seorang pria. Tapi Franklin hampir tidak terdengar tunduk, malah terdengar bersemangat dan kuat. "Oh, sayang, apa yang telah kamu lakukan padaku!" dia bernyanyi dengan irama gembira. "Kamu membuatku merasa sangat hidup!"
3. Think (1968)
Pada tanggal 9 April 1968, Franklin menyanyikan "Precious Lord" di pemakaman Martin Luther King, Jr. di Atlanta. Enam hari kemudian, dia duduk di piano di studio Atlantic Records di New York, menabuh piano dan bernyanyi tentang kebebasan. "Think" - dikreditkan ke Franklin dan suaminya saat itu Ted White - adalah permintaan seorang wanita agar pria yang memainkan permainan pikiran dengannya melihat dirinya sendiri, dan Franklin berada di titik terendah dengan White yang kasar. Tetapi dengan "Think", yang pribadi bersifat politis. "Biarkan pikiranmu pergi, biarkan dirimu bebas," doa Franklin sebelum menabrak jembatan yang membuatnya dan the Sweet Inspirations memperdagangkan kata "kebebasan" 12 kali, meningkatkan intensitas dengan setiap pengulangan. “[Berpikir] beresonansi pada tingkat budaya yang besar,” kata Jerry Wexler. “Orang-orang muda memberi tahu pihak perang untuk memikirkan apa yang mereka lakukan. Orang kulit hitam Amerika menyuruh orang kulit putih Amerika untuk memikirkan [tentang] apa yang mereka lakukan. Lagu itu berbicara kepada semua orang.” Dirilis pada bulan Mei, hampir dua minggu setelah dipotong, single tersebut mencapai Nomor Tujuh di tangga lagu pop, dan menduduki puncak tangga lagu R&B.
2. "I Never Loved a Man (The Way I Love You)" (1967)
Lagu utama dari I Never Loved a Man the Way I Love You juga merupakan lagu pertama yang dibuat oleh Franklin dan musisi pendukungnya selama tugas Januari 1967 yang sangat singkat di FAME Studios di Muscle Shoals, Alabama. “Lagu itu tidak memiliki meteran tertentu, sungguh,” kibordis Dewey “Spooner” Oldham memberi tahu Matt Dobkin, penulis I Never Loved a Man the Way I Love You: Aretha Franklin, Respect, and the Making of a Soul Music Masterpiece, tentang sesi di mana dia dan rekan musisinya pertama kali mendengar demo rekaman rumah Franklin. “Jadi band itu saling memandang satu sama lain seperti, 'Nah, apa yang harus kita lakukan? Ke mana kita pergi sekarang?’ Kami semua berada di dunia kecil kami mencoba mencari ritme atau riff. Dan saya kebetulan menjadi orang yang merumuskan pola kecil ini. Saat gitaris Chips Moman memberi tahu anggota band lainnya tentang jilatan keyboard Oldham, pemain keyboard terus bermain – dan kemudian Franklin menimpali dengan salvo pembuka “Kamu tidak baik, patah hati,” memperkuat nuansa lagu. “Dari sana itu seperti kilauan dan kilau,” kata rekan penulis “Do Right Woman, Do Right Man” Dan Penn kepada Dobkin. Beberapa jam kemudian, "soul waltz", sebagaimana drummer Roger Hawkins menyebutnya, selesai. Pada bulan Maret, itu menjadi hit Nomor Satu pertama Franklin di tangga lagu R&B, mencapai angka itu pada ulang tahun ke-25 Franklin. Itu salah satu lagu khasnya dan suar yang menandakan bahwa penandatanganan dengan Atlantic Records juga mewakili perubahan dalam cara dia mendekati seninya.
1. Respect (1967)
Lagu kebangsaan Aretha Franklin adalah cover yang mengesankan dari rave-up Otis Redding tahun 1965 yang menangkap semangat negara di berbagai tingkatan – terutama gerakan hak-hak sipil, dengan penulis Phyl Garland menyebut “Respect” Franklin sebagai “lagu kebangsaan Negro baru” di Ebony edisi Oktober 1967. Itu juga bergema dengan gerakan feminis, namun Franklin tetap blak-blakan tentang tema mengemudi lagu tersebut: "Menurut saya itu sama sekali tidak berani," katanya kepada Detroit Free Press baru-baru ini tahun ini. “Saya pikir wajar jika kita semua ingin dihormati – dan harus mendapatkannya.”
Franklin telah membawakan "Respect" di pertunjukan live-nya bahkan sebelum dia menandatangani kontrak dengan Atlantic Records. "Dia setuju dengan ini," kata produser Atlantik Jerry Wexler kepada Matt Dobkin, penulis I Never Loved a Man the Way I Love You: Aretha Franklin, Respect, and the Making of a Soul Music Masterpiece. “Aretha sangat hebat dalam membuat lagu seperti yang dia inginkan. Banyak lagu yang dia bawakan – pada dasarnya kuenya ada di dalam oven; yang harus Anda lakukan hanyalah memanggangnya. Dia akan mengerjakan bagian ritme, aransemen piano, dia melatih vokalnya, dia membawa penyanyi cadangannya. Ketika mereka datang menyanyikan ‘Respect,’ mereka memiliki seluruh template.”
Yaitu, kecuali jembatan. “Jadi saat kami melakukannya kami berpikir, kami akan memasang jembatan empat batang,” kata Wexler. “Dan kami mengambil jembatan dari 'When Something Is Wrong With My Baby' oleh Sam dan Dave. Ini bagus karena memberikan rilis yang fantastis. Rasanya seperti perubahan kunci.”
Tanggapan untuk "Respect" langsung berapi-api. Itu mencapai Nomor Satu di Billboard 100 panas pada bulan Juni 1967 dan bertahan di sana selama dua minggu dan akhirnya memimpin tangga lagu Hot Rhythm & Blues majalah selama dua bulan. “Itu seperti, 'Ya Tuhan, Aretha menutupi Otis,'” kata penyair dan kritikus Nikki Giovanni kepada Dobkin. “Saya tidak bisa pergi ke toko kaset dengan cukup cepat untuk mendapatkan album itu. Saya baru saja lulus kuliah. Dan semua orang mulai berkata, 'Apakah Anda mendengar apa yang dia lakukan?' Semua orang mulai menganalisis album itu. Gerakan Hak Sipil terbakar. Dan saya sadar bahwa inilah yang akan terjadi. Dan itu sebenarnya. Saya pikir musik telah menunjukkan bahwa Aretha mengakhiri sebuah era.”
Refrein "sock it to me" dengan cepat di dekat akhir lagu adalah anggukan untuk bahasa gaul yang populer di sekitar lingkungan Franklin. “Itu semacam klise di lingkungan itu,” kata Franklin kepada Free Press. “Orang-orang mengatakannya di sana-sini, dan kami memutuskan untuk memasukkannya ke latar belakang.” Bagian paling penting dari penyanyi cadangan lainnya adalah pengulangan suku kata pertama judul yang berapi-api, yang memiliki makna ganda yang cerdik. “Re-re-re – itulah yang mereka sebut Aretha,” catat Wexler. "Itu adalah variasi yang sangat cerdik." Dan, seperti yang dicatat Dobkin, konsep rasa hormat dan sosok Franklin yang menjulang tinggi segera digabungkan: "Ini semacam silogisme kuasi R&B: Aretha adalah rasa hormat adalah Aretha."
